Angelika Unterberger

Unterberger Angelika

Angelika Unterberger
Angelika Unterberger
Angelika Unterberger

Meine Leidenschaft für die Kunst und speziell für die Malerei entstand schon in meiner Kindheit. Als sechstes und jüngstes Kind, eines Migranten und Österreicherin… Aufgewachsen in eher bescheidenen Verhältnissen, war der Wunsch diesem Zustand bildnerisch Ausdruck zu verleihen sehr früh vorhanden. Und so entstehen heute noch Bilder, die die Traurigkeit dieser Zeit mit Optimismus und Zuversicht paaren. Ein schönes Beispiel dafür ist das Portrait meines Großvaters! 

Überhaupt beschäftige ich mich in meiner Arbeit gerne mit Gesichtern, die sehr oft auch zu Landschaften werden und dadurch dem Gemütszustand stärker gerecht werden. Ich versuche auch meine Werke so zu gestalten, dass der Betrachter für sich selbst etwas entdecken kann, seine eigene Botschaft oder Geschichte.

Wesentlich ist für mich auch der „Tanz“ zwischen den Maltechniken, dem Spontanrealismus und der altmeisterlichen Ölmalerei. Also vom kraftvollen, breiten Pinselstrich mit intensiver Farbgebung zur detailverliebten, feinen Darstellung von Landschaften oder Personen in Öl.

Ich befasse mich auch gerne mit Auftragsarbeiten. So entstand etwa ein 10-teiliger Zyklus, in spontanrealistischer Technik mit leicht naivem „Touch“, zum Thema Bergbau unter Kaiser Maximilian I. im Kärntner Mölltal. Diese Werke sind in einer Dauerausstellung im Oberstbergmeisteramt in Obervellach / Mölltal zusehen. Auch die Portraitmalerei ist eine Leidenschaft von mir, in die ich meine intensive Energie einfließen lassen kann.

Auf meinen Reisen, finde ich die Inspiration für meine Werke, und in meinem Atelier in Ferndorf/Drautal die nötige Ruhe zur bildnerischen Umsetzung.

SPONTANREALISMUS

Diese Wortkreation sollte getrennt voneinander erklärt werden:

Spontan – wird definiert als „plötzlich – ohne Bewusste Überlegung“.

Realismus – ist die Darstellung von direkten Vorbildern, die in der Wirklichkeit gesucht werden.

Ich mag diese Art der Malerei, ich lebe und fühle sie. Intuitiv vermische ich die Techniken und Farben, gepaart mit Emotion und Dynamik.

Acryl, Öl, Kreide und Tusche sind die Hauptakteure. Aufgetragen mit Spachtel und Pinsel – bevorzugt auf mit Leinen bespannten Keilrahmen.

Das Handwerk der Malerei sollte verinnerlicht und gefestigt sein, nur so ist ein spontanes, dynamisches und kraftvolles Arbeiten möglich.

Im Spontanrealismus vereinen sich traditionelle Kunst in einer neuen, dem Zeitgeist entsprechenden Interpretation.

 

Ausbildung

2021 – heute

Leonardo Kunstakademie Mattsee | Prof. Baier

2014

Acryl/Menschen und Porträt – Kunstakademie Geras | Martin Veigl

2013

Spontanrealismus – Kunstakademie Bad Reichenhall | VOKA

2010 – heute

Altmeisterliche Ölmalerei – Obervellach | Michael Fuchs

2004

Spachteltechnik/Acryl – autoditakt

2003

Mischtechnik/Acryl | Ulrike Weigandt

La Manda Luminiscent

About my way

Since forever I have been painting, it is just something that is rooted deep inside of me. If a day goes by without me painting, I am not myself.

As an artist I am independent since 2019 and I love every single part of it. Attending exhibitions and art fairs, meeting other artists and lovely people who share an interest and of course the biggest compliment there is – selling my art.

Moving from my hometown Graz to Vienna in 2010 was the best decision of my life, this vibrant city full of culture and art opened my mind a lot. I found myself here, my vocation and most important I was lucky to find my soulmate, my best friend that I call my husband now. Without him there would be no colour in my life, I guess he is what you can absolutely call my muse.

The muse at my favorite working space – our terrace. It is the most energetic spot I have ever been to and anytime possible I love to paint outside!

My happiness is the base of my work. Uplifting and positive, even when the theme is darker or socially critical, I want you to have a good feeling when you look at it. So it just happens that many of my paintings have a little bit of irony hidden in the dark.

Anyhow, no matter which genre of my work is mostly yours… lean back, feet up and enjoy the light!

Mandea Art

An artist living and working in Vienna, Austria since 2020 but originally born and raised in Uganda.  I graduated at Makerere University and received a Bachelor’s Degree in Fine Art (BFA). 

Art has been my passion since childhood.  

As a dedicated full time artist, I am open to virtually all subject matter, such as cityscapes but my work is mostly known for my abstract wildlife paintings.
My love for color portrays the spirit of my work expressed with an energy and creativity radiating from an almost indescribable place.
During the creating process, my painting technique is conducted with various palette knife sizes, rollers and bristle brushes as my favorite tools using acrylic or oils on canvas.          

I build a strong bond between the viewer and the painted animals by focusing on the detailed construction of the eyes to cherish the emotional connection between the muted wildlife and humans.
My work is designed to touch hearts, souls and to reach out to the whole world. Inspiration for my paintings comes from the details and moments of everyday happenings, like my childhood and my recent life.  

“ I paint because I do not want to leave this world without ever using my gift ’’

Most of my work has been featured in exhibitions in the USA, Italy, Spain, Austria, Uganda, Sweden, Kenya, South Africa, Netherlands, and the UK.

 
Exhibitions

2024 – Solo Exhibition at Herzogenburg Rathaus

2023 – Exhibition with live painting at Rhino Art, Vienna

2023 – Group Exhibition at Public Artists, Vienna

2023 – Group Exhibition, Graz

2023 – Group Exhibition at Herzogenburg Rathaus

2022 – Group Exhibition, Graz

2022 – International Artfair –  Stift Dürnstein

2022 – Schloss Wilhelminenberg, Vienna

2021 – Art.ismuss, Live painting at Global Women’s Strike, Vienna.
2021 – POP ART, group art exhibition at Public Artists, Vienna.

2021 – TRANSFORMATION, group art exhibition at Public Artists, Vienna.

2021 – Online exhibition with Eostrix Vision.
https://360.eostrixvision.com/tour/mande

2020 – ART AQUA, group art exhibition at Public Artists, Vienna.
2020 – Group
art exhibition in Sundbyberg, Stockholm (Sweden).

2020 – COLOR
EXPLOSION, solo exhibition at “Gallery Steiner”, Vienna.

2019 –
KulturKontakt, group exhibition at Concordiaplatz 2, Vienna.

2018 – Group exhibition in San Francisco (America).

ISK group art exhibition, Nairobi
(Kenya).

Binaries Art
exhibition at Nommo gallery, Kampala (Uganda).

Independence
exhibitions at Nommo gallery, Kampala (Uganda).

EDUCATION

Bachelor of Industrial and Fine Arts

Alice Milewski

Milewski Alice

Alice Milewski
Alice Milewski
Alice Milewski

Alice Milewski (geboren 1999) ist eine in Wien ansässige bildende
Künstlerin, deren Schaffen sich auf die Erstellung surrealer,
fotobasierter Kunstwerke konzentriert.
Milewskis Werke tauchen in die Themen Identität und die
allgegenwärtige Verbundenheit zwischen den sichtbaren und
unsichtbaren Strukturen unserer Welt ein. Sie hinterfragt die
konventionellen Grenzen zwischen Realität und Traumwelt und
lädt in eine Sphäre ein, in der sowohl persönliche als auch
kollektive Erzählungen auf oft spielerische Weise erforscht
werden, insbesondere durch das Prisma ihrer eigenen
Selbstporträts.


E-Mail: milewskialice@gmail.com
Handy: +43 664 3592764
Instagram: @alicemilewski

 

2024 Visions from Beyond – Surya Festival, Ghent
2024 The Art of Healing – Chinastraat, Ghent
2024 Hide and Seek – Fine Art Galerie Traismauer
2024 EQUALITY – WFUCA Women’s Academy, virtual exhibition
2023 Free Bodies – Galerie Joseph Le Palais, Paris
2023 Retroperspektive – B14 Galerie, Wels
2023 eXmedia23 – Fine Art Galerie Traismauer
2023 ImageNation New York – Soho Photo Gallery, New York
2022 ImageNation Paris – Galerie Joseph Le Palais, Paris


2024 Diplom-Ingenieurin, Masterstudium Digital Design and Photography – Fachhochschule St. Pölten
2021 Bachelor of Science, Bachelorstudium Medientechnik – Fachhochschule St. Pölten
2018 Grafikdesign und Werbung – Werbeakademie Wien

be storing like afghan women

Rabko Anna

be storing like afghan women
Anna Rabko. FRom Ukrainian Crimea

Anna Rabko is a graphic designer and illustrator working under the name Happy Borders, who stands for equal rights and the respect that we all as immigrants and refugees deserve. She uses colours and surrealism as a universal language everyone can understand.

Her education started at the Academy of Fine Arts in Cracow, Poland with an endless love for Polish Poster design and continued in Kathmandu, Nepal learning traditional Thangka painting.

She has worked with theatres, NGOs and collaborates with other artists.

www.happyborders.space

LELEFANTiiNA

www.lelefantiina.art

Ich bin eine autodidakte Künstlerin, lebe und arbeite im Raum Wien. 

Meine Werke sind ein Spiegelbild meiner Faszination für Menschen. Aufgrund
meiner eigenen Geschichte setze ich mich insbesondere mit den inneren
Kämpfen sowie sozialen Herausforderungen auseinander und bringe die
reichhaltige Palette menschlicher Emotionen zum Ausdruck.

Meine Kunst lädt die Betrachter dazu ein, sich mit den komplexen Facetten
menschlichen Erlebens und Empfindens auseinanderzusetzen. Durch
verschiedene Techniken und Materialien, vorwiegend Acryl auf Leinwand
und Papier, visualisiere ich die Tiefe und Vielfalt menschlicher Emotionen.
Diese Technik ermöglicht mir ein schnelles Arbeiten und unterstützt die
bildnerische Darstellung.

Mein kreativer Prozess beginnt oft mit einer intensiven Wahrnehmung und
einem starken Gefühl, das mich dazu drängt, mich künstlerisch damit
auseinanderzusetzen. Dieser innere Prozess, der sowohl die Emotion als
auch die Umsetzungsidee umfasst, führt schließlich zur Entstehung des
Werkes. Dabei lasse ich mich von der Emotion und dem Flow leiten.
In Zukunft möchte ich meine künstlerische Reise fortsetzen und weiter
erforschen, wie Kunst als Medium genutzt werden kann, um die Vielfalt der
Emotionen in all ihren Facetten gesellschaftsfähig zu machen sowie die
Auseinandersetzung mit dem Inneren und den damit verbundenen
Herausforderungen visuell darzustellen.

Die Malerei begleitet mich schon mein Leben lang, als große Passion und
heilende Kraft. Für mich ist Kunst deshalb vor allem eine Lebensform. Ein
innerer Ruf. Mit allen Sinnen wahrnehmen, reflektieren und schöpferisch
gestalten!

eStella

eStella Art

eStella
eStella
eStella

E.STELLA ART

M A L E R E I   U N D  K U N S T W O R K S H O P S

office@estella-art.at

www.estella-art.at

eStella war schon in ihrer Kindheit und Jugend von allen kreativen Tätigkeiten fasziniert und probierte allerhand aus. Kreativität wurde dadurch zu ihrem ständigen Lebensbegleiter. Beruflich schlug es sie dennoch in eine andere Richtung.

Im fortgeschrittenen Alter entschloss sie sich jedoch, ihrer Kreativität noch einmal eine neue Richtung zu geben und begann an der Leonado Kunstakademie ein Studium in Malerei bei Professor Hannes Baier. Dort entdeckte sie auch ihre Leidenschaft für Portraits und jede Art der figuralen Darstellung erneut.

Ergänzend zur Kunstakademie bildet sie sich seither immer wieder bei Michael Fuchs speziell im Bereich der Öl Portraitmalerei weiter.

„Das Leben mit allen Diversitäten an Facetten und Emotionen wahrnehmen und mit der Malerei einen Kanal zu schaffen, das auszudrücken, ist das, was mich an der Kunst und an allen kreativen Prozessen fasziniert. An der Portraimalerei und figuralen Darstellung fasziniert mich derzeit vor allem der Versuch, einen Moment der Emotion aufzugreifen, diesen in reduzierter Darstellung wiederzugeben und dabei die Balance zwischen Realität und einem individuellen kreativen Focus zu finden.
Parallel dazu entwickelt sich die Malerei gerade auch zu einem ganz persönlichen Ausdrucksmittel meiner eigenen Emotionen und Erlebnissen, in Form von einem surealen Stilmix realistischen, expressionistischen und impressionistischen Elementen.
Insgesamt ist die Kunst für mich ein immerwährender kreativer Lern- und Entwicklungsprozess, der hoffentlich nie endet.“

ANŽO

BLUEVERZE By ANŽO

ANŽO
ANŽO
ANŽO

Imagination is a highway for the vision!
ANŽO


blueverze@gmail.com
blueverze.com


Welcome into my BLUEVERZE world which is represented with a
hidden blue eye in every painting.


BLUEVERZE’s essences are authenticity, creativity and freshness.
Diverse topics and live colors are here to inspire and intrigue you!
That’s why I would like to invite you to dive deeper into my universe.


Anže Ivanuš – ANŽO is a 34 years old Slovenian self
taught multidisciplinary artist.
He paints surrealist paintings combined with cubism and
expressionism alongside producing videos and digital art.
Currently living in Vienna (Austria) with his wife where he works
and is expanding his artistic and cultural horizon.


In the last few years he had 9 solo shows including many group ones.
He also exhibited abroad in Austria, Croatia and Netherlands.
A combination of practice, learning and spirituality is what allows his
perspective as an artist to remain traditional yet contemporary.


Diverse topics and live colours are here to inspire and intrigue you!


His goal is to produce meaningful art to spark your imagination.


JUST IMAGINE!
With respect, ANŽO


LIST OF EXHIBITIONS:
*2024 Wien / March-April (Austria) – (Publickartist gallery) /
“Surrealistic visions” (Solo exhibition)
*2023 Wien / September (Austria) – (Publicartist gallery) / “MOMENTS
collection” (Solo exhibition)
*2023 Wien / March (Austria) – (Publicartist gallery) / “Vienna art
summer” (group exhibition)
*2023 Rotterdam / April (Netherlands) – (Mara & On the rockx
restaurant) / “ART ON THE MENU” (Solo exhibition)
*2023 Wien / March (Austria) – (Publicartist gallery) / “BLUEVERZE
presentation” (Solo exhibition)
*2022 Wien (Austria)- (Zwischendecke gallery) – “Essence“ (Solo
exhibition)
*2019 Ljubljana (Slovenia) – MCO – „Project 366” (Solo exhibition)
*2018 Nerezine (Croatia) – („Just imagine“),
*2018 Ljubljana (Slovenia) – (“My point of view”), (Solo exhibition)
*2018 Ptuj (Slovenia) – (“My point of view”),
*2018 Ormož (Slovenia) – (“Interpretation of aphorisms by Martin
Kojc”) (Solo exhibition)
*2017 Štatenberg Castle (Slovenia) – Kidričevo, Ormož, Ptuj – (group
exhibition)
*2016 Ptuj (Slovenia) – “Imagine” (Solo exhibition)
*2015 Ormož (Slovenia) – “Perspective” (Solo exhibition)

 

BLUEVERZE By ANŽO (Anže Ivanuš)
IMAGINE THE MOMENT, © 2018

Michelle Irina

CURRICULUM VITAE
Irina Michelle

*1977 Geboren in Sofia, Bulgaria
Lebt und arbeitet in Wien, Österreich

KONTAKT
T.+43 660 32 71714


E-MAIL:
Irina.michelle@aol.com
bativka@gmail.com
www.irinamichelle.com


AUSBILDUNG
• 2003/ Diplom in Illustration, Buch und Papier an der
Akademie der bildenden Künste, Sofia, Bulgarien
• 2002 / Magister Diplom mit Auszeichnung in Grafik und
Druckgrafik an der Akademie der bildenden Künste,
Sofia, Bulgarien
• 2000-2002- Kunstpädagogik und Kunstvermittlung, Sofia
Bulgarien
• 1996-2002 Bildende Kunst: Grafik und Druckgrafik, Klasse
Prof.P.Chucklev, (Bachelor/Magister) Akademie der
bildenden Künste, Sofia, Bulgarien
• 1996 Bildende Kunst Gymnasium “Elisaveta Bagrjana” –
Sofia, Bulgarien
• Seit 2002- Vollmitglied des bulgarischen
Künstlerverbandes
• Seit 2002- Mitglied des Verbands der bulgarischen
Druckgrafiker
• 2021 Mitglied des Litho-art Vereins, Wien, Österreich
• 2022 Mitglied des Kunstschaffen Vereins, Wien,
Österreich
• 2022 Mitglied des KURBEL Kunst Verein, Österreich

AUSZEICHNUNGEN UND PRIX
1997- First Award “Drawing”- National Academy of Art, Bulgaria
1998- First Award “Drawing”- National Academy of Art, Bulgaria.
First Award “Engraving”
– National Academy of Art, Bulgaria,
2002- Honorary Award on “Bulgaria-Europe-Traditions join us” Contest-
Europe Centre Sofia, Bulgaria;
Collection of Florean Museum`s, Baia Mare, Romania
2003- Award for Young Artist,
– Studio Residency, “Cité Internationale des Arts” –Paris, France
– Collection of The Archive of the Faculty of Arts and Desigh,
Timisoara, Romania

Nimmt an Internationalen Ausstellungen und Art Plain Airs teil:
(Plain Air „Kamen Bryag”, Darik Radio Art Collection, Graphic
Plain Air Burgas, Bulgaria, Plovdiv Graphic Plain Air – und etc.)
Nimmt an representative Ausstellungen in bulgarische Kunst in
Bulgarien, Serbien, Portugal, Spain, Germany, Austria, France,
Belgien, und etc.
RESIDENZEN
2003 Studio Residency, “Cité Internationale des Arts” –Paris, France

Ausstellungen und internationale Wettbewerbe
2024- Auf Augenhöhe, Schönbrunnerstraße,54, Wien
2023- Ausstellung Zu-Kunst-Fähig
Tag der offenen Ateliers, Margareten, Wien, Österreich
Abstrakte Phantasien, Schönbrunnerstraße,54, Wien
Ups and Downs, Galerie am Park
Adventzauber Austelleng,
2022- Tag der offenen Ateliers, Margareten, Wien, Österreich
“Dauerhaft gültig”- Solo Austellung, Wien, Österreich
“Frieden”- Austellung, Gallerie am Park, Wien, Österreich
2016- Gallery TeaAlba, Sofia, Bulgaria
2015- Gallery Rakursy, Sofia, Bulgaria
Gallery TeaAlba, Sofia, Bulgaria
2008- 10th The International Small Engraving Salon Carbunari, Romania
2007- Mini Print International of Cadaquès, Spain
2003- Annual joint exhibition in Cité Internationale des Arts, Sofia, Bulgaria
Exhibition Cité Internationale des Arts, Paris, France
Annual exhibition of Bulgarian Printmakers, Gallery Shipka6, Sofia, Bulgaria
Mini Prints Exhibition Florean Museum, Conteporary Art Baia Mare, Romania
Contemporary Textil Art, Gallery Shipka6
12th International Print Biennial, Varna, Bulgaria
Mini-Prints Annual Exhibition
Annual exhibition of Bulgarian Printmakers, Gallery Shipka6, Sofia, Bulgaria
2002- First International Contemporary Print Salon Contest and Exhibition, Gallery Lesedra, Sofia, Bulgaria
Mini Prints Exhibition Florean Museum, Conteporary Art Baia Mare, Romania
Mini Print International of Lodz, Poland
“Young Artist” Exhibition, Sofia, Bulgaria
Annual exhibition of Bulgarian Printmakers, Gallery Shipka6, Sofia, Bulgaria
“Friends of the Sea” Exhibition, Burgas, Bulgaria
Invitation and participationa of Plain Air Kamen Bryag, Darik Radio Art Collection, Bulgaria
Print Exhibition, Gallery Balchik, Bulgaria
Annual joint exhibition in Cité Internationale des Arts, Sofia, Bulgaria
Contest and Exhibition “Bulgaria-Europe-Tradition join us”, Intercontakti Fondation Centre
2001- Annual joint exhibition in Cité Internationale des Arts, Sofia, Bulgaria
Participation in General exhibition of the Union of Bulgarian Printmakers, Sofia, Bulgaria
Print Exhibition Timisoara, Romania
Collection of The Archive of the Faculty of Arts and Desigh, Timisoara, Romania
Mini Prints Exhibition Florean Museum, Conteporary Art Baia Mare, Romania
International Biennial Ex Libris, Gliwitce, Poland
11th International Print Biennial, Varna, Bulgaria
3th International Print Triennial, Sofia, Bulgaria
International Print Triennial, Ufa, Russia
General Mini Prints exhibition of the Union of Bulgarian Printmakers, Sofia-Plovdiv-Varna-Burgas
Print exhibition, Gallery Trud, Sofia, Bulgaria
Annual exhibition of Bulgarian Printmakers, Gallery Shipka6, Sofia, Bulgaria
Invitation and participationa of Plain Air Burgas, Bulgaria
Bourgas Plain Air Exhhibition, Gallery Burgas, Bulgaria
“Friends of the Sea” Exhibition, Burgas, Bulgaria
Exhibition, Gallery Rakursy
2000- Mini-Print Exhibition, Sofia, Bulgaria
Young Artists, Union of Bulgarian Artist, Gallery Shipka6, Sofia, Bulgaria
“Guibileo 2000” Pescara, Italy
International Mini-Prints, Baia Mare, Romania
Mini Prints Exhibition Florean Museum, Baia Mare, Romania
1999- X International Print Biennial /Varna, Bulgaria

BERUFSERFARUNGS LEHRER
• 9/2002-4/2005 Hochschule der Bildenden Künste „Prof.Nikolay Rajnov“- Sofia Bulgaria
Lehrer für Druckgrafik und Kompozition
Betreuungslehrperson/ Diplomarbeit Betreuer für Druckgrafik

Wydler Mirjam

Mirjam Wydler

1972

geboren im Säuliamt (Zürich)

1993 – 2001

Studium der Bildhauerei an der Universität für angewandte Kunst in Wien bei Prof. A. Hrdlicka und Prof. G. Fassel

2001

Diplom mit Auszeichnung

Würdigungspreis des Bundesministeriums für Bildung, Wissenschaft und Kultur

2003

EU-Förderungsstipendium „Premiere“ für Absolventinnen der Universität für angewandte Kunst Wien

Mirjam Wydler lebt und arbeitet in Wien

Nach ihrem Studium konzentrierte sie sich auf das Malen von Bildern mit Farben auf Acrylbasis. Den Farben mischt sie Asche, Sand oder auch Zement bei. Durch das Auftragen vieler Schichten werden reliefartige Strukturen erreicht. Ihre wichtige Themen (ein Liebespaar, eine Frauenfigur, Pferde und immer wieder auch abstrakte Kompositionen) werden so über viele Jahre hinweg in drei Phasen bearbeitet: Als Bild, als Relief und als Skulptur.

Mitunter sind die Übergänge fließend.

Ausstellungen seit 1994 in der Schweiz, Deutschland und Österreich (Auswahl):

1998 Kulturpavillon/Wil CH*; 2003 u. 2007*: Galerie Ariadne/Wien

2004 Artothek/Alte Schmiede/Wien*; 2008 Galerie Gecko/Solingen

2009 -Lebensform Wittgenstein- im Wittgensteinhaus (mit West, Wurm, Eisenhart, Wiener, Mühl, Leibetseder ua.); Galerie am Park und Galerie Windspiel/Wien (mit Florian Leibetseder); 2011 Galerie Blaugelbe/Zwettl, NÖ.;

-Du und ich- (mit Florian Leibetseder) und -Anderwelt- 2012, Ragnarhof/Wien

2013 Rearte Gallery/Wien; 2014 No Place Like Home, Kunstservice, Wien

2015, -Dem Horizont entgegen-*, Art Hotel the art gallery vienna;

– w e i t e r t r a b e n –*, Galerie AKH Contemporary, 1090 Wien;

– w e i t e r t r a b e n II –*, Kunst-Service, 1040 Wien;

-Augenweide-, Galerie Märtplatz, Affoltern a/A, Schweiz (mit Florian Leibetseder);

2018 – STRUKTUR UND PATINA –*, Galerie AKH Contemporary,1090 Wien

2019 + 2022*, Art & Design Vrtala, 1210 Wien;

2020 Galerie Irene Legris*, 1180 Wien;

2022 Galerie KRAS, 1060 Wien (seit 2018 regelmäßig Präsentationen in der Galerie)

* Einzelausstellungen

Stahl Monika

Monika Stahl

www.moneyart.at

1 Leben  -  6 Identitäten 

Kindheit:  Die inzwischen konfessionslose Monika Stahl wurde in Wien geboren und wuchs streng katholisch in einer Kleinstadt auf.


Familienleben: 22 Jahre Ehe und zwei Kinder prägten diesen Lebensabschnitt.


Berufsleben: Sie startete eine technisch orientierte Laufbahn als Programmiererin, war 25 Jahre EDV-Leiterin in einem Pharma-Produktionsbetrieb.


Abenteurerleben: Sie erwarb vor 29 Jahren ihre Fluglizenz, machte ein Wasserflug-Rating in Kanada, sowie eine Ausbildung zur Buschpilotin in Afrika; ihre Leidenschaft war das Fliegen. Zudem fuhr sie mit ihrer Harley Davidson quer durch Europa und in den USA von der Ost- zur Westküste. Damals begann ihr


Künstlerleben:  Bei ihren monatelangen Aufenthalten in NYC, die sie zu Kunststudien nutzte, wurde ihr ihre hedonistische Ausrichtung bewusst und sie begann mit künstlerischen Mitteln gegenzulenken. Mittlerweilen ist sie eine international ausgezeichnete professionelle Künstlerin. Beeinflusst durch Erich Fromm’s  „Haben oder Sein“ stellt sie Habgier und exzessiven Konsum an den Pranger.

Angefangen mit ACRYLCOLLAGEN, in denen sie mit Farbe verschiedenste Geldwährungen in Collagen verarbeitete, konzipierte sie den eigenen Stil „MONEYART“.  Danach entwickelte sie eine Technik, „Weiße Kunst – lebendig durch Licht“, die sie CANVASRELIEF nennt. Dieser neue 3D Stil ist einzigartig. Zurzeit beschäftigt sie sich besonders mit Frauenthemen. Eine Balance zwischen den Geschlechtern, was Rechte und Pflichten betrifft, ist ihr Anliegen.

Seit 2017 vertieft sie ihr Weltbild in einem


Philosophenleben: Studium am Institut für Philosophie Universität Wien
2022 veranschaulicht der Farbwechsel ihrer neuesten Werke von Weiß auf Schwarz den Schmerz über die um sich greifende Zerstörung. Die Gier nach Macht und 3Besitz macht vor nichts halt und nimmt die grausamsten Opfer in Kauf. Monika Stahl entblößt die verheerenden Auswirkungen des Neoliberalismus der patriarchalen Systeme, indem sie Phalli in den Collagen verwendet, als Symbol der maskulinen Übermacht in der Welt des Geldes.


Einzel- und Gruppenausstellungen (Auszug)

2023 K-Hof Kammerhofmuseen Gmunden
2023 Schwanthaler Galerie Gmunden
2022 Schloß Ort Gmunden
2022  Justizzentrum Wien
2021  „Ein-Bild-Galerie“ Kritzendorf
2020 Kulturmuseum, Kierling
2019 Alpha Galerie, Wien
2019  Bezirksgericht, Wien
2019  Air Nova ,Graz
2018  Alte Schieberkammer , Wien
2018  Tage der offenen Ateliers, NÖ
2018  Einladung zum Küssen, Klosterneuburg
2018  Salon Golden Garden, Cannes
2018  Adriana Art Gallery, Wien
2018  Wittnerhof, Gramatneusiedl (Charity)
2017  Tage der offenen Ateliers, NÖ
2017  Strohhaus, Gramatneusiedl (Charity)
2017  Wasserturm, Wien
2017  Volkskundemuseum , Wien
2017  London Art Biennale
2017  Stadtmuseum Klosterneuburg
2017  Justizzentrum Wien
2016  Winter Salon Straßburg, Frankreich
2016  Justizzentrum Wien
2015   Brisbane Life Art World Wide, Australien
2015  Tokyo Life Exhibition ISSO Art Gallery, Japan
2015  Volkskundemuseum, Wien
2015  London Art Biennale
2014  MOYA Wien
2014  Grimaldi Forum, Monaco
2011-2018  div. Ausstellungen im eigenen Atelier in Wien
2010  Urania Berlin
2010  Money Veiling, Bex, Schweiz
2009  Biennale of Chianciano, Italien
vorher zahlreiche Ausstellungen in Wien

Nationale und internationale Awards
2017 London Art Biennale 2017 für den Zyklus „WeepingWomen“
2015 London Art Biennale 2015 für den Zyklus „MoneyEaters“
2014 „Spirit of Art“, Moya Wien für „The Star“

 

SilvaGe

Mag. Silvia Guenova

Künstlerin, Schauspielerin und Regisseurin, beschäftigt sich seit vielen Jahren mit der Malerei. In ihrem künstlerischen Schaffen der letzten Jahre erprobt sie das Zusammenspiel von Holzstruktur und Farbe. Dieses Wechselspiel von naturgegebenem Maluntergrund erzeugt eine scheinbar paradoxe Situation von Spannung und Ruhe. Es entstehen Gefühlslandschaften, innere Gefühle und Erinnerungen finden im reduzierten Farbenspiel ihren Ausdruck. Die Bilder sind klar strukturiert und wirken ungefiltert auf den Betrachter ein. Diese Auseinandersetzung mit der Natur verfolgt Silvia Guenova in anderen Bildern auch mittels der Technik der Decalcomanie.

  • in Sofia geboren

  • Schauspiel- und Regieausbildung

  • an vielen Bühnen tätig

  • 1986-1992 Aufenthalt in Berlin, Mal-Workshops und Gruppenausstellungen

  • 1992 Übersiedlung nach Österreich

  • Gründung von „Viva Integratives Kindertheater“

  • Neben der Theaterarbeit permanente Beschäftigung mit der Malerei

 

Im Projekt „Entstehung neuer Welten“ versucht Silva Ge den Blick für die kleinen, unscheinbaren Dinge zu schärfen, um so die Welt differenzierter und bunter zu erleben.

„Kunst ist der individuelle und überraschende  Blick auf die Welt. In den letzten Jahren  spüre ich den Feinheiten von Naturmaterialien (Holzfurnieren) nach. Durch Farben unterstreiche ich die Strukturen bestimmter Hölzer und so entwickeln sich fantastische Landschaften, die jeder für sich in seiner Phantasie sehr individuell gestalten kann.“

„Mein ganzes Leben schon beschäftigte ich mich mit menschlichen Ausdrucksmöglichkeiten. Früher in meinem Beruf als Schauspielerin, später als Regisseurin eines integrativen Kindertheaters. Heute in der Malerei. Mit meinen sehr farbenkräftigen Bildern will ich meine innere Landschaft sichtbar machen, der Titel „Farberlebnisse“ zielt in diese Richtung. Ich wohne seit beinahe 20 Jahren nahe des Stuwerviertels und genieße im Bezirk die Nähe des Wassers und das Grün großer Naturfläche.“

Rassl Christiana

Christiana Rassl

christiana.rassl@gmx.at

Schon in der Mittelschulzeit war es mir ein Bedürfnis mich kreativ zu betätigen. Unterstützt durch meine Eltern, begann ich Metall zu bearbeiten, Porzellan zu bemalen und in späterer Folge gegenständliche s/w Zeichnungen anzufertigen.

Während der nachfolgenden Schul- und Ausbildungsjahre blieb mir nur wenig Zeit, diese Hobbies weiter zu verfolgen. Entdeckte jedoch nach einigen Jahren (inzwischen verheiratet, Tochter großgezogen, berufstätig) den Salzteig, aus welchem ich lustige Bauerfiguren, Kränze, Türschilder etc. anfertigte und die sehr viel Anklang fanden.

Auf der Suche nach neuen Herausforderungen wurde ich auf die Aquarellmalerei aufmerksam, besuchte viele Seminare bei bekannten in- und ausländischen Dozenten (Frau Mag. Schwarz, Wien, Frau Lydia Leydolf, Wien, Frau Ingrid Buchthal aus Stuttgart) und erweiterte später mein künstlerisches Schaffen auf Arbeiten mit Pigment- und Acrylfarben auf Leinwänden.

Zur Erweiterung meiner Erfahrungen nahm ich an einigen Seminaren im In- und teilweise auch im Ausland teil (Kunstfabrik Wien (Herr Gerhard Almbauer, Herr Carsten Westphal, Herrn Alfed Hansl, Frau Andrea Rozeria) Frau Eftie Schlamadinger – Wien (Kunstfabrik) und Mallorca, Frau Angelika Domenig, Frau Michaela Litzka und Herr Macotto – Italien).

Freies Gestalten von Bildern mit den verschiedensten Materialien, wie Marmormehl, Fliesenkleber, Rost, Lack, Wachs etc. war und ist immer sehr spannend für mich. Abstraktion pur!

Und im Gegensatz dazu die fließende, ruhige Aquarellmalerei „Nass in Nass!

Ausstellungen:

Mehrere Gruppenausstellungen in der Volkshochschule Floridsdorf( 2001 und 2002)

Galerie Schauraum für angewandte Kunst, 1070 Wien (2007)

Gruppenausstellung im Kulturzentrum Sofia/Bulgarien (2013)

Einzelausstellung im Senioren-Wohnheim Fortuna, 1210 Wien (2016)

Ausstellung im Rathaus Amstetten/NÖ (2017)

Gruppenausstellungen im Kongresscenter Kuss in Wolfsberg/Kärnten (2017 und 2019)

Gruppenausstellung in der Ringstraßen-Galerie, 1010 Wien (2018)

Einzelausstellung in der Badener Hauervinothek, 2500 Baden (2018)

Einzelausstellung im Neurogischen Zentrum , Baden…………………… .. (2019)

Gruppenausstellung Bezirksvorstehung Amtshaus 1050 ………………….(2021)

Gruppenausstellungen Kunstschaffen Galerie am Park 1060 Wien

und im Amtshaus 1050 Wien, Schönbrunnerstraße (2022)

Mehrere Gruppenausstellungen Galerie Publicartists 1080 Wien, Laudongasse und in der neuen Galerie Publicartists Citygallery 1010 Wien, Mahlerstrasse (2022)

Görig Noana

INSPIRATION EXISTIERT, SIE MUSS UNS BEIM ABEITEN FINDEN

Pablo Picasso


Noana B. Görig, geboren 1953 in Kärnten

T:0676/311 88 93 M: info@noana-goerig.at www.inbewegung.co.at


Feldenkrais Movement Intelligence Tiefenimagination Ergotherapie

Ich arbeite seit vielen Jahren mit Menschen und Bewegung in freier Praxis.

Beruflich Reisen u.a. nach Afrika, Indien, mehrwöchige Wanderung in Ladakh und allein durch Schottland

Malen ist seit 2008 ein wesentlicher Bereich in meinem Leben geworden.

Ich bin Mitglied der Künstlerinnengruppe IMA LA – Die Farbechten unter der Leitung von Elisabeth Herdlicka

Kurse bei:

Gerhard Allenbauer, Michaela Litzka, Walter Winter, Eckhard Ziller, Klaus Hollauf, Peter Newrkla, Reinhard Hochmaier, Elisabeth Scherbaum, Udo Hohenberger

Farbenspiel

Ich beginne mit Farben, eine Schicht über die andere, ganz ohne Plan. Es zeigt sich etwas, wird eine Vorstellung; ich verfolge eine Idee, lass wieder los, beginne von Neuem und staune, wie sich das Bild entwickelt.

Es macht mir viel Freude, mich von den Farben leiten zu lassen und zu erlauben, was entstehen will. Es kann etwas Konkretes oder Abstraktes sein. Ich bin immer wieder überrascht, was sich zeigt. Oft erscheinen Körper. Das ist spannend und hat vielleicht mit meinem Beruf als Feldenkraislehrerin und Ergotherapeutin zu tun.

Gemeinschaftsausstellungen:

2009 Praxisgemeinschaft Pro Senectute

2013, 2014 Stiftshof, 8692 Neuberg /Mürz,

2017, 2019 MÜHLE, Kaffee-Kunst-Werk, Perchtoldsdof

2018 Galerie Kalksburg, Wien

Einzelausstellungen:

2010, 2013, 2016, 2021 Wohnprojekt B.R.O.T. Wien

2014 Appelhof, 8693 Mürzsteg

2015, 2021 Kulisse Wien,

2016 Gemeinschaftsausstellung Galerie Kalksburg, Wien

2017 Leihgaben an den ORF Sendung „Heute Leben“

2017 Kunstraum BUS, Wien

2017 Therapiezentrum Medicus, Wien

2018, 2020 Top Lokal, Wien

2019 Café im Raimundhof

2022 Schaukuchl, Bundesministerium f Finanzen

2022 KunstzuRecht, Bezirksgericht Innere Stadt

Blumentopf Mike

Circulum Vitae – Mike Blumentopf

(Michael Richard Harald Wollitzer)

www.blumentopf.at


Geboren am 22.1.1972 in der Semmelweisklinik, Wien
1978 – 1989 Volksschule / Gymnasium (3 verschiedene) > Rauswurf
1995 – Externisten Matura – 1995/96 Zivildienst
1996 – 1998 Ausbildung zum Werbegestalter (Werbearchitekt), WIFI Wien
1998 bis 2013 als selbstständiger Werbegestalter in Wien tätig
seit 1987 – Bilder, Skulpturen, Aufkleber, Graffiti, Streetart
seit 2000 – Aktionismus, Performance, Theater
2000 – Gründung der Künstlergruppe United Aliens mit August Bisinger
2002 – Performance United Aliens mit Hubsi Kramar am Ballhausplatz
2002 – Performance United Aliens mit Drahdiwaberl, Linz/St.Pölten/Wien
2002 bis 2005 – jeden Dienstag Radiosendung bei Radio Orange 94.0
2004 – Filmprojekt P.R.A.F. – United Aliens
2005 – Teilnahme beim Protestsongcontest – Platz 6
2005 – Performance United Aliens – „Lebender Adventkalender von Hubsi Kramar
2006 – Performance United Aliens – Transmitter Festival Vorarlberg
2007 – Performance United Aliens – BigBrotherAwards im Rabenhof, Wien
2007 – Award „worst of the worst 2007“ verliehen durch monomania (Band)
2008 – Ausstellung in der Galerie Postmodestie, 1060 Wien, Gumpendorferstr.
2008 – Performance United Aliens – BigBrotherAwards im Rabenhof, Wien
2009 – Auftritt bei dem Theaterstück Pension F. Von Hubsi Kramar im 3raum theater
2009 – Performance beim Drahdiwaberl Konzert – Gasometer, Wien
2010 – Ausstellung „10 Jahre United Aliens“ im Ragnarhof, Wien
2011 – Performance bei MIMAMUSCH Theater, Wien
2013 – Bühnenbild für das Theaterstück „Wolfi Bauer Superstar“ von Hubsi Kramar
2013 – Ausstellung – Galerie MASC foundation, Grundsteingasse, Wien
2014 – Ausstellung – Galerie MASC foundation, Grundsteingasse, Wien
2014 – Performance mit A. Pointinger im 21er Haus, Wien
2014 – Mitarbeit + Fotomodel für das Buch „Punkwesen“
2014 – Ausstellung & Performance – Galerie G7, Grundsteingasse, Wien
2014 – Eröffnung ABCG – Atelier Blumentopf Contemporary Gallery, Wien
2014 – Teilnahme beim 1. artwalk18
2014 – Ausstellung „NISCHEN“ mit Immanuel Rohringer, Galerie Blumentopf
2014 – Rauminstallation bei „Rhizomnia – Festival in Traismauer, Niederösterreich
2015 – Ausstellung & Performance – Galerie G7, Grundsteingasse, Wien
2015 – Performance beim Grundsteingasse Eröffnungsfestival, Wien
2015 – Ausstellungen im Atelier Blumentopf, Wien
2015 – Teilnahme beim 2. artwalk18
2016 – Performance beim Grundsteingasse Eröffnungsfestival, Wien
2016 – Ausstellungen im Atelier Blumentopf, Wien
2016 – Teilnahme bei einer Gruppenausstellung im G7, Grundsteingasse, Wien
2016 – Teilnahme beim 3. artwalk18
2017 – Ausstellungen im Atelier Blumentopf, Wien
2017 – Teilnahme bei einer Gruppenausstellung im G7, Grundsteingasse, Wien
2017 – Teilnahme beim 4. artwalk18
2018 – Ausstellungen im Atelier Blumentopf, Wien
2018 – Performance im aart eventraum Thimiggasse, 1180 Wien
2018 – Teilnahme bei einer Gruppenausstellung im G7, Grundsteingasse, Wien
2018 – Teilnahme beim 5. artwalk18
2019 – Ausstellungen im Atelier Blumentopf, Wien
2019 – Teilnahme beim 6. artwalk18
2019 – Oktober: Eröffnung vienna art market (v.a.m.) mit Momo Höflinger
2020 – Ausstellungen und Konzerte im Atelier Blumentopf
2020 – Teilnahme beim 7. artwalk18
2021 – TOY*PIANO*BLÜTEN – Livestream von Gloria Damijan im Atelier Blumentopf
2021 – Projekt Worthäppchen – vienna art market (v.a.m.)
2021 – Teilnahme beim 8. artwalk18
2022 – Teilnahme bei der Jubiäumsausstellung der ÖGKM
2022 – Gruppenausstellung der ARGE Zukunft im Wasserturm
2022 – Teilnahme beim 9. artwalk18
2022 – vienna art market (v.a.m.) 3 Jahres Jubiläum
2022 – Gruppenausstellung der ARGE Zukunft in der Alten Schiebekammer

 

Massanetz Jean-Pierre

Jean-Pierre Massanetz

 

1948 im Zeichen des Zwillings in Wien geboren,

lebt und arbeitet

in Wimpassing an der Leitha/ Burgenland

 

Gründer des „Künstlerverein hinterm Leithaberg“

und des

„Künstlerverein Ebenfurth OPENair GALERIE“

 

Organisator und Provokateur

von Kunst- und Kulturveranstaltungen

 

Vernetzung von Künstler & Kunstvereinen

 

 

Malen ist der Ausdruck von Gefühlen,

die Farben sind der Spiegel der Seele,

Farbe ist Leben, Leben sollte färbig sein.

 

massanetzjp@gmx.at  mobil.:0650/6220370          www.openair-galerie.at         www.künstler-galerie.at

Abstraktes Werk

Zehm Norbert

Abstraktes Werk
Abstraktes Werk
Abstraktes Werk
Rothaariger Mann am Klavier

geb. 1962 in Innsbruck studierte Komposition und Klavier, zunächst am Konservatorium der Stadt Innsbruck (Klavierstudien bei Hans Kofler und Bojidar Noev) und anschließend an der Guildhall School of Music and Drama in London (Klavierstudium mit John York und Kompositionsstudien mit Francis Shaw und Buxton Orr) 


1989 Klavier Reifeprüfung and der Guildhall School of Music

1983 Bösendorferpreis.

1986 Preis der Stadt Innsbruck für künstlerisches Schaffen. Staatsstipendium für Komponisten (1990).


Seit 1976 immer wieder Mitglied verschiedener Pop und Rockgruppen. Unterrichtete Komposition und elektronische Musik in England und Österreich.

1991 – 1995 Professor für Komposition und Harmonielehre am Brucknerkonservatorium (heute Bruckneruniversität)/Linz.

Als Pianist, Begleiter und Keyboarder spielt er Konzerte mit den verschiedensten Ensembles und solistisch in ganz Europa.


Gründer und Pianist des Klaviertrios ‚Line3‘ (seit 1990).


Auftragswerke u. Aufführungen von internationalen Ensembles und Festspielen (Bregenzer Festspiele, Klangspuren/Schwaz, Tiroler Festspiele/Erl, Aspekte/Salzburg; St. Gallen/Stm., Edinburgh Festival, Greenwich Festival, Hall/Gallerie St. Barbara, Osterfestival “Musik der Religionen“ etc.


Seit 1990 intensive Zusammenarbeit mit dem englischen Bühnen-Schriftsteller und Librettisten Peter Wolf: Musik für BBC Hörspiele, Theater, Film und Video.

2001 Lukaspassion bei den Osterfestspielen Hall/Innsbruck 


2003 Uraufführung des Orchesterwerkes “Clockwise“ mit dem Tiroler Symphonie Orchester in Zusammenarbeit mit dem Haydn Orchester Bozen/Trient

2004 Uraufführung der Symphonie Nr. 1 „GAMES“ bei den Tiroler Festspielen in Erl.

2009 Symphonie „GAMES“ beim Ars Electronica Festival/Linz mit dem Bruckner Orchester unter der Leitung von Dennis Russell-Davies 


2010/11 Uraufführung der Oper “Cadence Macbeth“ am Tiroler Landestheater in Innsbruck (Libretto: Peter Wolf)

2018 Uraufführung der Oper “Strange Meeting“ über den englischen Kriegsdichter Wilfred Owen zum 100. Gedenkjahr des Ende des 1. Weltkrieges (11. 11. 2018) im ORF Innsbruck. (Libretto: Peter Wolf)

Zahlreiche Multimedia Konzerte mit eigenem Ensemble in Zusammenarbeit mit dem Videokünstler Roland Schrettl.


2014 Ö1 – Personale im Rahmen der Sendung “Lange Nacht der neuen österreichischen Musik“ 2014 ORF – Personale im Landesstudio Tirol 2018 halbszenische Aufführung der Oper “Strange Meeting“ im ORF Innsbruck zum Gedenkjahr 2018 (1918)

Derzeit arbeiten Norbert Zehm und Librettist Peter Wolf an einer neuen Oper mit Shakespeare – Bezug: “Shadow Lear“.


Als Kunstmaler stellt er immer wieder in Österreich, England und Deutschland aus – unter anderem ART Innsbruck, Art Salzburg, Galerie Artinnovation.

Info: Zehm.com

Li Cunqing

CUNQING LI

GEBOREN 1957 IN CHINA

BERUFLICHER WERDEGANG

Studium der Mathematik mit Abschluss der Universität Yunnan, Bachelor.

Universität Wien Studium der Germanistik und Architektur.

10.2005-2008: Kurs für Malerei, Zertifikat mit Auszeichnung Künstlerisches Community College Wien.

1982-1986 Lehrerin für Mathematik, Kunming, Provinz Yunnan, Unterricht für Erwachsene in der Schule.

1997-2009 Malerei und Chinesisch Lehrerin in einer Privatschule in Wien.

2003-2005 Klassenlehrerin Wiener Grundschule.

Seit 2010 Arbeit in vielen Kunstmuseen in Österreich.

ERFOLGE

2010 erreichte Cunqing Li, durch die Ausstellung „Versteckte Schätze Österreichs“ mit ihrer „Herausgegebenen Aquarellmalerei“, neben den Kunstwerken von Klimt, Schiele und anderen Meistern, zu den Gewinnern des Leopold-Museums „Die Meister von morgen“ zu gehören. Hier wurde ihre Arbeit von Professor Dr. Rudolf Leopold unterstützt, wodurch sie nach über 1.500 Einreichungen unter die Top 70 gelangte.

Ihre Kunstwerke gehören bereits zu internationalen privaten und öffentlichen Kunstsammlungen, einschließlich einer Bildrestauration eines Kunstwerkes des Kunsthistorischen Museum und 4 Bildern von der Stadt Wien.

Sie nahm ebenfalls an über 80 Ausstellungen in China, Deutschland und Österreich teil.

BERUFLICHES PROFIL

Die impressionistischen-naturalistischen Kunstwerke von Li zeigen Landschaften und Portaits ihrer beiden Heimaten. Sie ist eine begeisterte Zeichnerin, die auch schnelle Skizzen vom Wiener Alltag anfertigt.

KONTAKTDETAILS

Handy: 0699/81791573

E-Mail: li.cunqing@gmx.at

https://www.deviantart.com/cunqingli

Laven Rolf

kurzbiographie

prof. dr. rolf laven

www.rolflaven.com


studium der bildhauerei sowie kunstpädagogik an den kunstakademien in maastricht und wien, dissertation über franz cizek und seine wiener jugendkunstklasse.


bildender künstler, kunstpädagoge, hochschullehrer und workshopleiter; freier kurator und wissenschaftlicher betreuer des cizek nachlasses im wien museum.

Ein Artikel von Katerina Teresidi

Ideale Zwecklosigkeit und das Überwinden von Orientierung

Ein umgebauter Einkaufswagen, das Korbgitter beton-ummantelt, mit Sand gefüllt, dazu ein Handstück Stein und eine Harke – zu einem mobilen Zen-Garten umfunktioniert; Bilder, die nichts anderes zeigen, als sich selbst – Farben, die in einzelnen Bahnen über die Leinwand rinnen und manchmal dabei behindert werden.
Rolf Laven investiert sich in interaktive und raumgreifende Installationen, konzentriert sich auf den Raum und seine Durchdringung. Dabei spielt er mit Orientierungswerten – oben und unten werden obsolet, eine suggerierte Bewegung statischer Objekte wird induziert. Fundstücke, wie schwere Ölrohre werden zerlegt und arrangiert zu neuartigen Gebilden – was nicht passt wird im Laufe des Prozesses in den Händen des Künstlers eben passend gemacht.


Der deutsche Bildhauer, Grafiker und informelle Maler ist Schüler Pistolettos und Gironcolis, Hochschulprofessor an der Pädagogischen Hochschule Wien, zudem lehrend an der Akademie der bildenden Künste und der Universität für angewandte Kunst. Er geht den Weg des Künstlers auf der Suche nach der idealen Form, Zufälle nutzend, orientiert er sich am chinesischen Dao – dem rechten Weg. Auf den ersten Blick präsentiert sich sein Œuvre in einer Beliebigkeit von Form und Material – eine Vielfalt, die Rolf Laven zusammenhält, denn im Mittelpunkt steht für ihn der interaktiv-kommunikative Zugang: Kunst kommt seiner Ansicht nach nicht von Können, sondern von Künstlerinnen und Künstlern. Die Kontinuität seiner Arbeiten setzt sich in einer kongruenten Zwecklosigkeit fort, welcher die Unerreichbarkeit des Zieles – das Auffinden der idealen Form – immanent ist, wobei er sich mit physischen Körpern an psychischen Zuständen abarbeitet. Der von ihm angestrebte Zustand ist nicht erreichbar, jedoch erstrebenswert und der Verfolgung dieses Ziels hat sich der Künstler verschrieben.

https://de.wikipedia.org/wiki/Rolf_Laven

www.rolflaven.com

Zeidler Patrick

Bild des Künstlers

Patrick Zeidler 25. Juli 1994
in Wien geboren
zweite Muttersprache ist Slowenisch
Abstrakter Künstler und Designer

www.paddyartist-art.com

Was als Hobby durch meinen Großvater begann, wurde zu meinem Lebensmittelpunkt – mittlerweile gestalte ich seit mehr als elf Jahren Kunstwerke auf Acryl-, Öl-, Lackspray- und Temperabasis. Das kreative Schaffen auf unterschiedlichsten Trägern ist aus meinem Leben nicht mehr wegzudenken.

Raum für Kreativität
In meiner zweiten Heimat Maribor/Slowenien kann ich mich in meiner kleinen Kreativwerkstatt und im Freien ausleben – auch in Wien habe viele Möglichkeiten, um mich künstlerisch zu entfalten und mich dabei von der Natur um mich herum inspirieren zu lassen. Wind und Wetter haben in der Natur einen Einfluss auf die Entstehung.

Inspiration: eine geheimnisvolle Kraft
Die moderne sowie die abstrakte Malerei haben einen großen Einfluss auf meinen Kunststil. Ich bin davon überzeugt, dass man gute Ideen und Neuschöpfungen überall haben kann. Es macht aber keinen Sinn, auf die große Erleuchtung zu warten. Besser ist es, mit dem zu experimentieren, was vorhanden ist. Mit Kreativität braucht nicht gespart zu werden, sie geht nie aus.

Die beste Note? Eine Persönliche.
Jedes einzelne meiner Werke erzählt seine eigene Geschichte.
Jedes ist ein Unikat und einzigartig.

Ich will neue Verbindungen schaffen und aus dem Gewöhnlichen ausbrechen. Mir gefällt das Untypische, das ist auch ein Grund dafür, warum ich meine kreativen Einfälle ganz ohne Pinsel umsetze. Dieser dient einzig und alleine zum Übermalen der Keilrahmen, um auf einem homogenen Hintergrund wieder Neues entstehen zulassen.

Gestalten heißt Veränderung, nichts in der Kunst ist endgültig, nichts vollendet. Das Kunstwerk kann weiter wachsen und innerhalb weniger Sekunden ergibt sich durch eine kleine Variation oft eine neue Kombination.

Zufall, die Ausdrucksform der Musen
Es macht für mich wenig Sinn zu viel über das Ergebnis nachzudenken. Darüber zu spekulieren, wie ich mit meinen Werken gut ankommen werde ist in meinen Augen das Schlimmste, was ich meiner Kreativität antun kann: Kreatives Schaffen entsteht in der Kluft zwischen Wunsch und Realität.

Jeder Mensch ist ein schöpferisches Wesen und Ideen gibt es viele, es gilt sie aufzugreifen und umzusetzen. Ob man nun schreibt, tanzt oder malt, es zählt dranzubleiben, weiter zu üben und nicht aufzugeben. Das Wichtigste: Keine Angst vor Fehlern. Der Prozess der Kreation ist für mich genauso wichtig wie das Ergebnis.

Das Schöne am Durcheinander
Für mich ist es wichtig, neue Beziehungen zwischen Farben und Objekten herzustellen, die andere noch nicht gesehen haben. Wenn alles fix festgelegt und organisiert ist, bremse ich mich selbst in meiner Kreativität und Flexibilität ein.

Ein Artikel von Katerina Teresidi

Streben nach Vereinheitlichung der großen Vielfalt

„Jeder sieht in demselben Kunstwerk unterschiedliche Dinge. Das ist das maßgebende Kriterium, das die Kunst so interessant macht.“

In der Diskussion kommen sich die Menschen näher, womit die Vielfalt der Meinungen in der Gesellschaft offenbar wird. Paddy Artist versteht seine Kunst als einen zwischenmenschlich bindenden Aspekt, mit dessen Hilfe er zeigen möchte, dass die Schönheit des Lebens unterschiedlichen (Farb-)Kombinationen unterliegt, die gemeinsam ein individuelles großes Ganzes ergeben. Ebenso individuell sind auch seine abstrakten Gemälde in Mischtechniken auf Leinwand, die in ihrer Farbigkeit unterschiedliche Raumstimmungen betonen – „Erschaffen, Malen, Wohnen, Erleben“ lautet dabei das Kredo des ideenreichen Innenraumgestalters. Neben Leinwandarbeiten widmet sich Paddy Artist auch der Ausgestaltung von Designobjekten und Grußkarten.

In seiner Kunst folgt er dem Bestreben, die Menschen für einige Zeit von der Schnellebigkeit der zunehmend digitalisierten Lebensabläufe wegzulocken und zum Innehalten und Reflektieren zu bewegen:

„Wenn jeder über seine eigenen Entscheidungen und die daraus resultierenden Konsequenzen reflektieren würde, könnten wir einen Ist-Zustand schaffen, der für alle vorteilhaft und schön wäre.“

https://www.paddyartist-art.com

Berg

Höflinger Momo

Berg

1969 in Wien geboren, erste Ausstellung 1987.

 

Seit frühester Jugend sind Malerei und Fotografie wesentlicher Bestandteil und Ausdrucksform.

Bestimmen zu Beginn unzählige Gesichter und “Innere Porträts“ in Öl, Acryl, Tempera und Kreide ihre Arbeiten, so führt es über abstrakte Bilder hin zu Themenreihen, die in Serien

(„skyscrapers & buildings“, „chinese series“, „ Zustand“, „Übermalungen“, „ Mikrokosmos“,…) gearbeitet werden.

Schwerpunkte auf fotografischem Bereich sind Langzeitbelichtungen, Fotoüberlagerungen und
ebenfalls Serien (“gefundenes Fressen“, “trash“, “ Bilder die das Leben spuckt“, “Am I a Face?“).

Lebt und arbeitet in Wien.

Homepage, Info & Kontakt: momo-hoeflinger-art.at

Ein Artikel von Katerina Teresidi

Schwarze Kontraste

Die 1969 in Wien geborene Künstlerin verspürte schon in ihrer frühen Kindheit das Bedürfnis visuelle Eindrücke, innere Bildkonstrukte und Visionen in gemalte Bilder, Zeichnungen und Fotografien umzuwandeln.

Anfang bis Mitte der achtziger Jahre erschuf sie, ihrer vorherrschenden Begeisterung für das menschliche Gesicht folgend, unter anderem 36 Mona Lisas in Pastellkreide auf A3 Papier. Erste Ausstellungen begannen ab 1987, gleichzeitig wurden die Formate größer, wobei die serielle Arbeitsweise bestehen blieb. 2009 wand sich Momo Höflinger einer politisch-kritischen Gemäldereihe im Anschluss an ihre Reise nach China zu.

Seit 2014 arbeitet die Künstlerin an der Umsetzung ihrer bis heute aktuellen und bereits über 50 Werke umfassenden apokalyptisch-verschachtelten Serie „skyscrapers & buidings – architektonische Psychogramme“, in welcher sie sich teils maßstabsgetreu in Wolkenkratzerfragmente hineinarbeitet. Persönliche Helden und Übermalungen von Heiligenbildern flankieren ihren aktuellen Schaffensprozess, wobei sie ihren Arbeiten selten Titel gibt, und wenn, dann zum bewussten Schaffen von Verwirrung als zum Zwecke der Aufklärung. Schwarze Kontraste durchziehen wie ein roter Faden die Arbeiten und Serien Momo Höflingers.
Neben der Malerei sind Fotoüberlagerungen, Langzeitbelichtungen, groteske
Bildinszenierungen mit Alltagsgegenständen in ihren fotografischen Arbeiten zu finden, wobei dem Element des Verfalles, wie bei „gefundenem Fressen“ – dem fotografischen Festhalten von theoretisch noch essbaren Fundstücken auf diversen Untergründen im öffentlichen Raum auf Beton, Holz oder Asphalt – eine gewichtige Rolle zuerkannt wird.

momo-hoeflinger-art.at

Männerkopf

Rohsmann Martin

Männerkopf
Frauenkopf
Kopf
Selbstportrait

Lebenslauf Martin Rohsmann


. Geboren 27.11.1955 als Sohn der Schauspielerin Ulla Jacobsson und des Malers Frank Lodeizen


. Matura 1974

. Studium an der Akademie d. Bildenden Künste bei Prof. Hessing (Fügermedaille 1976) 1975 -1979, 1981-1982

. Studium an der Rietveld Akademie Amsterdam 1979 – 1980

. 1985 – 1987 Abschluß Sozialakademie, Stadt Wien


. Gründungsmitglied der Bewegungstheatergruppe „Vis Plastica“

. ab 1987 Angestellt bei Jugend am Werk Wien, Theaterarbeit und ab
. 1997 Mitbegründer der künstlerischen Werkstatt Flip Flap bei Jugend am Werk , Wien – Malerei und Theater
. 1994 Gründung des Verein SOB31, zur Förderung von künstlerischen Aktivitäten von Menschen mit Behinderungen ; ab 1999 Initiator von bis heute regelmäßig stattfindenden „KULTURTAGEN“
. zuletzt tätig in der Werkstatt „Im Werd“ („WerdArt“) Jugend am Werk
. 1997 – 2021 Mitglied der Clinicclown – ab 1999 St. Anna, Wien
. seit 1.12.2020 in Pension

Einzelausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen


Ankäufe Theater in der Josefstadt, Gemeinde Hinterbrühl
letzte 5 Jahre Schwerpunkt Acrylmalerei auf Leinwand

Ein Artikel von Katerina Teresidi

Figurative Kontemplation

Für den figurativen Maler Martin Rohsmann, der im eingehenden Studium der ihn umgebenden Formen den gleitenden Übergang zwischen figurativen und abstrakten Darstellungen praktiziert, ist die künstlerische Betätigung größtenteils mit Selbstkontrolle, Selbstbeobachtung und Disziplin verbunden. Er ist bemüht, das Auge für Details und die Erscheinungen in der Welt der ihn umgebenden kulturellen und natürlichen Dinge bewusst zu schulen. Dabei bleibt im Prozess der Malerei für den Künstler die Zeit stehen, was ihn dazu veranlasst sich auf das Selbst und auf das Leben zu besinnen und dieses als Vorgang aktiv wahrzunehmen.

„Es wäre schön, wenn meine Kunst den Anderen dabei helfen könnte, sich zu ordnen“, meint der Maler bescheiden, welcher sich mithilfe der Malerei zur eigenen Mitte geleiten lässt und diese Erfahrung weitergeben möchte. In seiner Kontemplation bleibt er dem abgründig-schönen auf der Spur, welches ihm seine maximal-persönliche Beschäftigung offenbart.
Van Gogh, Rembrandt, El Greco und andere große Meister beobachtend, bleibt Martin Rohsmann seiner Neugierde treu und sucht beständig nach dem Rätselhaften, nach Figuren im Raum und besonderen Gesichtern, die ihn zur fortwährenden künstlerischen Betätigung anregen. Martin Rohsmanns charakteristische Faszination für den Menschen bleibt dabei durch seine gesamte künstlerische und professionelle Laufbahn erhalten – der Künstler kann auf sein über 30 Jahre andauernedes Engagement in der Arbeit mit Menschen mit Behinderung zurückblicken, welches zu zahlreichen damit einhergehenden künstlerischen Projekten und Einzelausstellungen geführt hat.

person in starken Kontrasten

Köhlmeier Sabina

person in starken Kontrasten
abstrakte Personengruppe
Abstrakte Frau
Foto der Künstlerin

Geboren 1967 in Mödling.

Absolventin der „Grafischen“ in Wien.

10 Jahre Theatermalerin in den Werkstätten der Österreichischen Bundestheater 1989-99.

Seit 2000 selbständig mit dem Atelier Ultramarin mit Schwerpunkt Wandmalerei, Illusionsmalerei, Film- und Theatermalerei.

Seit der Jugend und vor allem auch parallel zur beruflichen Malerei Beschäftigung mit freier Malerei und Grafik.

In der Theatermalerei und in der Illusionsmalerei muss ich mich auf die Dreidimensionalität eines Raumes einlassen und brauche einen Plan, ein Konzept, das die Durchführung erleichtert und nach dem ich vorgehe.

Beim Malen auf der Leinwand hingegen habe ich die Freiheit, mit der Fläche spielerisch umzugehen und kann jederzeit das beim Arbeitsprozess Entstandene hervorheben oder verwerfen.

Das abstrakt Figurative ist das zentrale Element meiner Malerei. Der Pinselstrich und die Konsistenz der Farbe leiten den Moment, so sind die Szenen oder Figuren die dann für mich auftauchen, etwas Ungeplantes und Überraschendes. Lange sind es abstrakte Farbflächen, unterbrochen von willkürlich gesetzten Strichen, die noch völlig unkonkret gesetzt werden. Sowohl graphische als auch malerische Elemente werden im Bildraum miteinander verknüpft und mit Fortdauer des Malprozesses und jeder weiteren Farbschicht treten die Protagonisten zu Tage.

Der Bildträger ist meine Zaubertafel, auf der ich ähnlich einem Theaterstück am Ende eine fertige Geschichte erzähle.“

Atelier: Josefstädterstraße 53 im Hof, 1080 Wien

Tel: 0676/351 55 31

Mail: office@atelier-ultramarin.at

Web: www.sabina-koehlmeier.at

www.atelier-ultramarin.at

https://www.facebook.com/sabina.koehlmeier/

https://www.instagram.com/sabinakoehlmeier/

Beate Wagner

Wagner Beate

Beate Wagner
Beate Wagner
Beate Wagner

Meine Bilder sind sehr sinnliche und genussvolle Farbwanderungen. Ich durchschreite imaginäre Landschaften, verschaffe fiktive Einblicke, lege neue Farbfelder an wie kleine Gärten und begegne auf diesen Reisen auch hin und wieder kleinen Gefahren und Verletzungen, die wie Brücken über diese Landschaften führen. Manches sieht aus wie Schatzkarten oder Grabungspläne, aber das ist durch meinen Werdegang sehr einfach zu erklären! Ich möchte die BetrachterInnen neugierig machen und somit auf eine Erlebnisreise mitnehmen. Ich nehme mir die Zeit zum Spüren und gewinne Kraft durch das Verweilen in dieser emotionsreichen Bilderwelt

http://www.beatewagner.eu/

studio@beatewagner.eu

Ein Artikel über die Künstlerin geschrieben von Katerina Teresidi:

Vielfältige Etappen einer kreativen Erfolgsgeschichte

Geboren am 25. April 1958 in Hagen, begann die Schaffensgeschichte Beate Wagners in der Vorschulzeit mit Basteln mit Papier und Pappe unter Verwendung bunter Stifte. Als Lehrling einer Firma für Verpackungsherstellung wurde sie zur Schriftlithografin und Reprofotografin ausgebildet, wo sie in der grafischen Abteilung Druckvorlagen anfertigte. Von dort aus wagte sie den finanziell nicht abgesicherten Sprung zum Studium der Malerei und Grafik an der Freien Kunstschule in Stuttgart, worauf 1982 die Aufnahme in die Hochschule für Bildende Künste in Kassel zum Fachbereich visuelle Kommunikation folgte.

Ihr Eintauchen in die Wandmalerei erfolgte in Civitela d‘Alliagno in Italien und wurde vom Stipendium des Landes Hessen, dem Ministerium für Wissenschaft und Kunst, sowie dem auswärtigen Amt gefördert. Dies führte wiederum zur dreijährigen Beschäftigung als Bühnenmalerin am Staatstheater Kassel. Aufmerksam geworden auf die Arbeit Beate Wagners, engagierte die deutsche Forschungsgemeinschaft am Roemer und Pelizaeus Museum in Hildesheim die junge Künstlerin zur Museumsausgestaltung mittels Beschriftungen und Wandmalereien, wo sie nach erfolgreichen Großflächengestaltungen für archäologische Fundzeichnungen wissenschaftlicher Grabungsberichte und Bücher im Ägyptischen Quantir als Plan- und Ausgrabungszeichnerin engagiert wurde.

Die neugierige Künstlerin gönnte sich eine dreimonatige Südostasienreise, während welcher sie auf Bali mit einem Holzschnitzer das Element Holz ausprobierte. Im Anschluss an ihren akademischen Abschluss arbeitete sie für einen Event- und Konzertveranstalter, wo ihre Zuständigkeitsbereiche Zeitschriftenlayouts, Logos, Plakatentwürfe und Werbung umfassten.

Ihren Lebenslauf vergleicht die Künstlerin mit dem Willem de Koonings. Die zahlreichen künstlerischen Einflüsse und Erfahrungen sind in die Malerei Beate Wagners eingeflossen und haben ihren unverwechselbaren Stil geprägt: frischentdeckte Fundstücke, bunte Ausgrabungsfelder, Gärten, Kratzer, geheime Informationsspuren, Überdecktes und Ausgehobenes, organische Formen der Flora und Fauna finden sich in ihren Arbeiten, welche auf eine reiche internationale Ausstellungshistorie zurückblicken: Amsterdam bis Japan, von der deutschen Botschaft in Kairo über Italien und Tschechien, vom Papyrusmuseum und der Lutherischen Stadtkirche bei der „Langen Nacht der Kirchen“ in Wien, zum Palmenhaus im Garten Schönbrunn wurden die Arbeiten Beate Wagners bereits ausgestellt.

Neben zahlreichen realisierten Projekten für namhafte Regisseure an Kulissen für Theater und Filme, kann die erfahrene Künstlerin stolz auf die Erfolge Ihrer Schützlinge in der von ihr in Wien gegründeten und 18 Jahre geleiteten Theatermalereischule zurückblicken, ebenso wie die 15 Jahre Porzellanmalereiunterricht an der Volkshochschule in Wien.

www.beatewagner.eu

Glaser Hans

1948 in Haag am Hausruck, Oberösterreich, geboren

Lebt seit 1952 in Wien
1970-1975 Studium an der Universität für angewandte Kunst Wien bei Franz Herberth
(Malerei, Druckgraphik, Fotografie) und Wolfgang Baminger
1975 Diplom mit Auszeichnung (Druckgraphik), Universität für angewandte Kunst Wien
1978-81 Ausstellungskonzeption  NöArt – Niederösterreich Gesellschaft für Kunst und Kultur
1996/97/98 freie Mitarbeit bei dem Magazin Wienerin (Fotografie)
1998 Teilnahme Symposium Wladimirovska, Russland

Auslandsstipendien:
1975/76 Türkei, 1978 Rom, 1993/94 Los Angeles

Studienreisen:
1988-91 Ausgedehnte Studienreisen nach Asien
1990-91 Westafrika
1995 Amerika (Fotografien)
1997 Ghana (Fotodokumentation)
2000 Südafrika-Aufenthalt (Fotografie und Konzeptentwicklung mit Galerie Black Market Theatre, Johannesburg)

Künstlerische Lehrtätigkeiten:
1981-88 Lehrauftrag an der Universität für angewandte Kunst Wien (Malerei und Druckgraphik)
1993 Workshopleitung Exp. graphische Techniken, Sommerakademie Malerei u.neue Medien KulturAXE, Schloss Mojmirovce, SK
1996 Workshopleitung Radierung – Zeitnotizen, “Raumzeit Zeitraum” – Sommerakademie Malerei u.neue Medien KulturAXE, Schloss Topolcianky, SK
1997 Workshopleitung Malerei & Zeichnung, “Isolation Kommunikation” – Sommerakad. Malerei u. neue Medien KulturAXE, Schloss Topolcianky, SK
1999 Workshopleitung Malerei und Zeichnung exp., “Time Warp” – Int. Sommerakademie KulturAXE, Schloss Topolcianky, SK
2001 Workshopleitung Fotografie, Exp. Gestaltungen, “Art at Work 2001” – 11. Int. Kunstsymposium KulturAXE, Ricsovary, HU
2004 Workshopleitung Fotografie – Exp.Techniken und Portraitfotografie, “Landscapes of Desire” – 14. Int. Kunstsymposium KulturAXE, Gizycko, PL
2005 Workshopleitung Fotografie – Reflections,  “Landscapes of Desire” – 15. Int. Kunstsymposium KulturAXE, Schloss Fertörakos, HU
2006/07/08 Internationale Sommerakademie Zakynthos, Fotografie und Kleinskulpturen
Seit 2008 jährlich ISSA Akademie für Kunsttherapie, Sommerseminare, Kleinskulpturen
2006/07/08 Internationale Sommerakademie Zakynthos, Fotografie und Kleinskulpturen, GR
Seit 2008 jährlich ISSA Akademie für Kunsttherapie, Sommerseminare, Kleinskulpturen, A

Frauenkopf auf Untergrund und es regnet Blumen

Ryusekido Hiroko

Frauenkopf auf Untergrund und es regnet Blumen
Mädchen mit Katzenohren, es regnet Blumen auf dunklem Hintergrund
Zwei Mädchenköpfe, einer mit Schmetterling vor dem Gesicht, darüber schwebt ein halber Apfel in den Wolken
Portraitfoto Hiroko Ryusekido

Hiroko Ryusekido

Address(3-4-43-328 Koto-ku shinsuna Tokyo Japan), zip code(136-0075) /

telephone(0356834882) / mail address(ryuryu@nn.em-net.ne.jp

Born in Tokyo in 1962 and raised in Chiba prefecture. Lives in Tokyo.

I became interested in copperplate prints when I saw the printmaking by Yoko Yamamoto, a copperplate painter, on TV.

Then I entered an art school.

At the Setsu Mode Seminar, I learned drawing, collage, and watercolor painting,

 and at Bunpodo Art School, I learned how to make copperplate prints from the beginning.

The print technique I make is to transfer lace fabrics and photographs to a copper plate and put them in etching or aquatint.

 I mainly draw women’s faces, dresses, and dark landscapes.

Education

2001- 2017 Bumpodo Art School

2011   Setsu Mode seminar graduate

Group Shows

2001-2015  Twice a year  Art school exhibition  / Bumpodo Art gallery (Tokyo Kanda)

2014  Etching, 7 people exhibition / Art Space K (Tokyo kagurazaka)

2011   Etching, exhibition / Gallery (Tokyo Iidabashi)

2016   Exhibited at Motra International Pittura in Matera, Italy

2018   Exhibition organized by Olivia Paroldi (Cannes)

​2018   Kilengi exhibition organized by Alfred Graselli (Vienna)

​2019   ONNA exhibition (Vienna)

​2020   ZETTAI exhibition (hyogo JAPAN)

2020   Thousand Face of Arts Exhibition (Taipei Taiwan)

Gallery

2017  Galerie du Faune

2019 Gallerie Irene Legris

         ONNA 2 (One Woman Show in the graphic cabinet)

2019 Gallerie Irene Legris  ACCORCHAGE Exhibition

Selected

2017 October   85th Print Exhibition ( Tokyo Japan)

Ein Artikel über die Künstlerin geschrieben von Katerina Teresidi:

Der Lange Weg zur Realisierung eines Vorhabens

Die japanische Künstlerin Hiroko Ryusekido hat vor rund 20 Jahren im Fernsehen dem Künstler Yamamoto Yoko zugesehen, der die Kunst der Radierung auf Kupferplatten erklärte. Nach seinem Auftritt beschloss Hiroko sich bei der grafischen Abteilung der Kunstschule einzuschreiben, um die Druckgrafik zu meistern.
Die Künstlerin spricht von zahlreichen Rückschlägen und enttäuschenden Versuchen beim Meistern der neuen Technik, denn bis zum allerletzten Moment des tatsächlichen Druckes sei das Ergebnis ihrer Arbeit ungewiss und oft kommt das Werk am Ende anders aus der Presse als erwartet. Nichtsdestotrotz gab sie nicht auf und verfolgte hartnäckig ihren Weg, bis sie endlich in der Lage war, ihre Ideen zu verwirklichen.
Während ihrer Lernphase probierte die Künstlerin unterschiedliche Zugangsweisen aus – so lange, bis sie ihren eigenen Stil für ihre gewünschte Motivwiedergabe entwickelte. Inzwischen widmet sie sich intensiv dem Ausstellungsgeschehen und der Präsentation ihrer Arbeiten im In- und Ausland.

Die schwarze Kunst

Mit dem Ziel 500 gute Kupferplattenmotive zu drucken, arbeitet die Künstlerin an der Realisierung ihrer Vorstellungen, die von der Darstellung von Frauengesichtern und -Gestalten über die Darstellung von Landschaften, bis hin zu schwarzen Löchern, die ähnlich Rissen in der Erde, alles Licht verschlingen reichen. Eine sonderbare Ruhe und Stille geht von den Arbeiten aus – Grabesstille umringt von weißen Kreuzen, oder die Ruhe einer blumigen Traumwelt, in welche der Betrachter durch die Frauengesichter mit den indifferenten Ausdrücken geleitet wird. Die Mädchen erinnern an Feen, die in ihre eigene Welt locken, voller Muster und Schatten, aus welcher der Auserwählte nicht mehr herausfindet.
In Ihrem Œuvre nimmt die Künstlerin Anreize zur Darstellung zeitloser Motive aus Mythologie und Krieg zum Anlass für Ihr Schaffen. Die Aufmerksamkeit und Reaktionen der Betrachter auf Hiroko Ryusekidos Arbeiten verleihen ihr den nötigen Antrieb weiterzumachen, die Kontinuität versteht die Künstlerin in diesem Prozess als Kraft.
Ihre Gedanken kreisen oft um die absolut schöne Art der Expression:
„Schönheit bereichert den Verstand und Kunst ist eine universelle Sprache“, lautet ihr Motto. Das Bestreben von Hiroko Ryusekido ist währenddessen verstärkt darauf gerichtet, ihre Werke mit Botschaften zu versehen.

www.hiroko-ryusekido.com

Kopf eines Mädchens

Ghaemi Samira

Kopf eines Mädchens
Kopf eines Mädchens
Kopf eines Mädchens
Kopf eines Mädchens

Ich komme aus dem Iran, wo ich „Teaching English“ studiert habe.

Seit fast sechs Jahren lebe ich in Österreich und habe die meiste Zeit davon in einem Flüchtlingsheim gewohnt, zusammen mit Menschen aus verschiedenen Kulturen und mit verschiedenen Sprachen, die mich für meine Bilder inspiriert haben.

Zum Glück hatte ich in Österreich die Möglichkeit, in mehreren Ausstellungen Werke zu zeigen, die im Iran verboten sind. Frei darüber zu sprechen, was ich male, ist für mich sehr wichtig und ein Spiegelbild der verschiedenen Erfahrungen, die ich in meiner Heimat hatte.

 

Vorwiegend male ich Portraits – jedes von ihnen hat seine eigene Geschichte.

Landschaften zu malen gibt mir das Gefühl, dort zu sein – in ihnen zu verweilen.

Obwohl die meisten meiner Bilder ernste Themen haben, kann man darin auch Hoffnung finden.

Es ist sehr wichtig für mich, meine Emotion mit anderen zu teilen.

 

Kind mit bunten Händen

Ghaemi Sara

Kind mit bunten Händen
Kind formt mit den Händen ein Herz
Schwarzweißbild mit Regenbogenfahnee

Sarah Ghaemi wanderte 2016 aus ihrer Heimat Iran nach Österreich aus, wo sie als Lehrerin und Fotografin gearbeitet hatte.

„Hier in Österreich sah ich viele Unterschiede, zwischen unseren Kulturen. Im Allgemeinen ist der Lebensstil im Vergleich zu meiner Heimat völlig anders. 

Mit der Fotografie kann ich meine Gefühle besser ausdrücken und auch mit anderen teilen.  

Ich denke, es gibt Momente im Leben, die festgehalten werden sollten; und diejenige, die sie aufnehmen kann, ist ein Fotografin.  Fotografie ist die Kunst, Momente festzuhalten.  Die Momente, die vielleicht nicht wiederholbar sind, werden fotografiert und mit der Geschichte verbunden.“

Koller Sigrid

Portraitfoto Sigrid Koller
Sigrid Koller

Die Künstlerin lebt und arbeitet, nach über 10 Jahren in Wien, in
St. Pölten und in ihrem Atelier im Waldviertel.

Weg zur Kunst
Ihr künstlerisches Handwerk lernte sie in zahlreichen Kursen im In und
Ausland und in einem Fernstudium für „Interior Design & Decoration“ in
England. Die Vielfalt der Ausdruckformen fasziniert sie, ihre große
Vorliebe aber gilt den erdigen Materialien und der reduzierten
Farbpalette.

Ausstellungen, Internationale Kunstmessen, Publikationen
2015 Gemeinschaftsausstellung, Villa Bajadere Neuhaus / NÖ
2016 Marmor . Asche . Farbenspiel, Marketing Mikscha St. Pölten
Erdig . zart . fast monochrom, Architekt Jordan St. Valentin
2017 Frauen . Bilder, Soroptimist Allegria St. Pölten
Mamor.Asche, Philanthrop. Ges. Austria, Shriners Klimt Villa, Wien
2018 Gemeinschaftspublikation „Echofarn“, Löcker Verlag Wien
Kunst im Wienerwald, MoEnergy Purkersdorf
Hanse Art, Kunstmesse Lübeck
Art & Style, Kunstmesse Sylt
2019 Kunstschimmer 7, Kunstmesse Ulm
ausdruck . 2019, Orthopädisches KH Speising Wien
Die Kunst. Das Heinz, Restaurant „Das Heinz“ Wien
Einzelausstellung, Galerie am Park Wien
2020 Marmor . Asche . Farbenspiel, Marketing Mikscha St. Pölten
Kunst zu Recht, Dauerausstellung Wien
2021 Schichten . Geschichten, Kunstraum Wien Mitte Wien
2022 Under My Skin, KreativRaum Galerie Wien
Gemeinschaftsausstellung Vienna Art Market Wien
Schichten . Geschichten, Kunst zu Recht Wien

Zu den Bildern
Sigrid Kollers Sujets sind getragen von dem Bestreben, Harmonie in eine schnelllebige und von
Reizen überflutete Welt zu bringen. Schroff wirkende Oberflächen, raue Materialien, Unruhe wird
mit Farbe, vordringlich mit Weiß, aufgelöst und neu geordnet. Was zunächst unruhig wirkt,
wandelt sich im Auge des Betrachters zu einer harmonisch ineinandergreifenden,
atmosphärischen Welt. Stille findet ihren eigenen Klang. Sigrid Koller arbeitet in einem
Spannungsfeld zwischen Intuition und bewusster Entscheidung. Die narrative Struktur wirkt
zunächst untergeordnet und verborgen. Bei intensiverer Betrachtung allerdings tritt die
Geschichte hinter dem Schleier aus Farbe eindringlich hervor.

Ein Artikel über die Künstlerin von Katerina Teresidi

Unruhige Ruhe

Nach langen abwechslungsreichen Berufsjahren ging für Sigrid Koller der lang gehegte Kindheitstraum, sich endlich vollends auf die Kunst zu konzentrieren 2015 in Erfüllung.

Mit Hilfe freier abstrakter Malerei sucht die Künstlerin nach den verborgenen Schätzen, die in ihr angelegt sind und die es gilt ans Licht zu fördern. Mit Kreidemehl und Farbpigmenten, die gespachtelt oder gewischt, geritzt, gekratzt oder gebürstet werden zapft die Künstlerin ihre unerschöpfliche kreative Kraftquelle an. Lebensbejahende und technisch unruhig-verspielte, in ihrer finalen Ausstrahlungskraft jedoch ausgewogene und reduzierte Kunstwerke entstehen im Zuge der Arbeit mit erdigen und natürlichen Materialien.
Die abgeschlossenen Werke sollen vor allem Freude und Leichtigkeit auf die Betrachtenden übertragen und diese durch ihre vielgestaltigen Strukturen gleichfalls zum kreativen Schaffen und Ausprobieren anregen.
In ihren Unterrichtsstunden erinnert Sigrid Koller ihre Schützlinge an deren eigene Kreativität und Schöpfungskraft und motiviert sie, den Glauben ans persönliche immanente Schaffenstalent zu stärken.

sigridkoller.art

Blattlose Baumstämme mit Weg

Bethmann Werner

Blattlose Baumstämme mit Weg
Abstrakte Malerei in blau-braun
Viele Tauben auf Straßenpflaster
Werner Bethmann in schwarz-weiß als Holzschnitt

„Kunst ist alles und nichts. Kunst entsteht aus sich selbst.

Kunst ist Leben. Kunst ist schwierig und ein Prozess.

Kunst ist schwer fassbar und dann doch ganz leicht.

Kunst ist mein  Leben.“

 

Seit dem ersten Begreifen von Zeichenstift und Farben lässt mich der Drang zur Darstellung von Fantasien und Augenblicken in Form einer Bildersprache nicht mehr los und begleitet mich durch alle Lebensjahre hindurch. Unabhängig und eigenständig von den äußeren Umständen gibt es immer eine Innenwelt die nach außen drängt und der es egal ist wo der Mensch gerade steht.
Ausdruck ist immer auch Ausbruch der Innenwelt und unbezwingbar.
Manchmal treffen äußere und innere Zustände ideal zusammen, aber meistens nicht. Die Innenwelt ist das Leben, die Außenwelt ist was sie ist.

Werner Maria Bethmann.
Geboren am 5. August 1959
Lebt und arbeitet in Wien.

Für alle Anfragen zu den ausgestellten Werken erreichen  Sie mich unter:
werner.bethmann@aon.at oder unter 0043 680 2195 234.

Weitere Arbeiten und Informationen finden Sie unter: www.bethmann.at

Ein Artikel von Katerina Teresidi

Die Suche ist dauerhaft

Zwischen Realität und Abstraktion – Werner Bethmann schenkt dem Betrachter in seinen surrealistisch anmutenden Gemälden in Öl, Tempera und Aquarell einen Einblick in seine ganz persönliche verschlüsselte Innenwelt. Zwischen Realität und Abstraktion sprechen christliche Symbole, Fische, Protagonisten aller Couleur und Herkunft aus seinen Bildern; es eröffnen sich ausladende Natur- und Raumdarstellungen, sowie zahlreiche Studien von Licht und Schatten, von Jahreszeiten, Körpern und Gegenständen des alltäglichen Gebrauchs. Wiederholt durchstreift die entblößte Anima die Gedankenwelt des 1959 geborenen Wiener Künstlers, der sich stets auf der Suche nach dem passenden Ausdruck seiner Gedankenwelt befindet. Auch lässt uns Werner Bethmann gerne an der Entstehungsgeschichte seiner Arbeiten teilhaben, indem er seine ersten Gedankenskizzen und Ideenfindungsprozesse veröffentlicht.
In seinen Radierungen und Holz- und Linolschnitten arbeitet Werner Bethmann an der plakativen Darstellung einfachster Gedanken, welche durch die Reduktion der Farbigkeit vertiefte Entwicklungen der Bildsprache ermöglichen.
Die Offenheit, sein Innerstes preiszugeben erfordert Mut und Zuversicht, die der Künstler auch bei anderen kreativen und im Geist offenen Gefährten seines Weges zu schätzen weiß. Befragt nach seiner Motivation, äußert sich der Künstler folgendermaßen:
„Mein Wunsch ist es mein Leben so leben zu können, dass ich frei meine Meinung zum Ausdruck bringen kann und in der Zeit, die mir auf Erden geschenkt ist in Einklang mit der Welt komme.“

www.bethmann.at

Trilogie in gold

Wildner Veronika

Trilogie in gold
Blattvergoldete Strumpfhose mit Laufmaschen
Puzzel mit Semmel, Senf und Wiener Würstel versilbert mit Blattmetall

Geb. 1970 in Wien

Studium der klassischen Violine am Konservatorium der Stadt Wien

Ausbildung zur Vergolderin mit abschließender Meisterprüfung

Mitwirkung an zahlreichen Projekten als Vergolderin für die Wr. Staatsoper, Belvedere, Palais Liechtenstein, Schloss Schönbrunn, Albertina, Secession, etc…

Seit 2006 künstlerisch tätig im Rahmen von Gruppen- und Einzelausstellungen in Wien und Niederösterreich

 

 

In meinem künstlerischen Schaffen stellt sich die Frage, wie traditionsbeladene Metalle, wie Gold, Silber und Kupfer auf neue, überraschende, irritierende, aber auch humorvolle Weise eingesetzt werden können.

Alte Vergoldertechniken wie Poliment- und Ölvergoldung bilden die handwerkliche Grundlage für meine Arbeiten. Diese komplexenTechniken werden individuell erweitert und verändert.

Prozesse, die in der klassischen Vergolderei unerwünscht oder tabu sind, werden zum Prinzip erhoben. So darf Silber und Kupfer in Würde oxidieren. Erst der nur bedingt steuerbare Oxidationsprozess verleiht den Objekten Tiefe und Charakter.

Die unkonventionelle Umsetzung alter Techniken und das Spielen mit gegensätzlichen Materialien ist ein wesentliches Thema meiner Arbeiten, sowie auch die Beziehung zwischen Material, Oberfläche und visueller Wahrnehmung.

Alltagsgegenstände werden durch das Vergolden in einen veränderten Zusammenhang gestellt, aufgewertet und neu konnotiert. Diese unerwartete Begegnung führt zu Irritation und erweckt Aufmerksamkeit.

Dem Betrachter sollen neue Blickwinkel auf das scheinbar Vertraute eröffnet werden, welche über das konkret Sichtbare hinausgehen.

 

wildner.veronika@gmail.com

 

Ein Artikel von Katerina Teresidi:

Die nicht traditionelle Vergoldung

Nach Ihrer Ausbildung zur Vergoldnerin und Mitwirkung an zahlreichen Projekten für die Wiener Staatsoper, Belvedere, Palais Lichtenstein, Schloss Schönbrunn, Albertina und die Secession entschloss sich Veronika Wildner einen ganz individuellen künstlerischen Weg zu gehen:
„Alte Vergoldertechniken wie Poliment- und Ölvergoldung bilden die handwerkliche Voraussetzung und Grundlage für meine Arbeiten. Diese komplexen Techniken werden individuell erweitert und verändert. Prozesse, die in der klassischen Vergolderei unerwünscht oder tabu sind, werden zum Prinzip erhoben. So darf Silber und Kupfer in Würde oxidieren. Erst der nur bedingt steuerbare Oxidationsprozess verleiht den Objekten Tiefe und Charakter.“

Bei ihrer Arbeit geht Veronika Wildner der Frage nach, wie traditionsbeladene Metalle wie Gold, Silber und Kupfer auf neue, überraschende, irritierende, aber auch humorvolle Weise eingesetzt werden können.
„Alltagsgegenstände werden durch das Vergolden in einen veränderten Zusammenhang gestellt, aufgewertet und neu konnotiert. Diese unerwartete Begegnung führt zu Irritation und erweckt Aufmerksamkeit. Dem Betrachter sollen neue Blickwinkel auf das scheinbar Vertraute eröffnet werden, welche über das konkret Sichtbare hinausgehen.“

Die 1970 in Wien geborene Künstlerin ist seit 2006 künstlerisch tätig im Rahmen von Gruppen- und Einzelausstellungen in Wien und Niederösterreich. 

buntes Bild mit Kind und umgefallenem Haus

Vaziri Azadeh

buntes Bild mit Kind und umgefallenem Haus
weinendes Kind in bedrückender Landschaft
buntes Bild mit Kind in Landschaft
Dunkelhaarige Frau in blauem T-Shir4t mit schwarzer Jacke vor grauem Hintergrund

Lebenslauf

1984 GEBOREN IRAN, TEHERAN

1991 – 2003 GYMNASIUM MIT MATURA, IRAN

2003 – 2006 GRAFIKDESIGNSTUDIUM, UNIVERSITÄT „TABRIZ“, TEHERAN/IRAN

2008- 2011 STUDIUM DER KUNSTMALEREI, ABSCHLUSS MIT MASTERGRAD UNIVERSITÄT „MARLIK“ UND UNIVERSITÄT „AZAD“, TEHERAN/IRAN

2015 EINREISE NACH ÖSTERREICH

2017 DIPLOMSTUDIUM DER BILDENDEN KUNST MIT SCHWERPUNKT MALEREI

 

Ausstellungen

2020

Kunst zu RechtJustizzentrum, Das Elfte Jahr, Gruppenausstellung, Wien, Austria

2019

Art Gallery Vienna , Highlights, Gruppenausstellung, Wien, Austria

OHO Galerie, Vienna Art Markt, Gruppenausstellung, Wien, Austria

Wasserturm FavoritenWasser shape, Gruppenausstellung, Wien , Austria

Schloss SchönbrunnKunstsalon, Der den Mond trägt, Ausstellung mit Lesung , Gruppenausstellung, Wien , Austria

Galerie Frewein-KazakbaevGanslwochen mit Beilage, Gruppenausstellung, Wien, Austria

2018

Gartenbaumuseum, Colors of Landscape und Krieg, Gruppenausstellung, Wien, Austria

Konflikt-Konkurrenz-Kooperation, Gruppenausstellung,(Wettbewerb), FH Campus Wien

Alte Schieberkammer, Wasser ist das Blut der Erde, Gruppenausstellung, Wien, Austria

Schloss Schönbrunn, Kunstsalon, Gruppenausstellung, Wien, Austria

2016

Magdas Hotel, Krieg, Einzelausstellung, Wien, Austria

2013

Freya Galerie (9+1), Gruppenausstellung ,Teheran , Iran

Verkauf bei Auctionen : 2016 – Charity Auction Caritas DOROTHEUM

Publikationen :

2016 Charity Auktion Catalogue-DOROTHEUM

Ein Artikel von Katerina Teresidi:

Grelle Kontraste

Comicfiguren, die für Azadeh Vaziri einen freien Lifestyle symbolisieren, werden in ihrer malerischen Sprache gebraucht, um auf die Rechte von Frauen und Minderheiten aufmerksam zu machen. In ihren Arbeiten beschäftigt sich die Künstlerin mit den Gegenstätzen zwischen Freiheit und Gewalt.
Dabei greift Azadeh Vaziri gerne zu grellen Farben aufgrund der frohen Assoziationen, welche diese in Verbindung mit Protagonisten aus der Disneywelt in ihr wecken – die Darstellung einer heilen Welt, welche die Künstlerin gerne bewahren und mit ihrer Arbeit nach Außen tragen möchte.

Westliche Pop-Kultur in Acryl auf Leinwand wird in den Arbeiten der Iranerin zelebriert. Dabei stellt die Künstlerin fröhlich anmutende Comic-Helden grotesken Figuren entgegen, welche ebenfalls größtenteils der westlichen Kultur entstammen. Böse Clowns aus Stephen King‘s Filmen, Mörderpuppen oder satanistische Symboliken sind in ihren Werken zu finden, ebenso wie Steinigungen und Waffendarstellungen, welche die Künstlerin in ihrer Heimat aufgrund der Nähe zum Kriegsgeschehen verinnerlicht hat.
Azadeh Vaziri wünscht sich eine ausgeglichenere, fairere Welt und hofft die Betrachter ihrer Arbeiten mithilfe ihrer künstlerischen Auseinandersetzung mit den Themen Gewalt, Frauenrechte, sowie Frieden und Krieg zum Nachdenken anzustoßen und vielleicht auch dazu, den einen oder anderen persönlichen Beitrag zur Förderung des Gleichgewichtes in der Welt zu leisten.

www.azadehvaziri.at

Unger Franz

Vernissageankündigungsplakat mit Aquarell von Menschen
Plakat eines Aqarells - Selbstbildnis des Künstlers Franz Unger

Franz Unger

1976-1981, Ausbildung als Gebrauchsgraphiker an der Höheren Graphischen Lehr und Versuchsanstalt

1981, Abschluss mit Diplom

Mehrjährige Tätigkeit als Gewerblicher Graphiker in Werbeagenturen und Verlagen

Seit 1990 ausschließliche Beschäftigung mit der „freien“ Graphik,- Schwerpunkt Figur in Wasserfarben, zeitgleich im MAK – Museum für angewandte Kunst tätig

Ausstellungen:

1981 Typeshop Schwarzenbergplatz

2004 Arge Zeitschriftenverlag  (Werbeagentur)

2017 Theaterei in St. Christophen,

Galerie Koko

2018 Konzerthaus im Weinviertel

Thema

Meine Themen ergeben sich aus Beobachtungen von Menschen an den verschiedensten Standorten wie z.B. im Alltag in der Freizeit etc.

Diese Eindrücke werden entweder in Form von Skizzen oder mit dem Fotoapparat (Handy) festgehalten.

Durch diesen mit den Jahren entstandenen „Fundus“ an Material ist es mir jederzeit möglich auf Modelle für diverse Bildideen zurückzugreifen. Dadurch entstehen je nach Stimmungslage mitunter sehr freie Interpretationen aber auch Auftragsarbeiten wie Portrait oder Gruppenbildnisse. Auch die Literatur kann Ausgangpunkt für Figurale Interpretationen sein.

Was mir am Ergebnis besonders wichtig ist, dass sich alles dem Betrachter von selbst erschließt, er soll weder herangeführt werden müssen noch eine textliche Erklärung benötigen.

Als Mal Material verwende ich die Farben Aquarell, Gouache, Tuschen und Acryl. Der Bildträger ist ausschließlich Papier in allen Formen und Stärken.

Ein Artikel über die Künstlerin geschrieben von Katerina Teresidi:

Aus den Tiefen der Gesellschaft

Die Beobachter beobachtend, sich orientierend an traumhaft-hyperrealen, außergewöhnlichen, ins Groteske neigenden Vorbildern, wie Franz Hals, Tim Burton, John Singer Sargent, Horst Janssen, Peter Doig, Michael Borremans und vielen anderen, nimmt Franz Unger die menschlichen Verhaltensweisen unter die Lupe.

In seinen Einzel- und Gesellschaftsportraits, Darstellungen von Zusammenkünften und Bühnenauftritten, alltäglichen Barszenen, sowie in den teils karikaturistischen lebensnahen Stadtbildern führt uns der Künstler mit seinen Grafiken, Aquarell- und Tuschegemälden mit ihren ineinandergreifenden Farbflächen, ausgeblichenen Konturen und dunkler Farbgebung in die zwischenmenschliche Existenzebene ein, wie sie sich dem inneren Auge des Künstlers offenbart.

So wie Franz Unger das Leben mit all seinen Facetten genießen möchte, möchte er diese gleichzeitig in seinen verschiedenformatigen Arbeiten einfangen und den Geist seiner Zeit konservierend, ähnlich zahlreicher visualisierter Erinnerungen, den nachfolgenden Generationen übermitteln.

Sei es im Alltag am Hauptbahnhof, oder bei offiziellen oder privaten Anlässen, überall wo Menschen miteinander interagieren findet der Künstler seine Themen.
Einen besonderen Wert liegt Franz Unger dabei auf eine dechiffrierte Mitteilung seiner unmittelbaren Beobachtungen, für welche es in seinen Bilderwelten keiner Heranführung bedarf, keiner Zuhilfenahme textlicher Erklärungen – seine Darstellungen sollen sich dem Beobachter von selbst erschließen.

Facebook: Franz Unger

Pinterest: Franz Unger

Instagram: ungergrafik

Nekro

Zeichnung Käfer von unten
Surrealistische embryonale Monsterfigur
Hirn mit Auge, surrealistisch
Kopf unscharf verschoben

Particle of my life,

A lot of people I meet are in the constant circle of fixing and protecting their bubble, for some this is definitely what they need, for others not. Instead of fixing it, I focus hard on destroying it and creating a new, bigger one. This process is my constant bubble, or at least for now it is. My paintings are heavy and often not easy to comprehend, although I know their also very corny at the moment and they often try to be something their not. Im not gonna lie, I aim to be all sorts of things and mostly I miss, but through trying and experimenting Im finding myself more and more.

I found that when your born into an easy life (And don´t fool yourself, to me an easy life means not being afraid that you will die due to hunger tomorrow or getting eaten by a big cat.) You have the capacity to confront yourself with the Problems of the World.

Art is one way to do so for me.

Frau hält die Hände auf

Nada Nadj

Frau hält die Hände auf
Gesicht
Maske und Gesicht

Nada Nadj was born in Bosnia and Herzegovina where she spent her childhood and school days. Vienna has been her home for over 25 years now. She started learning how to paint at the Kunstvolkshochschule in 2006 and passed the classes in 2009. Her paintings give her a chance to express her feelings and her view of the world. She likes to experiment with a lot of methods and techniques without settling for only one in particular. She has used oil, acrylic and aquarelle paint in her art works, sometimes even combined in some of her paintings – that way she can still express herself unrestrictedly and constantly open new doors for herself and her art.

Group Exhibitions

2021-Publicartists

„Traumwelten“

2021-Galerie am Park

„Colors of the World“

 

2021-ega Frau im Zentrum Gallery

„Frauen Kriesenmeisterinnen seit immer“

 

2021-PantoART

„Hinter der Maske“

2021-Bulgarische Kulturinstitut „Haus Wittgestein“

STICK TOGETHER

2020 Anima Senza Voce

Italien

2020Artfactory Graz

Kunst gegen Corona

2020Oyster Art Gallery Pakistan

ART FOR ART

2020 -Fundation Bellas Artes Ecuador

 

2020 -Art Galllery Vienna

 

2020 -Lisbona contemporanea 220

International Art Exibition

 

2019 – Gallery of the Raiffeisen Bank in Langenlois

2019 – Pernersdorf, Austria

2019 – House Doebling

2019 – Alte Schieberkammer of the Vienna Waterworks

2019 – Art Fair Zagreb, Croatia

2018 – Slovenian Cultural Center Vienna

2018 – The Manor House Budmerice, Slovakia

2018 – Alte Schieberkammer of the Vienna Waterworks

2017 – International Art Fair Hirschstetten

2017 – Kunstnetz Gallery Vienna

2016 – Alte Schieberkammer of the Vienna Waterworks

2010 – AKH Gallery

2010 – Lore Muth Gallery

 

Solo Exhibitions

2018 – Kunstnetz Gallery Vienna

2017 – Palais Palffy

2017 – Vienna International Center of the United Nations

2017 – Alte Schieberkammer of the Vienna Waterworks

 

Cartoongemälde

May Isabella M.

Cartoongemälde
Cartoongemälde
Cartoongemälde
Finelinerzeichnung mit Schwarzlicht beleuchtet
Finelinerzeichnung mit Schwarzlicht beleuchtet
Finelinerzeichnung mit Schwarzlicht beleuchtet

B O R N  1 9 9 7  I N  V I E N N A

a r t i s t ,  a u t h o r ,  f o u n d e r  o f  N e w C u l t u r e

w w w . t h e c r o s s o v e r a r t i s t . a t

thecrossoverartist@gmail.com

Isabella M. May is a modern artist born in 1997, currently living in Vienna.

After earning an academic degree in German linguistics and literature, she later on followed her passions and switched careers to work in the art field as a gallerist, art consultant, and autodidact artist.

Her first series can be categorized as Popart, with comic elements, bright colors, a sarcastic
surface, and a lot of wording and metaphors to mark her literary nature. Depending on the
phase of her creative work, she has since then moved to different style periods, including
Expressionism and Neo-Expressionism, such as her current. one, which happens to be her
most authentic and intuitive series and is called ‘Repurposing’.

If one observes the developments in and around her art series, one can see a gradual
transformation from the ‚controlled chaos‘ of her Pop Art to an ‚uncontrolled disclosure‘.

A very symbolic act of this is that the previously masked artist (formerly known as B.TCA)
decided in 2024 to cast off her censorship and to engage with her art in a much more free,
intuitive, and raw manner. Letting loose and welcoming the rawness of intuition and inner
conflicts is a process, that appears to be an unexpected contrast to today’s controlled andstructured world and also became a very personal act of facing demons out of her childhood and past that she has not before dared to welcome into her consciousness.

Through this rather personal reflection, her art also became a medium to speak not only her own but the truth of many women in society, their problems, frustrations, fears, and conflicts of existence.

Her current collection is called REPURPOSING and shows the process of discovering what
burden a female body puts on her life, soul, and existence. It’s a discovery of her past, painted
through the eyes and hands of a young girl growing, experiencing and slowly understanding
what society expects of her. (Internalized) Misogyny and the absurd lengths and depths it
pulls within society, within women, within each girl in each country and culture is the cause of great misfortune in our history, our now, and our future.

Femininity is not the foe, women* are not the problem, but understanding the misdeed they have to endure and doing what is withineveryones power to overcome it is our worlds ever duty.

Ein Artikel von Katerina Teresidi

Experimentell und kompromisslos

B. ist eine crossover-Künstlerin aus Wien, die sich keinem Stil unterordnet und sich stets die Freiheit des Experimentierens mit verschiedenen Themen, Genres und Techniken lässt. Die Anfänge ihres Schaffens verorten sich in der knalligen Comic-PopArt als plakative Acryl-Gemälde mit integrierten UV-Elementen, welche mit aufgeladenen Statements gefüllt sind. Darauffolgend entwickelte sie eine minimalistische Serie größtenteils schwarz-weiß gehaltener Fineline-Portraits, in welchen die UV-Elemente sehr sparsam und gezielt eingesetzt wurden.

„Universe Around Me“ ist die aktuelle Serie von B. mit zahlreichen schimmernden Gold- und Silbereffekten, welche mythologische Personifizierungen unseres Sonnensystems aufgreift und aus dem jahrtausendealten Wissenspool der westlichen Kultur und Astronomie schöpft.

In ihrem Schaffen bleibt B. ihrem Kredo treu: sich ständig selbst neu zu erfinden, ihre Kunst ist dabei aufgeladen mit ihrer momentan vorherrschenden Stimmung: mal laut und bunt, ein andermal ruhig und gelassen – sie ist ein Mittel zur Kommunikation und Reflektion über die vorherrschenden seelischen Zustände.

Ursprünglich aus dem Bereich der Literatur- und Sprachwissenschaft kommend, webt B. ihre klaren Statements häufig in Schriftform in ihre Werke mit hinein. Die tagtägliche Auseinandersetzung mit Musik, Literatur, vorherrschenden kulturellen Strömungen und Mythologie sind ihre größten Inspirationsquellen.

thecrossoverartist.eu

Weiße Lilien mit grün und braun

Marcos Carmen

Weiße Lilien mit grün und braun
Hügelige warme Landschaft mit gelb-blauem Himmel
rote Schuhe in rotem Bild
Carmen Marcos mit rotem Pullover und Mütze vor grünem Busch

geboren in Jumilla (Spanien) am 22. April 1951

Diplomstudium der Erziehungswissenschaft (Bildnerische Erziehung) an der

Politechnischen Universität Barcelona

Doktoratsstudium der Angewandten Kunst an der Universität Barcelona

Doktorarbeit: Der Horizont als symbolischer Ausdruck in der Kunst

 

Kontakt

Sabine Kranzl

Tel: +43-680-2080138

info@carmen-marcos.art

www.carmen-marcos.art

 

 

Ausstellungen

2019 Über Papier (im Großformat). Künstlerausstellung. Auditorium Barradas. Hospitalet Barcelona

(Spanien)

Nackte Körper. Naturstudien. Ethnografisches Museum. Jumilla (Spanien)

Nackte Körper. Naturstudien. Ideak (Studio Dekoration). Cieza (Spanien)

Konferenz “Der Horizont in der mythischen Gedankenwelt“. Musikkonservatorium. Jumilla

(Spanien)

2018 Le partage des bêtes. Colectivo KaNiBaL’HoPoX. Pollionnay (Frankreich)

Die Schönheit und die Erinnerung. Galerie Sandpeck. Wien (Österreich)

Nulla dies sine linea (Kein Tag ohne Linie). Ethnografisches Museum. Jumilla (Spanien)

Die Schönheit und die Erinnerung. Bildweinschau Unterretzbach (Österreich)

Ceci n’est pas „un casco“ (Das ist kein „Helm“). Künstlerische Interpretation eines

archeologischen Artefakts des Geschichtsmuseums L’Hospitalet. L’Harmonia. Barcelona

2017 Malerisches Tagebuch. Ethnographisches Museum. Jumilla (Spanien)

Der sehnliche Blick. Spital Sant Pau. Barcelona

2016 Eine Welt. Zwei Blicke. Archäologisches Museum in Archena (Spanien)

Ceci n’est pas une medusa (Das ist keine „Medusa”). Künstlerische Interpretation des Kopfes der

Medusa. Geschichtsmuseum L’Harmonia in L’Hospitalet (Spanien)

2013 Erinnerungen der Schönheit. Galerie Artacasa in Barcelona

2013 Der sehnliche Blick. Spital Clínic in Barcelona

2012 Naturgeschichte II. Die Schönheit und die Erinnerung. Akademie der Medizinwissenschaft und

Gesundheit von Katalunia und den Belearen. Barcelona

2011 Himmelspforten. Universität Barcelona

Der Schiffbrüchige – Die Seelenzustände. Nîmes (Frankreich)

Der Schiffbrüchige – Die Seelenzustände. Galerie TPK in l’Hospitalet (Spanien)

2009 seit 2004: Wanderausstellungen im öffentlichen Raum mit Bildern aus der Serie Der sehnliche

Blick, in Zusammenarbeit mit Gamis Verein zur Unterstützung bei Brustkrebserkrankungen in

Gavà (Spanien)

2006 Naturgeschichte. Akademie der Medizinwissenschaft und Gesundheit von Katalunia und den

Belearen. Barcelona

2004 Der sehnliche Blick. Projektleitung und Organisation von Fotografie, Malerei und chirurgischen

Skizzen über Brustkrebs. In Zusammenarbeit mit Gamis, Verein zur Unterstützung bei

Brustkrebserkrankungen

2002 Kunstmesse des Mittelmeerraums. Blanes (Spanien)

2001 Euroart’01 – V. Internationale Ausstellungsmesse zeitgenössischer unabhängiger KünstlerInnen.

Barcelona

Kunstmesse des Mittelmeerraums. Blanes (Spanien).

2000 Euroart’00 – IV. Internationale Ausstellungsmesse zeitgenössischer unabhängiger KünstlerInnen.

Barcelona

Europ’ART. Genf (Schweiz)

Kunstmesse des Mittelmeerraums. Blanes (Spanien)

1999 Neue Werke. Medizinische Fakultät. Universität Barcelona

Messe Arte+Sur. Granada (Spanien)

Euroart’99 – III. Internationale Ausstellungsmesse zeitgenössiger unabhängiger KünstlerInnen.

Barcelona

1998 Euroart’98 – II. Internationale Ausstellungsmesse zeitgenössiger unabhängiger KünstlerInnen.

Barcelona

1997 Euroart’97 – I. Internationale Ausstellungsmesse zeitgenössiger unabhängiger KünstlerInnen.

Barcelona

1996 Erinnerungen an Puerto Rico. Estudio Serra 18. Barcelona

Messe “Tallers Oberts”. Barcelona

II Zeitgenössische Kunstausstellung. Galería Hemen. Getaria (Spanien)

D’Art. Internationale Kunstausstellung. Nizza (Frankreich)

1995 “Plaza Sant Felip Neri”. Galerie Beckett. Barcelona

1990 – 1995 Jährliche Ausstellungen in der Galerie Serra 18. Barcelona

1989 Galerie A grade. Aveiro (Portugal)

Galerie Nogleback. Odense (Dänemark)

Galerie Padam. Barcelona

1988 Spanisches Zentrum. Genf (Schweiz)

Fünfzig katalanische Künstler”, Galerie Ateliers Ives Le Guellec. Auch (Frankreich)

IX Nationale Leistungsschau der Bildenden Künste. Alicante (Spanien)

“Donart 88”. Capella de l’Antic Hospital de la Santa Creu. Barcelona

Galerie Barcinova. Barcelona

Keine Helden, keine Vorbilder”. Casa Elizalde. Barcelona

Zehn Künstler der Galerie Ateliers Ives le Guellec”. Auch (Frankreich)

1987 Galerie Taller de Picasso. Barcelona.

Kulturhaus Las Bernardas. Girona (Spanien)

VII Biennale der Malerei. León (Spanien)

Jachtklub. Cambrils. (Spanien)

Performance mit Alltagsgegenständen verwandelt in visuelle Gedichte für die Präsentation des

Buchs “Von der Anmut und der Verwunderung” (“Del Encanto y la Extrañeza”). Casa Elizalde

(Barcelona) und im Saal Cirici de L’Hospitalet (Spanien)

1986 Galerie 11. Alicante (Spanien)

VII Internationale Leistungsschau der Malerei. Benissalem. Mallorca (Spanien)

Galerie Amagatotis. Barcelona

Galerie Taller de Picasso. Barcelona

VII Nationale Leistungsschau der Bildenden Künste. Alicante (Spanien)

“Mail art Project”. Arras (Frankreich)

1985 Kulturverein Madrid

Galerie Taller de Picasso. Barcelona

1985 Galerie S’Escala. Deià. Mallorca (Spanien)

Kultursaal La Florida. L’Hospitalet. Barcelona

Weihnachtsgrüße”. Galeria Matisse. Barcelona

1984 “Harte”. Galerie Amagatotis. Barcelona

Performance mit gebrauchter Fußbekleidung für die Präsentation der Zeitschrift “Harte”

Galerie Amagatotis. Barcelona

1983 Sparkasse. Alicante y Murcia (Spanien)

Kultursaal La Florida. L’Hospitalet. Barcelona

Nationaler Ausstellungsraum für Malerei, Murcia (Spanien)

1982 ARCO. Internationale Kunstmesse. Galerie Seny. Madrid

1980 1. Nationale Messe von Zeichnungen. Barcelona

Kulturzentrum Catòlic de Sant Andreu. Barcelona

1979 Herbstmesse “Saló de Tardor”. Organisiert von der Zeitschrift für Poesie “Druida”. Maó. Menorca.

(Spanien)

Publikationen

2017 “Die Persönlichkeiten der Ramblas im kollektiven Gedächnis” (Originaltitel: “Personajes de las

Ramblas en el imaginario popular”). Editorial Círculo Rojo

2006 Künstlerische Gestaltung des Buchs “Der Tod wird kommen und deine Augen haben

(Originaltitel: “Vindrà la mort i tindrà els teus ulls”). Cesare Pavese. Editorial BCN Art Directe.

Barcelona

1997- 2001 Künstlerische Gestaltung des Bildmaterials der Internationalen Ausstellungsmesse

zeitgenössiger unabhängiger KünstlerInnen “Euroart” und des Unternehmens “BCN Art Directe”

zur Förderung der Kunst

1988 Titelbild des Buches “Gedächnisverlust und das Hin und Her” (Originaltitel: “Amnesia y vaivén”).

Diaz Guinot y Mage. Editorial Neoforma. Barcelona

1987 Projektleitung und künstlerische Gestaltung des Buches “Von Anmut und der Verwunderung

(Originaltitel: “Del Encanto y la extrañeza”). Mit Gedichten von Joan Brossa, Vicenç Estellés, Luis

Eduardo Aute, u.a.

1984 Illustration der Erstausgabe der Zeitschrift Harte für Gedichte und Kunstkritik.

1979 Plakatgestaltung für “The Meeting of the Society of Cut. Ultraest. Rech.” Universität Barcelona

Kinderliteratur

2018 Die Katzen im Ruhestand

Der Haussperling Pilar

2016 Dulce und Rex

Maria und der Drache Nika, Bücherpiraten e.V.

2015 Der Schmetterling Macaon

2014 Die Turteltaube

 

Künstlerische Positionen

2000 – 2010 Geschäftsführerin der Kunstgalerie Espai d’Art BCN Art Directe. Barcelona

1997 – 2002 Direktorin der Internationale Ausstellungsmesse zeitgenössiger unabhängiger KünstlerInnen

“Euroart”. Barcelona

2000 – 2002 Direktorin der Kunstmesse des MittelmeerraumsBlanes. (Spanien)

1996 – 2010 Geschäftsführerin des Unternehmens “BCN Art Directe S.L.” zur Förderung der Kunst

Die Schönheit und die Erinnerung

Was für eine seltsame Sache ist doch die Erinnerung.

 

Den Vergesslichen – wie ich es bin – erschreckt ihre launische Natur,die dazu führt, dass sie verblasst. Details unseres Lebens, die unseinst wichtig erschienen, verschwinden in der Dunkelheit.

 

Doch ist es mein Wunsch, die Schönheit des Lebens in Erinnerung zu

behalten, für immer zu meinem zu machen und mit anderen zu teilen.

Denn, sich nicht erinnern, ist, wie nicht gelebt zu haben.

 

Von allen Bildern, die wir sehen, gibt die Erinnerung nur fragmentierte

Teile der Realität zurück. Wie Lichtblitze im Dunkeln erlaubt sie uns

außerhalb des Impulses der Zeit kleine Wunder zu betrachten.

 

Wunder, die in unserem Gehirn mit besonderer Leuchtkraft funkeln. Es entsteht das vorübergehende Gefühl, mit der Ewigkeit in Berührung zu kommen.

Mehr als an die Details erinnern wir uns gewöhnlich an die Farben und Konturen. Deshalb male ich die Umrisse der in meinen Ölgemälden dargestellten Motive und wiederhole den Horizont in den Landschaftsbildern.

Die Suche nach Schönheit begründet auch mein Projekt „Malerisches Tagebuch“, das ich seit Jahren ausführe: Plinius der Ältere, geboren um 352 v. Chr., erzählt, dass der Maler Apelles, der berühmteste der Antike, offizieller Maler und Freund

Alexanders des Großen, einen Anspruch stellte, den er streng befolgte:

Kein Tag ohne Linie.

 

Seit Jahren folge ich dieser Gewohnheit und fertige täglich Zeichnungen an. Es sind oftmals Aquarelle, die ich in einem Arbeitsvorgang male. Ich reflektiere über die einfache Schönheit der Dinge, die uns jeden Tag angeboten werden. So trainiere ich mein Auge und meine Hand, denn für einen Maler ist beides wichtig zu wissen: wie man sieht und wie man zeichnet.

 

Ein Artikel über die Künstlerin geschrieben von Katerina Teresidi:

Lebendige Erinnerung

In der Umsetzung ihrer ganz persönlichen Version der Wirklichkeit zielt die Künstlerin bewusst auf den Betrachter, den sie an die Schönheit der Welt erinnern möchte. Dies gelingt ihr ziemlich präzise aufgrund der offenen Unmittelbarkeit im Ausdruck ihrer Arbeiten, die eine spürbare Ehrlichkeit in ihren saftigen Farben und der lebendigen Strichführung konservieren. Trotz der immanenten Unbewegtheit des malerischen Mediums ziehen die Gemälde Carmen Marcos den Betrachter in die bewegte Welt eines sonnigen Spazierganges durch Feldwege der spanischen Steppe, vermitteln die Ruhe eines Spätsommernachmittags, der zeitlos das turbulente Leben hinter sich lassend zur Besinnung auf den gegenwärtigen Moment ermuntert.
Die klassischen Motive der Landschaftsmalerei und Stilleben werden aufgelöst, unterbrochen und vervollständigt durch Formimaginationen und Erinnerungen an diese, wodurch die Gemälde um eine Ebene der gedanklichen Wirklichkeit zusätzlich erweitert werden.

Vermehrung des Glücks, stille Ermunterung des Betrachters ihrer Arbeiten, deren Vibration und Frequenz Hoffnung und Zuversicht vermitteln – dies ist das formulierte Streben der 1951 in Jumilla in Spanien geborenen Künstlerin. Sehr passend zu diesem Vorhaben steht ihr Beethoven als Vorbild nahe, der sich nicht dem Elend des Alters hingab und sogar taub seine besten Symphonien schrieb.

Bei der Beschreibung ihrer Lebensphilosophie gibt sich die Künstlerin bescheiden:

„Mein Leben ist zu einfach, um interessant zu sein, aber ich mache jeden Tag eine Zeichnung oder ein Aquarell und poste es auf meiner Website oder auf Instagram unter dem Titel ´Malerisches Tagebuch´. Außerdem veröffentliche ich Artikel über den Horizont in der Malerei in meinem Blog.“

Nach ihrer Promotion in Angewandter Kunst an der Universität Barcelona realisiert die Künstlerin internationale Ausstellungen und Kunstprojekte, ist literarisch tätig und illustriert Bücher und Kinderliteratur.

www.carmen-marcos.art/

Lichtenhofer- Wagner Brigitte

Kontaktdaten:

brigitte.lichtenhofer@a1.net
www.atelier-lichtenhofer.at
www.facebook.com/brigitte.lichtenhoferwagner
www.instagram.com/lichtenhoferwagner/

In Wien geboren und aufgewachsen, lebt in Wien und NÖ

erste künstlerische Ausbildung bei der Wiener Malerin und Grafikerin Florentina Pakosta,

weitere Ausbildung im Zeichnen, der Öl- und Acrylmalerei bei namhaften Malern an Kunstakademien,

der Kunst-Volkshochschule Wien sowie Atelierlehrgänge und Kunstgeschichtskurse in der KVH und

Uni Wien

Ihre Arbeiten – vorwiegend mit Ölfarben – sind das Resultat eines Vorganges bei dem die subjektive Wahrnehmung, das Denken, Empfinden und das technische Verfahren bzw. die handwerkliche Fähigkeit in Relation zueinanderstehen. Sujets werden in Farben und Formen zerlegt und neu zusammengesetzt. Durch diesen Malprozess entsteht ein neues Bild.

In ihren Sujets ist nicht nur die Darstellung der Objekte maßgebend, sondern sie möchte auf die leisen Zwischentöne der Realität hinweisen „das Unbeobachtbare beobachtbar machen“ – eine zweite Realität schaffen. Dabei überlässt sie dem Betrachter freien Raum für seine Assoziationen, es ergeben sich unzählige Sichtweisen.

2019 Siegerin des ART AWARD der Berufsvereinigung der Bildenden Künstler Österreichs,
Landesverband Wien/NÖ/Bgld., Kategorie Malerei/Grafik

div. Einzel- und Gruppenausstellungen in Wien und Umgebung auszugsweise:

Einzelausstellungen:

Verkehrswege/Auszeit /Refelctions/ Galerie KunstLokal, ,2011,2013,2017

Basis KulturWien der Stadt Wien „Wir sind Wien“ , 2012

Querschnitt/ TÜV-Akademie, Wien

Ölmalerei/Gartenbaumuseum, 2014

Mensch & Technik/Galerie Kunstnetz, 1220 Wien, 2018
all together now/Kreativraum Galerie, 1010 Wien, 2018

diverse Ölarbeiten/ Kabinett, Barockschlössl Mistelbach, 9/2020

„ART Object Rotation“ Österr. Gartenbaumuseum, 11/2020 – wg. Covid abgesagt

Gruppenausstellungen in:

Galerie Art Pool Vienna, 2019

in Coop. mit ArtCan UK, “all you need is love”, 2020

The Art Gallery Vienna, 2016, 2018, 2019

„ – „ : „Veränderungen“, 2020

Verein Kunstschaffen „art of the world“ 2020

BVMargareten (Verein Kunstschaffen) „faces of the world”, 2020

Galerie Eisenwaren Kamp, Weihnachtsausstellung, 2020

Int.ARTView Vienna, 2014, 2017

ART Innsbruck, Innsbruck, 2012

im Ausland: ART Showroom Merlino Botega, Florenz, Italien 2016

Galleria Mentana, Florenz, Italien, 2016

Gruppenausstellung der BV in Verona (I),2018 und München (D),2018

Kooperationsausstellung Bulgarien (Plovdiv) und Österreich (Wien, Haus Wittgenstein),2019

ARTBox Projekt, Swissartexpo Zürich, 2019, 2020

Publikationen: „Awarded Art international“ – ISBN: 9783746035772

„Kunststücke“ Werkeband zeitgenössischer Künstler – ISBN 9783981694925

„Spotlight“contemporary Art Magazine – Circle Foundation

Ein Artikel über die Künstlerin geschrieben von Katerina Teresidi:

Freiwerden von den selbstgesetzten Grenzen

Malen ist die Ausdrucksweise ihrer Fragen, Betrachtungen und Reflexionen. Schon als 12 jähriges Mädchen besuchte die Künstlerin Brigitte Lichtenhofer-Wagner die alten Meister im Kunsthistorischen Museum und lernte neugierig an Ihren Beispielen. Heute sucht sie intensiv nach Erkenntnissen des „noch nie Dagewesenen, der Wahrheit in der Kunst, nach der Definition ihrer eigenen Bildsprache“, wie es die Künstlerin selber beschreibt. Dabei strebt sie die Befreiung von den malerischen Linien an, die sie teilweise mit selbstgesetzten Grenzen assoziiert.

Die Künstlerin äußert sich über ihren Arbeitsprozess folgendermaßen:
„Meine Arbeiten sind das Resultat eines Vorganges, bei dem die subjektive Wahrnehmung und das technische Verfahren bzw. die handwerkliche Fähigkeit in Relation zueinander stehen. Sujets werden in Farben und Formen zerlegt und neu zusammengesetzt. Durch diesen Malprozess entsteht ein neues Bild – gegenständliche, expressionistische Abstraktion.“

Geheimnisse des Alltags

In Ihren Kreationen strebt Brigitte Lichtenhofer-Wagner danach, eine zweite Realität zu verwirklichen, indem sie das Unbeobachtbare beobachtbar macht. Perspektivenwechsel, Bild-in-Bild Kompositionen, herausarbeiten kleiner unscheinbarer Details zu einem Großformat und das Herausheben der kleinen Geheimnisse des Alltags zählen zu ihren beständig variablen und immer wiederkehrenden Motiven.

Mit Anreizen aus Büchern, Musik und dem eigenen neugierigen, stets schonungslos offenen Blick auf die Wirklichkeit kreist sie in ihren Arbeiten die Themenfelder Umwelt, Zeitgeschehen, Vergänglichkeit, Technik und die unerschöpfliche Suche nach der Wahrheit ein. Schönheit und Ästhetik spielen im Schaffen Brigitte Lichtenhofer-Wagners eine gewichtige Rolle, die sie angelehnt an die Worte des Bildhauers Ernst Rietschel folgendermaßen beschreibt:
„Alles was wahr ist, ist schön!
Doch das Schöne ist nicht immer wahr!
Schau zweimal!!!“

Herausgebildet durch die Jahre selbstreflexiven Arbeitens lässt sie sich gerne von ihren wertvollen Erkenntnissen leiten: im Gleichgewicht zu bleiben heißt für die Künstlerin, sich selbst nicht allzu ernst zu nehmen, aber ernsthaft die eigenen Ziele zu verfolgen, keine Angst zu haben vor Niederlagen – Fehler eingestehen, denn sie zeigen oft eine alternative Sichtweise auf. Hinzu kommt die Wichtigkeit, für Neues offen zu bleiben, denn es inspiriert.

Brigitte Lichtenhofer-Wagner orientiert sich in Ihrem Schaffensprozess einerseits an den Rückmeldungen und Reflexionen der Betrachter, andererseits an ihren Vorbildern, um hier nur einige zu nennen: Michelangelo Merisi da Caravaggio, Artemisia Gentileschi, Edward Hopper, Paula Moderson-Becker, Lucien Freud, Gerhard Richter, Daniel Richter und Walter Strobl – beim letzteren hat sie die Ölmaltechnik gelernt.

www.atelier-lichtenhofer.at

rot-blau abstrakt

Lichtenberger Petra

rot-blau abstrakt
rot-grün abstrakt
rosa-schwarz-weiß abstrakt
Petra Lichtenberger vor Bücherwand

 

O664 125 16 36

petra.lichtenberger5@gmail.com

 

1971 geboren in Eisenstadt

1990 HAK-Matura in Eisenstadt

Seit 1992 angestellt bei der ÖGK, Wien

2005 Diplom „Personalverrechnung“ (Wifi Wien)

2009 Diplom zur „Hara-Shiatsu-Praktikerin“ (International Academy for Hara-Shiatsu, Wien)

2015 Prüfung zur „Innenraumgestalterin“ (Wifi Wien)

Seit 2011 intensive Beschäftigung mit Malerei und Grafik

Seminare sowie Workshops in verschiedenen Techniken z.B. Rakel, Pastell, Aquarell, Pouring, Tusche, Spachtel, Pinsel, etc. bei Dozentin Mag.a art Sybille Uitz, Kunst VHS Lazarettgasse und VHS Polycollege, Wien

Seit 2017 Abend-Aktzeichnen bei Prof. Mag.art. Josef Kaiser, Prof. Mag.art. Rudolf Fuchs und Prof. Mag.a art Judith P. Fischer an der Universität für angewandte Kunst Wien

Diverse Studienreisen nach Italien, Kroatien, Griechenland, Ägypten, London, Brüssel, Amsterdam, etc.

 

Lebt und arbeitet in Wien und Burgenland

2019 Gruppenausstellung „Mein Liebling“ – KVHS Wien

2020 Gruppenausstellung „Kunst zu Recht“ – Justizzentrum Wien Mitte

Ein Artikel von Katerina Teresidi

Expressiver Ausdruck der Gefühle

Petra Lichtenberger greift auf die Malerei als Ausdruck ihres Innenlebens, sowie zur Unterstützung eines besseren Verständnisses der mannigfaltigen Gefühlswelt ihres Selbst zurück. Mit der Zuhilfenahme visueller Darstellungsmöglichkeiten verarbeitet sie Krisensituationen, hält getaktete Eindrücke des Alltags auf der Leinwand fest und schreibt sich mit Farben ihre Empfindungen von der Seele.

Petra Lichtenberger freut sich, wenn ihr ein klarer und unverfälschter künstlerischer Ausdruck der eigenen Gefühlswelt gelingt, noch mehr, wenn sich der Betrachter darin wiedererkennt. Gerne greift sie dabei zurück auf klare, leuchtende Farben, die sie in ihren abstrakten Darstellungen direkt aus der Tube auf die Leinwand aufträgt und mithilfe von Spachteln und Pinseln zu ihren ganz persönlichen Farbwelten formt, welche die facettenreichen Stimmungen, in denen sich Petra Lichtenberger befindet, wiederspiegeln.

Die dabei zum Einsatz kommenden Mischtechniken erlauben Petra Lichtenberger ihre Darstellungen haptisch zu intensivieren.

Hunddrache rotiert aus Loch heraus

Karp Koi

Hunddrache rotiert aus Loch heraus
Baumelfe in grünem Gewand mit Astgeweih vor Erdkugel mit Blumen
Weißes Herz mit Schriftzug "Ungewollter Kahlschlag" vor rosa-weiß-schwarzem Hintergrund
Portraitfoto Koi Karp

Inspired by words – quotes, whole books, lyrics, idioms, slice-of-life-statements. I don’t think while I draw, I never erase things, I like one-shot processes. I grab an ink pen and a piece of paper and accept whatever the result may be.

That is my little ode to simplicity.

Koi   (Evgenia Karp)

verbindet in ihren Arbeiten Text und Bild, steht in diesem Raum der Möglichkeiten, dazwischen. Inspiriert durch österreichische und internationale Künstlerinnen und Illustratoren wie Kat Menschik und Chris Riddell sowie den Subgenres des Steampunk und des Magischen Realismus entstehen aus literarischen Sätzen Bilder, denen die Künstlerin in zarten Dosen ihr Herzblut einflößt. Eigenständig nehmen die Linien Formen an, entwickeln ein Eigenleben, das aus Worten geboren wird. Die Werke spielen mit Form und dem Schwarz der Linien. Sie wirken, als wären sie selbst Text, der ungesagt bleiben muss. Sichtbar sind die Schwingen, die Schrift und Bild formen, verweilen schwebend, bis sie sich im Prozess des Zeichnens in das Motiv auflöseAusstellungen:

Schauspielhaus Wien (2018), Damani (2018, 2019), Mark Salzburg (2019), PopUp Street (2019), V.A.M. – Vienna Art Market (2019), Schattenwelt Festival (2019), Blumentopf Galerie (2019),  Kunst zu Recht (2019).

Ein Artikel von Katerina Teresidi

Kommunikation und die nonverbale Sprache der Kunst

Die aus Russland stammende Künstlerin, Texterin und Illustratorin Koi Karp bedient sich in ihren Arbeiten auf Papier eines figurativen, zartlinigen und detaillierten Stils, welcher manchmal einen Hauch des Makaberen durchscheinen lässt. Dabei ist die junge Künstlerin stets bestrebt, ihre Technik weiter zu verfeinern und zu verbessern, greift in die Multimedialität und erschließt sich neue Plattformen wie Spielwiesen für ihre Kunstsprache.
Wenn mit den Worten Wittgensteins gesprochen „die Grenzen meiner Sprache die Grenzen meiner Welt sind“, so ist Koi Karp bestrebt durch eine nonverbale künstlerische Kommunikationsebene diese Grenzen erheblich zu erweitern:

„Kunst ist für mich die ehrlichste Art der Kommunikation. Ich verstehe, denke und fühle oft mehr, als ich in Worten allein ausdrücken kann und bin sehr dankbar für die visuelle Erweiterung der Sprache durch das malerische Medium. Wenn Menschen dann vor einem meiner Bilder stehenbleiben und mit mir darüber reden möchten, weiß ich, dass etwas von mir sich auch in ihnen spiegelt – solche Situationen führen oft zu großartigen und tiefsinnigen Gesprächen.“

Koi Karp ist bestrebt, mehr Zeit für die vertiefende Auseinandersetzung mit der visuellen Darstellung zu finden, Bücher und Postkarten zu illustrieren, zu Siebdruck zu greifen und internationale Ausstellungen zu realisieren. Dabei spürt sie, wie die Beschäftigung mit Kunst zugleich positive psychologische Reifungsprozesse in Gang setzt:
„Wenn ich zeichne, bin ich ganz im Flow. Die vielen feinen Linien zu zeichnen, hat etwas unglaublich Beruhigendes. Und zugleich gibt es bei fast jedem Bild immer diesen Moment, in welchem ich denke `das wars, ich habs versaut!` Diese Art des mentalen meltdowns als Reifungsprozess zu verstehen und akzeptieren zu lernen tut mir gut und ist sehr wichtig für mich. Es ist eine Art mentales Training.“

Da Koi Karp die Sprache als einen untrennbaren Baustein ihres künstlerischen Schaffens begreift, lautet die Botschaft der Künstlerin:
„Bitte hört nie auf, miteinander zu sprechen, einander verstehen zu wollen, Worte nicht leichtfertig zu nehmen – sie formen uns und wir formen die Welt.“

www.koikarp.art

Kapeller Leon

Abstrahierter Kopf aus Ton
Abstrakt, Linien und Figuren in blau, schwarz, rot und weiß
Kopf aus Ton
Abstrakt, Linien und Figuren in blau und weiß

Geboren 1998

BILDUNG 

2019 –      BA KUNST UND KOMMUNIKATIVE PRAXIS, UNIVERSITÄT FÜR ANGEWANDTE KUNST

                BA DESIGN, MATERIELLE KULUR UND EXPERIMENTELLE PRAXIS, UNIVERSITÄT FÜR ANGEWANDTE KUNST

 

Summer 2018        INTERNATIONAL SUMMER ACADEMY OF FINE ARTS, CLASS OF CAROLINE ACHAINTRE

 

GRUPPENSHOWS

2018                     Open Studios, Summeracademy, Salzburg, AUT 

 

Juarez Gustavo

Kind gießt Geld in abstrahierter Landschaft
Kind mit Wolke vor abstrahierter Landschaft
Mädchen balanciert auf Seifenblasen vor abstrahierter Landschaft
Gustavo Juarez vor seinen Werken

 

kunst-tavojuarez.blogspot.co.at
tavoliman82@yahoo.com
0676/4191123
Ratschkygasse 29/18
1120 Wien

 

Ausstellungsbeteiligungen
15. Jänner 2015          „Kunst zu Recht“, Bezirksgericht 1030 Wien, Dauerausstellung
14. Jänner 2015          Einzelausstellung „Traummaschine“, Wien
4. Dezember 2014      Gewinner der Ausschreibung „Kunst gegen Gewalt 2014“ des Bundeskriminalamts, Preisverleihung
21. November 2014    Gemeinschaftsausstellung „Preview 2015 – Kunstschaffen“, Wien
26. Oktober 2014       Gemeinschaftsausstellung in der Hofburg, Kollektiv „Roter Teppich“
22. Oktober 2014       Guatemala – un país enigmático, Lateinamerika Institut Wien; Ausstellung mit einem Vortrag von Gerhard Grünberg
Juli 2014                     Young Artists – The Art Gallery Vienna, Wien
Juni 2014                    Teilnahme am Art 3 – Atelier- und Galerierundgang im Dritten Bezirk, Wien
März 2014                    Gemeinschaftsausstellung mit arteMIX, Gumpoldskirchen
Februar 2014               Finalist Internationaler Kunstbewerb Juannio – arte contemporaneo
November 2013         Gemeinschaftsausstellung mit arteMIX, Wien
September 2013         Teilnahme an der 2. Art View Vienna (Kunstfabrik Stadlau)
März 2013                  Halbfinale internationalen Kunstbewerb Juannio-arte contemporáneo
Oktober 2012             IV Interkontinentalen Biennale, Quito, Ecuador
Dezember 2011          Haus der Kultur „Casa de la Cultura“, Guatemala, Zweiter Platz im nationalen Kunstbewerb “Freie Kreativität”                            
Dezember 2009          Haus der Kultur „Casa de la Cultura“, Quetzaltenango
                                    Erster Platz im nationalen Kunstbewerb „Arturo Martínez“
November 2008          Gemeinschaftsausstellung Museum Moderner Kunst Carlos Mérida, Guatemala Stadt
November 2007         Dritter Platz im nationalen Kunstbewerb Helvetas, Guatemala

Künstlerische Ausbildung
2002                            Studium der bildenden Kunst in der Galerie und Akademie „Esencia del Arte“ bei Miguel Angel Ixcot (Quetzaltenango, Guatemala)
2001-02                      Assistent in der Akademie für Zeichnung und Malerie „El Caracol“ bei Prof. Otto Estrada (Quetzaltenango, Guatemala)
2000                            Abschluss der Berufsausbildung zum Grafikdesigner am Institut „Tecnológico Don Bosco“ (Guatemala)

 

blau-weiß-schwarz abstrakt

Fischer Sylvia

blau-weiß-schwarz abstrakt
gelb-schwarz abstrakt
blau-weiß abstrakt
Zwei Figuren abstrahiert weiß-schwarz mit rot

SYLVIA  FISCHER                                                 portraitfoto

                                                      

1960 im Sternzeichen der Waage geboren, kaufmännische Ausbildung

autodidaktes Malen bis 2009

September 2009 bis 2013 – vierjähriges Studium an der Neuen Wiener Kunstschule –  Hauptfach Malerei.   Diplomabschluss Mai 2013 mit Auszeichnung

Titel der Diplomarbeit: Entschreibung

In meinen Arbeiten  beschäftige ich mich fast ausschließlich mit dem menschlichen Körper.  Da diese Räumlichkeiten für Akt-Zeichnungen  und Akt-Malerei nicht geeignet sind zeige ich bei dieser Ausstellung  Bilder in denen ich wichtige Lebensphasen und Erlebnisse  abstrakt und nur mit Farbe dargestellt habe. 

Meine Arbeiten in denen ich mich mit dem menschlichen Körper befasse können gerne in meinem Atelier nach Terminvereinbarung besichtigt werden.

 

Div. Ausstellungen : z.B. Freud Museum, Wirtschaftskammer Mödling, Altes Rathaus Döbling, Burg Perchtoldsdorf, Einzelausstellung im Amerlinghaus,

Diplomausstellung in einem Glashaus in Hirschstetten, Exponiam ArtWeek u.E.m.

AUSSTELLUNGEN  2017

Ausbruch aus dem Standbild/ Einzelausstellung, showroom 51

Entschreibung und ihre Folgen/ Einzelausstellung Galerie Sandpeck

„UNPLUGGED“  / Einzelausstellung

Female Figures / Gruppenausstellung /  Domenig Galerie

Mein bestes Stück/ Gruppenausstellung/Art Hotel

AUSSTELLUNGEN  2018

Vielheit der Körper/  Art Hotel

„Heureka“/Gruppenausstellung/ showroom 51

AUSSTELLUNGEN 2019

Ästhetik der Körper/ Gruppenausstellung/Art Hotel

Part oft the art I und EigenArt/ Gruppenausstellungen showroom 51

Unplugged im 8ten /Einzelausstellung / showroom 51

Kongenial/ Ateliereröffnung und Ausstellung mit Udo Hohenberger im showroom 51

RESET/  Gruppenausstellung / Domenig Galerie

Licht und Schatten/ Gruppenausstellung / Galerie Eisenwaren Kamp

Weihnachtsausstellung / Gruppenausstellung / Galerie Eisenwaren Kamp

Highlights/  Gruppenausstellung Art Hotel

 

 

KONTAKT ZU MIR UND MEINEN ARBEITEN

ArtPlatia.wordpress.com

E-Mail:   syfi1@gmx.at

Tel.:   0650/6 01 10 60

Ein Artikel von Katerina Teresidi

Expressive Körperspuren

Nach jahrelanger leidenschaftlicher autodidaktischer Malerei absolvierte Sylvia Fischer 2013 ihr Diplomstudium mit Auszeichnung an der Neuen Wiener Kunstschule. Den Interessensschwerpunkt ihrer Arbeit bildet seit ihrem Studium der menschliche Körper, oder genauer gesagt die Umrisse seiner Bewegungen im Raum, welche außerhalb der zeitlichen Dimension als eine Vielfalt von hinterlassenen Spuren gelesen werden könnten, welche sich auf den Leinwänden der Künstlerin gegenseitig durchdringen, widersprechen und ergänzen.

Der künstlerische Ausdruck erlaubt in seiner Freiheit das Ausleben impulsiver Gefühlsregungen, die von Sylvia Fischer unmittelbar visuell auf das tragende Medium übersetzt werden. Auf diese Weise manifestieren sich die dargestellten Körperspuren durch die Körperbewegungen der aktiv kreierenden Künstlerin zu einem dichten Konglomerat von Zeichen und Farben, welche sich im expressiven Duktus dem Betrachter kraftvoll entgegenstellen. Bleistift, Kohle, Acryl und Öl, ineinander verrinnende und miteinander verschmelzende Flächen und Formen ordnen sich oft der dominanten schwarzen Linie unter, welche sich inspiriert von Schiele, Herbert Brandl und Maria Moser als wiedererkennbares Element durch die Arbeiten Sylvia Fischers zieht. Auch der junge Künstler Udo Hohenberger, mit welchem sich Sylvia Fischer ihre Atelierräumlichkeiten teilt hat mit seiner Arbeitsweise die Gemälde der Künstlerin um einige neue Ansätze erweitert.
Sylvia Fischer beschreibt den malerischen Prozess in ihrem Leben als Notwendigkeit:
„Ich bin unendlich dankbar, dass es die Kunst in dieser Intensität in meinem Leben gibt. Es ist jedes mal spannend ein Bild zu beginnen und noch spannender das Ergebnis.“

ArtPlatia.wordpress.com

Kaiser Franz Joseph Statue am Cobenzl zwischen Büschen

Fellner Sarah

Kaiser Franz Joseph Statue am Cobenzl zwischen Büschen
Mann telfoniert mit Handy vor 4 Telefonzellen
Schwarz-weiß, Frau mit Glatze sieht melancholisch aus dem Bild
Sarah Fellner vor grauer Wand

Sarah Fellner wurde 1984 in Wien geboren. Früh begann sie sich, aufgrund ihrer Mutter, einer Malerin, mit Kunst auseinanderzusetzen. Autodidaktisch erlernte sie digitale und analoge Techniken in der Aufnahme sowie Ausarbeitung.

Anfänglich fotografierte sie spielerisch ihre Umgebung und Freunde. Mit der Zeit wurde sie aufmerksamer und suchte, nach den „menschlichen“ Momenten, denen wir im Alltag begegnen.

Ihr Studium der Soziologie schärfte ihre Aufmerksamkeit für ihr Umfeld, seien es Artefakte oder Personen in bestimmten Situationen. Nach wie vor arbeitet sie teilweise analog, entwickelt und druckt ihre Bilder selbst.

Auszug Ausstellungen/Projekte

2019

  • Group Exhibition:  eigenART II – Grüne Galerie, Vienna, Austria
  • Print: Magazine VVisions Volume 4
  • Gallery representation: Lumina, Lindengasse 65, 1070 Wien 
  • Group Exhibition: BV Wieden, Vienna
  • Group Exhibition: BV Margareten, Vienna
  • Group Exhibition: Art Slam 2019, Vienna, Wien Museum
  • Presentation: UWA Talk, Vienna
  • Print: Magazine FK-Kollektiv, Berlin

 

2018

  • Group Exhibition:  eigenART I – Galerie am Park, Vienna, Austria
  • Print: Magazine VVisions Volume 2
  • Project: Walk of Art, screen projection, Kunstschaffen, Vienna, Austria
  • Group Exhibition:  Erotik al dente, Art Hotel Vienna, Vienna, Austria
  • Group Exhibition: 1918-1938-2018, Amtshaus Wieden, Vienna, Austria
  • Print: Magazine VVisions Volume 3
  • Group Exhibition: Der zufriedene Sklave, lichtraum eins, Vienna, Austria
  • Group Exhibition: Befreite Lust, Atelier Adrian Moldovan, Vienna, Austria 
  • Group Exhibition: Ästhetik des Körpers, Art Hotel Vienna, Vienna, Austria

Das unscheinbar „Schöne“

Dokumentarisch inszenierter Realismus à la Ulrich Seidl, der unmittelbare, direkte Blick auf die Realität, welche oft à la Deix das Aussenvorgelassene, Verborgene und Deformierte thematisiert, die scheinbar unzensierte unbeschönte Veröffentlichung subjektiver Intimität bilden die Basis für Sarah Fellners fotografische Arbeit.

Den Sohn aus den Augen seiner Mutter sehen in der Zurückgezogenheit ihres Schlafgemachs, wie Freunde sich gelegentlich voreinander entkleiden, wie die Haut sich bei Berührung verformt und wie das Zuhause von Transpersonen aussieht – dies sind die Antworten, welche Sarah Fellners Fragestellungen dem Betrachter liefern. Dabei fördern sie einen gewillten oder unbewussten Voyeurismus, sie nähren einen angeborenen, jedoch manchmal tief vergrabenen Instinkt, welcher durch Sarah Fellners Arbeiten geweckt, den Betrachter auf sich selbst zurückwirft, zum Innehalten und zu einer tieferen Selbstanalyse auffordert.

Wer sind die auf den Fotos dargestellten Menschen, wie verläuft wohl ihr Leben? An einigen persönlichen Anhaltspunkten und Präferenzen lassen sich ihre Gewohnheiten und Vorlieben rekonstruieren. Man vergleicht sich – inwiefern lässt das Gesehene eine Identifizierung mit dem Dargestellten zu?

Sarah Fellners Gratwanderung zwischen den Welten, zwischen den Leben lässt ein spürbares Spannungsfeld im Betrachter zurück, sowie zahlreiche offene Fragen. Dabei ist genau dies die Absicht der Künstlerin:
„Ich möchte, dass meine Kunst mich erfüllt. Dass ich durch sie meine Gedanken durchbrechen und in eine andere Welt eintauchen kann. Jeder Mensch hat seine eigene Geschichte, fühlt und sieht die Welt subjektiv – dies möchte ich mit meiner Kunst sichtbar machen.“

www.sarahfellner.com

Bina Gabriele

Bunte abstrahierter Landschaft
Riesenrad und lieber Augustin vor Wien-Silhouette in bunter abstrahierter Landschaft
Regenbogen und Baum in bunter abstrahierter Landschaft
Portraitfoto Gabriele Bina mit Lederkappe

gabina.art@gmx.net

www.facebook.com/ga.bina.50

0680 218 79 73

Einer meiner Lebensmittelpunkte ist die Malerei, Wien der geografische seit meiner Geburt im Jahr 1956.

Die Ausbildung zur Textildesignerin ermöglichte es mir mich kreativ zu verwirklichen und im beruflichen Umfeld als Grafiker in einigen Großunternehmen umzusetzen.

Da Lebenswege oft verschlungen sind, folgten in späteren Jahren Ausbildungen zur diplomierten SeniorInnenfachkraft und zur Klangschalenergetikerin.

Gut ging sie, die erste Ausstellung im Jahre 1978. Viele weitere sollten folgen. Im Laufe der Zeit entwickelt sich mein GaBina-Stil,  welcher weder von Materialen, Techniken, noch Malstilen gebremst wird.  Dessen hervorragendste Eigenschaft die flexible, sinnliche Auseinandersetzung mit dem Motiv ist.

Meine Tätigkeit als Malerin und Grafikerin zieht sich wie der rote Faden durch mein Leben. Meine Bilder dringen ans Licht und werden sichtbar auf Papier, Holz und Leinwand.

Eigene Werke stelle ich seit 1978 in diversen Ausstellungen im In- und Ausland zur Schau.  Seit damals gehöre ich auch der „Berufsvereinigung der bildenden Künstler Österreichs“ an. Einige Werke befinden sich  in privatem und öffentlichem Besitz in Österreich, Deutschland, Luxemburg und China, andere sind auf Anfrage auch privat bei mir zu besichtigen.

Im Katalog „100 Jahre BV – 100 Jahre Kunst in Bewegung“ befindet sich eine Künstlerbiografie.

„Verbunden und doch frei, die Kinder meiner Seele, sind Gefühle, Gedanken, Ideen und ergeben ein Sehen, Fühlen, Lieben. Jedes zu seiner Zeit, sind sie für mich von Bedeutung und wachsen aus der Freude zu erschaffen und wieder loszulassen, um Momente festzuhalten.

Sie erzählen – höre zu! Vernimm die stummen Worte. Fühle die Gedanken und löse sie auf. Spüre, dann bist du eins mit Dir!“

„Die in Wien geborene Künstlerin bringt ihre Intuitionen sowohl in gegenständlichen Arbeiten als auch in abstrahierten Werken zum Ausdruck.

Das vielseitige Schaffen beeindruckt einerseits durch präzise Arbeiten, anderseits durch Spontanität und Farbenreichtum.

Im Jahr 1978 präsentierte die Grafikerin erstmals ihre Werke in der Öffentlichkeit. Seither erfolgten zahlreiche Ausstellungen in Österreich. Die Kreative hält vielfältige Motive fest und trifft bedeutsame Aussagen. Gabriele Binas Wirken ist dem jeweiligen Thema angepasst, sie verwendet Aquarell, Acryl, Pastellfarben, sowie Tusche, Bleistift, Filzstift und artfremde Materialien“ um die Kreativität auszuleben.

Die Tätigkeit als freischaffende Malerin und Grafikerin begleitet Gabriele Bina schon fast ihr ganzes Leben.

Ihre Gemälde kommen in ihrer gestischen Leichtigkeit und farblichen Impulsivität meistens ungemein frisch und kräftig daher. Gabriele Binas Werke werden durch eine sehr dynamische und ausdrucksstarke Farbgebung zu ihren ganz persönlichen Schöpfungen.“

Ein Artikel über die Künstlerin geschrieben von Katerina Teresidi:

Die Künstlerin Gabriele Bina

Das Schaffen aus Freude am Malen zur Entwicklung der Kreativität im Leben – die Farbe als Antriebskraft, Kunst als sinnstiftende Beschäftigung im Alltag. Für die Künstlerin Gabriele Bina, die schon seit Kindertagen malt, regt die künstlerische Tätigkeit fortwährend neue Gedankengänge an, erfüllt das Leben mit Spontanität und verhilft auch in krisengeschüttelten Zeiten zu neuer Gelassenheit.

Ihre Ausbildung zur Textildesignerin ermöglichte ihr eine kreative Verwirklichung im beruflichen Umfeld. Im Laufe der Zeit entwickelte sie ihren eigenen „GaBina-Stil“, welcher weder von Materialen, Techniken, noch Malstilen gebremst wird. Dessen hervorragendste Eigenschaft ist die flexible, sinnliche Auseinandersetzung mit dem Motiv. Ideen gab und gibt es mehr als genug und oft reicht der produktiven Kunstschaffenden die Zeit nicht um sie alle zu verwirklichen.

Unverkopft

„Verbunden und doch frei, die Kinder meiner Seele sind Gefühle, Gedanken, Ideen und ergeben ein Sehen, Fühlen, Lieben. Jedes zu seiner Zeit, sind sie für mich von Bedeutung und wachsen aus der Freude zu erschaffen und wieder loszulassen, um Momente festzuhalten. Sie erzählen – höre zu! Vernimm die stummen Worte. Fühle die Gedanken und löse sie auf. Spüre, dann bist du eins mit Dir!“, lautet die Philosophie der Künstlerin.

Ganz unkompliziert und frei ist die Künstlerin dabei in ihrer Themenauswahl – ihre Motive wählt sie je nach momentaner Inspiration, durch Zufälle, oder sie ergeben sich durch Vorgaben von zahlreichen Ausstellungen, an denen sie sich seit 1978 beteiligt.

Ihr vielseitiges Schaffen zeichnet sich mehrfach aus: präzises Arbeiten, Spontanität und impulsives Farbenreichtum finden sich in ihren kräftigen Gemälden. Dargestellt werden Gefühle, erlebte Augenblicke und Gedanken. Auf diese Weise werden Gabriele Binas Werke durch eine sehr dynamische und ausdrucksstarke Farbgebung zu ihren ganz persönlichen Schöpfungen.

www.facebook.com/ga.bina.50

Crackthefiresister

Biographie crackthefiresister Claudia Bettina Wadlegger

*11.10.1983 Bad Reichenhall (D)
1987 – 1995 klassisches Ballett
1990 Umzug nach Österreich
seit 1996 klassischer Gesang (Spitzerchor, Ing & Swing Ensemble)
1997 CD „Songs of Christmas from around the World“, Track 18 Adeste Fideles bei Blue Danube Radio Wien, Chorgesang
1998 – 2000 Auftritte bei Licht ins Dunkel – ORF, Sing & Swing Ensemble
2002 Matura (Maria Regina, Schwestern PIJ) seit 2002 Vorstandsmitglied im Absolventenverband Döbling
2009 DVD „Konzert von Sing & Swing und Sound & Music“, Sologesang Alt in der Peterskirche Wien
2009 – 2011 Blues- und Jazzgesangsunterricht bei Ursula Slawicek seit 2009 eigene Übersetzungen von Standards in den Wiener Dialekt
2011 – 2013 Extreme Vocals bei Daniel Scheibl, www.schoolofscream.at
seit 2011 Lesungen eigener Texte
seit 2013 selbständig als Gesangslehrerin tätig
seit 2013 Integration von Elementen der Klangschalenmassage nach Peter Hess in den Gesangsunterricht
seit 2014 Ausstellungen eigener Texte, die haptisch erlebbar sind
seit 2014 Mitglied des „Verein Kunstschaffen“
seit 2014 Videointerviews, Reviews, Gasthost in Radiosendungen
2015 2-wöchige Kunstreise New York (USA), Montreal (Kanada), Medellin (Kolumbien), Joshua Tree (USA) 2015 Jurymitglied Finale des Musikwettbewerbes „Metalchamp“
2016 Veröffentlichung im Ausstellungskatalog 5 Jahre Verein Kunstschaffen
2016 Buch „only words?“
2016 Film „only words?“ in Kooperation mit Florian Ebenberger
2016 Aufnahme in der IG Bildende Kunst und Literar Mechana
2016 Aufnahme Künstlerhaus Wien
2017 Aufnahme Bildrecht.at

Ein Artikel über die Künstlerin geschrieben von Katerina Teresidi:

Die Sprachkünstlerin

Piktogramme auf einem Shirt für die nonverbale Verständigung während eines lauten Rockkonzertes, haptische Bilder in Braille und Schwarzschrift in Plusterfarbe zum Betasten, Wortspiele, Gedichte und versteckte Sinnkombinationen, die sich je nach Blickwinkel des Betrachters ändern. crackthefiresister wirft in ihren diversen Präsentationsformaten, welche von Malerei und Schriftbildern mit Skulpturcharakter über Installationen zu Sound- und Leseperformances reichen, den Betrachter häufig auf sich selbst zurück durch ihre zahlreichen aufgeworfenen Fragen:
„Recht haben und Unrecht erkennen – wer entscheidet über richtig oder falsch? Wer entscheidet, andere Menschen oder du selbst? Wer befindet, welche Geschehnisse wichtig sind und bekommen diese alle auch eine Stimme in unserer Geschichtsschreibung?“

Das Verständnis ihrer Kunst fordert vom Betrachter die Bereitschaft, Fingerspitzengefühl aufzubringen, sich mit dem geschriebenen Wort, welches oft musikalische Verknüpfungen findet, mit allen Sinnen auseinander zu setzen, oft im längeren Gespräch oder durchs Zuhören, vielleicht auch durchs Interpretieren von Gedichten. In der Interaktion mit dem Hörer möchte die Sprachkünstlerin neue Erkenntnisse und gegenseitiges Verständnis fördern.
In ihrem 2016 erschienenen Buch fordert crackthefiresister den Leser auf, sich konzentriert und intuitiv zwischen Logik und Gefühl zu bewegen und die vorgestellten Präsentationsformen mit Sinninhalten zu füllen, welche oft zwischen den Kunstwerken aufgeteilt werden, wobei man sich auf Spurensuche begeben muss, um aus den rot markierten Buchstaben den Ausstellungstitel herauszulesen, welcher gleichzeitig die Grundlage für ein Musikstück bildet, nachzuhören auf Soundcloud.

Kunst als Kooperation

Nicht nur dass die Kunstwerke von crackthefiresister oft in Kooperationen mit anderen Künstlern, Komponistinnen und Musikern entstehen, auch ist sie von den vielfältigen Möglichkeiten der künstlerischen Ausdrucksweise an sich begeistert:
„Ich beschäftige mich nicht nur mit meiner eigenen Kunst, sondern mit Musik, Literatur, Tanz, Darstellender Kunst und Bildender Kunst, weil es mich freut, dass so viele Menschen sich in so unterschiedlichen Weisen ausdrücken. Menschen, die sich meist nicht kennen, lassen Andere an ihren Gefühlen teilhaben. Kunst ist für mich das beste Übersetzungsprogramm der eigenen Gefühle in einen Code, der von anderen Personen entziffert werden kann. “

Als Orientierung findet sich die vielseitige Künstlerin zahlreiche Anregungen für ihr Schaffen bei Vorbildern wie Hermann Hesse, den sie für seine Satzkonstruktionen bewundert, Terry Pratchett für seine humorvolle stimmige Zeichnung der Gesellschaft, William Shakespeare für seine Konstruktionen von Verstrickungen, Christian Morgenstern für seine Reime und zahlreiche mehr. Der weltoffene Blick von crackthefiresister fördert fortwährend das beständige Keimen neuer Ideen.

www.crackthefiresister.net

Brezina Miriam

Textildesign ist ein sehr altes und kunstvolles Handwerk.
Durch meine Arbeit möchte ich, speziell dem Bereich Textildruck, wieder zu mehr Aufmerksamkeit verhelfen und die Vielfältigkeit der Techniken, Muster und Materialien aufzeigen.
Jedes Stück ist handgefertigt und daher individuell und einzigartig.
Interessant ist dabei nicht nur der Entwurf eines Musters, oder die Herstellung des Stoffes, sondern auch die weitere Verarbeitung.
Accessoires, wie Schals, Hauben, Taschen, Kleidung, Interieur, Bilder und vieles mehr, sind das Ergebnis meiner Arbeit.

Miriam Brezina
0680 325 83 03
miprint@gmx.at
https://www.miprint.at/

Ein Artikel von Katerina Teresidi​ – www.teresidi.at

Frisch, nachhaltig, ästhetisch – Textildruck miprint

Miriam Brezina, die nach ihrer Ausbildung an der Modeschule Herbststraße und dem Textil & Surfacedesign Kolleg an der Spengergasse, ihren Bachelor of Arts im Textildruck an der University of Derby abgeschlossen hat, leitet seit 2015 ihr eigenes Textildruckunternehmen „miprint“.
An die Kunst tritt Miriam Brezina verspielt heran, denn diese erlaubt einen ungezwungenen Ausdruck der Gefühle, räumt viel Raum für Experimente ein mit nachhaltigen Farben, neuen Mustern und verschiedenartigen Stoffen. Der Fantasie sind dabei keine Grenzen gesetzt – so kann Miriam Brezina in ihrer Werkstatt auch individiuelle Unternehmenswünsche erfüllen – angefangen von bedruckter Kleidung bis hin zur Vollausstattung von Cafes und Restaurants mit einheitlichem Textildesign belibt sie stets für neue Ideen offen.


Dabei bedient sich die Künstlerin unterschiedlicher Verfahren – Siebdruck, Transferdruck und Stempeldruck, um einige zu erwähnen, welche auf verschiedensten Materialien umgesetzt werden.


Bei ihrer Arbeit behält Miriam Brezina den Fokus auf der Nachhaltingkeit und den Auswirkungen ihres Tuns auf die Umwelt – Themenbereiche, die ihr in Verbindung mit ihrer beruflichen Tätigkeit besonders am Herzen liegen und welche sie bestrebt ist, durch ihr eigenes Vorbild ins Bewusstsein der Menschen zu rücken. Dabei wird am ursprünglichen Kredo von miprint stets festgehalten:
„Kunst soll dem Erzeuger und dem Betrachter Spaß machen“

www.miprint.at

Bolzer Rosemarie

R o s e m a r i e  B O L Z E R

Rosemarie Bolzer, in Fischamend aufgewachsen, lebt                                
seit 1952 in Wien. Von früher Kindheit an widmete sie viel                          
Zeit dem Zeichnen und Malen nach der Natur und auch                              
abstrakt.  Autodidakt. Nach Beendigung ihrer                                   
Berufstätigkeit als Anwaltssekretärin und Geschäftsfrau
studierte sie Geschichte und Kunstgeschichte an der
Universität Wien und bildete sich auch in der                                             
Malerei (Aquarelle, Acryl- und Ölbilder) in Kursen und               
Seminaren (Künstlerische Volkshochschule und  
Privatlehrer) weiter.

         Zahlreiche Ausstellungen belegen ihre Aktivität:

            • „World Trade Center“,  Flughafen Schwechat, 
            • Volkshochschule „Am Leberberg“, Wien XI.,
            • „Schloss Neugebäude“, Wien XI.,
            • „1. 2. u.5. Amateurkunstmesse“ Wien – Rathaus, 
            • „Haus der Heimat“, Wien III.,
            • „Paradies“- Landschaften, Cafe-Restaurant Osteria Allora, Wien XX.,
            • „Harmonie & Kontrast“, Gartenbau-Museum, Wien XXII.,
            • „Donauwellen“, Wasserturm Favoriten, Wien X.,
            • „Mythisch – sagenhaft“, Schloss Wilhelminenberg, Wien XVI,
            • 3.Kunst & Kulturmesse Wien „international art view vienna 2014“, in den Blumengärten Hirschstetten, Wien XXII,
            • „Die Magie des Tanzes“, Tanzschule          R.E.Svabek, Wien I,
            • „Royal Opera Arcade“ – Gallery, London,
            • „Galerie BÖHNER“ in Mannheim,
            • „MARZIART“, Galerie in Hamburg,
            • „Stilgalerie“, Wien I.,
            • „ART-SALON“ – Galerie ARTOPIA“ Wien IV.,
            • „Kunst zu Recht im Dritten“, Justiz-Zentrum. Wien Mitte, Wien III.,
            • und viele andere …….

Ihre bevorzugte Motive sind Landschaften und Stimmungsbilder. Farben und Formen fließen ineinander und werden in verschiedenen Materialien ausgedrückt. Diese spezielle Technik ist in allen Bildern anzutreffen. Dies wird sowohl in gegenständlicher als auch in abstrakter und experimenteller Malerlei ausgedrückt. Inspiration und Motivation holt sie sich auf ihren Malreisen.

Mag. Rosemarie Bolzer
1110 Wien, Schemmerlstraße 22
Telefon: 0699/10 23 88 74
E-Mail:   www.rosemarie.bolzer@gmx.at
Facebook: www.facebook.com/rosemarie40
   Home-Page: www.galeriestudio38.at/ROSEMARIE

Ein Artikel von Katerina Teresidi

Sanfte Landschaften

Fasziniert von William Turner und Claude Monet arbeitet Rosemarie Bolzer an der Darstellung von Licht und Stimmung in ihren Gemälden. Motive der Landschaftsmalerei, Architektur und Natur finden in ihre Arbeiten Eingang, ebenso wie diverse Techniken von Aquarell, Acryl oder der Collage – diese wird beizeiten sogar mit Kaffeekapseln hergestellt. Die Farben werden meist direkt auf der Arbeitsfläche gemischt, was oft grelle Kontraste auf Spuren vorangehender Pinselstriche erzeugt. Auf der Leinwand ereignet sich ein experimentelles Spiel mit Farbe und Form. Strukturen durch verschiedene Viskositäten der Farbe werden von fließend bis pastos frei kombiniert. 2020 erreichte Rosemarie Bolzer den 3. Platz beim ART-Award 2020 zum Thema „FAKE“ mit ihrem Werk „Entscheidung“ bei der Berufsvereinigung der bildenden Künstler Österreichs, wo sie Mitglied ist.

Der seit dem Volksschulalter künstlerisch tätigen Rosemarie Bolzer bereitet es Vergnügen, dem Betrachter Freude beim Ansehen ihrer Arbeiten zu bereiten. Die Malerei und Gestaltung hilft der Künstlerin die notwendige Harmonie im eigenen Leben zu bewahren und das seelische Gleichgewicht herzustellen.

rosemarie9.webnode.at

Ben Hmida-Mairinger Verena

Verena Ben Hmida-Mairinger

geb. 1965 in Wien
Studium an der Akademie d. bild. Künste in Wien & Uni Wien
Schauspielausbildung, Lehramt
lebt und arbeitet als bildende Künstlerin und Autorin in Wien
vbhmairinger.com
v.bh-mairinger@aon.at

 

2012-2015: Entwicklung der Serie „welt.raum“:
Alles in Einem- Eines in Allem-
Mikrokosmos im Makrokosmos –  Makrokosmos im Mikrokosmos –
Mich beschäftigen die Zusammenhänge zwischen Lebewesen, Gegenständen und dem Raum, der Zeit und dem Weltall. Jeder kleinste Teil ist Teil des „ großen Ganzen“, – trägt somit die Information des großen Ganzen wiederum in sich –
Unterschiede und Widersprüchlichkeiten bedingen die Einheit und umgekehrt –
letztendlich ist alles miteinander verbunden-
So setze ich Menschen, Gegenstände, Ansichten mit dem Weltall in Beziehung – als Einladung zur Auseinandersetzung mit Räumen, Dimensionen und Sichtweisen in der Unendlichkeit der Möglichkeiten – – –
In der Bildgestaltung spielen Gegensätze wie Licht und Schatten, harte und weiche Konturen, ätherisch Schwebendes und feste Formen miteinander. Die Farbe Blau wird zum Symbol der Transzendenz.

Einzel,- und Gruppenausstellungen
Wie z.B : 2015: Bezirksmuseum Meidling * “Haus Wittgenstein“ * 2014: Wasserturm Favoriten * Brick – 5, 1150 Wien * Bergerhaus Gumpoldskirchen *2013: Galerie „Die Ausstellung“ * 2012: Einzel,-und Gruppenausstellung Kunstwerkstätte arteMix

Publikationen

Geschichten  und Texte:  Verena Ben Hmida – Mairinger in: Martina Friedl (Aktualisierung 2014): Funkelsteine 1 –  Lesebuch. Wien. 11.Auflage. Verlag E.DORNER. (S 72-73; S.79; S.84-85)
Verena Ben Hmida-Mairinger (2014): Leseförderung mit Rätselgeschichten. Wer, wie was war‘s? 3.-4. Schuljahr. Schweiz. 1.Auflage. SCHUBI Lernmedien AG. 64 S
Verena Ben Hmida-Mairinger (2015): Leseförderung mit Rätselgeschichten. Was ist wie, wo, wann passiert? 4.-6. Schuljahr. Schweiz. 1.Auflage. SCHUBI Lernmedien AG. 72

Werke: Acryl/ Mischtechnik auf Leinwand

Ein Artikel von Katerina Teresidi:

Zeiträume im Mikro- und Makrokosmos

In der Malerei mit einem Hang zum Surrealismus findet Verena Ben Hmida-Mairinger das perfekte Ausdrucksmittel für ihre philosophisch-verträumten und ironisch-kritischen Gedanken, Reflexionen und Vorstellungen. Dabei versucht sie ihre Mitmenschen einfühlsam zum Nachdenken zu bewegen, zum Lächeln oder zum Erinnern. Ihre Kunst ist für den Menschen, inspiriert vom Menschen, denn neben ausgelassenen Spaziergängen in der Natur, aus Büchern und durch Beobachtung anderer Maler, entnimmt die Künstlerin Ihre schöpferische Kraft und Inspiration vor allem den persönlichen Begegnungen und Gesprächen. Hätte sie einen Wunschabend frei, würde sie diesen am liebsten mit Albert Einstein oder Leonardo DaVinci verbringen um ein besseres Verständnis für deren Gedankenstrukturen zu entwickeln. Sie würde mit ihnen über die Zusammenhänge zwischen Lebewesen, Gegenständen und dem Raum, dem Zeitfluss im Weltall, sowie den kleinsten Teilen des großen Ganzen philosophieren, um diese anschließend eifrig in ihrer Essenz zu schwerelosen Kompositionen zusammenzuführen.
Die in Wien arbeitende Künstlerin Verena Ben Hmida-Mairinger manövriert gezielt zwischen Unterschieden und Widersprüchlichkeiten, während sie mühelos von individuellen Betrachtungen zu fantastischen Vorstellungswelten wechselt. Tiefe, in die Unendlichkeit greifende Raumdarstellungen sind in ihren Arbeiten ebenso oft zu finden wie die schlafenden Protagonisten, aus deren Träumen diese Welten entspringen.

Das Interesse zum Menschen

Das in Ihren Gemälden zutage tretende Interesse für ihre Mitmenschen, begleitet vom feinen Einfühlungsvermögen der Künstlerin, wird im Verlauf ihrer Ausbildung und anschließenden beruflichen Laufbahn abermals deutlich. Nach dem Studium der bildnerischen Erziehung an der Uni Wien und der Akademie der Bildenden Künste setzte sie ihre Ausbildung an der pädagogischen Akademie, sowie anschließend am Franz Schubert-Konservatorium für darstellende Kunst fort. Heute ist Verena Ben Hmida-Mairinger freie Mitarbeiterin beim Dorner Verlag, unterrichtet hochbegabte Kinder beim Oko-Lerninstitut und engagiert sich im Künstlerkollektiv arteMIX. 

https://vbhmairinger.com/

Becker-Aschauer Andrea

Andrea Becker-Aschauer ist WienerIn, sie lebt und arbeitet in Wien. Die ausgebildete Marketingfachfrau hatte immer schon Interesse und Freude an gestalterischen Aufgaben.

Auf ihrem künstlerischen Weg besuchte sie zahlreiche Seminare bei angesehen Dozenten in Österreich und Deutschland. Seit zehn Jahren setzt sie sich intensiv mit der Malerei auseinander. Schritt für Schritt erlernte sie eine Vielzahl von Techniken, die in ihren Bildern immer wieder zur Anwendung kommen.

Ihr Thema ist die abstrakte expressive Malerei in verschiedenen Techniken, die miteinander kombiniert werden. Eine hohe Experimentierfreudigkeit, Spontanität und pure Energie sind dabei Voraussetzung. Schicht für Schicht werden die Bilder angelegt und schaffen dadurch Tiefe, Raum und Dichte. Farben und Strukturen geben den Ton an, manchmal auch kombiniert mit verschiedensten Papiercollagen. Bei Malen erlebt man ein Wechselspiel zwischen intuitivem Handeln und analytischem Betrachten, zwischen Dynamik und Ruhe. Mittels Bildanalyse werden nach jedem Schritt auf der Leinwand spannungsreiche Kompositionen überlegt.

„Jedes Bild ist eine Reise und ein Abenteuer“ – sagt Andrea Becker-Aschauer.

Kontakt: www.becker-aschauer.at
Mobil: +43 6645053283

 

Ein Artikel über die Künstlerin geschrieben von Katerina Teresidi:

Kunst als Antriebskraft: „Mir gefällt es, wenn es immer weiter geht . . . und nicht aufhört“

Die Künstlerin Andrea Becker-Aschauer sucht stets nach dem Neuen in ihrer abstrakten expressiven Malerei, für deren Kreation sie auf verschiedene Techniken zurückgreift, die miteinander kombiniert werden. Eine hohe Experimentierfreudigkeit, Spontanität und pure Energie sind dabei Voraussetzung. Schicht für Schicht werden die Bilder angelegt und schaffen dadurch Tiefe, Raum und Dichte.
Farben, Formen und Strukturen geben den Ton an. Manchmal auch kombiniert mit verschiedensten Materialien, wie zB. Papier, Zeitungen, Sand aus aller Welt und Bitumen.
Inspirieren lässt sie sich unter Anderem von den Kunstschaffenden Martha Jungwirth, Michela Ghisetti, Gerhard Richter sowie Cy Twombly.

„Unmöglich“, sagte die Vernunft. „Versuch es!“, flüsterte der Traum

Ihrer Lebensphilosophie bleibt die Künstlerin treu, indem sie ihrer Experimentierfreudigkeit freien Lauf lässt und stets neue Techniken in ihren Kunstchaffensprozess integriert. Derzeit liegt ihr Interessensfokus beim Druck, den sie in ihre Bilder integrieren möchte, ebenso experimentiert sie mit MixedMedia und Collagen. Die menschliche Figur ist auch immer ein Thema, sowie Farbe, Farbklang und Komposition.

Die antreibende Kraft hinter ihrem künstlerischen Prozess ist die Spannung, Kunst zu entdecken, denn diese führt täglich zu neuen Ideen und Inspirationen. „Mir gefällt es, wenn es immer weiter geht . . . und nicht aufhört.“
Dabei ist insbesondere der Betrachter als aktives Element in das Kunstwerk mit eingebunden, denn um es mit Picassos Worten zu formulieren:

„Ein Bild hat nur Leben durch den, der es betrachtet.“

www.becker-aschauer.at

Bartok Ladi

Ladi Bartok

1956             geboren in Spittal a.d. Drau/Kärnten

1971-75         Höhere Bundeslehranstalt für Grafik-Design, Graz-Ortweinschule

1975-76         Meisterklasse: Höhere Graphische Lehranstalt, Wien-Leyserstraße

1977-87         Freiberuflicher Grafik-Designer

1987-98         Artdirector bei Werbeagentur Austria 3/TBWA

1999             Gründung studio bartok, Wien  www.bartok.at  

Arbeiten:       Grafik-Design / Illustrationen / Malerei / Porträts / Objekte

Aquarell, Airbrush, Tempera, Acryl, Papier, Holz, verschiedene ausrangierte Industriematerialien, überarbeitet mit Elementen aus Grafik und Illustration ist die Mischtechnik, die Ladi Bartok für die Gestaltung seiner Bilder und Objekte verwendet.

Die handwerkliche Bandbreite geht dabei von der klassischen Papier- und Bleistiftarbeitsweise bis hin zur elektronisch-digitalen Gestaltung und Ausführung.

Diverse Einzel- und Gemeinschaftsausstellungen im In- und Ausland.

Kontakt:

studio bartok, Neulinggasse 20, 1030 Wien

Tel: 01 / 714 83 67, office@bartok.at

www.bartok.at

Ein Artikel über den Künstler geschrieben von Katerina Teresidi:

Die Endphase des Holzes

Ladi Bartok bewegt sich künstlerisch auf dem schmalen Grat zwischen digitaler und analoger Bildhaftigkeit. Die Bildträger für seine Arbeiten bestehen aus selbstgeschöpftem Papier mit variablen Strukturen, welches der Künstler aus eigenem Büromaterial in Form von Pappmaché recyclet. Auf diese Weise setzt Ladi Bartok in seinen Arbeiten einen Akzent auf die Verbindung von traditioneller Papierschöpfungstechnik mit neuartigen Bildbearbeitungstechnologien.


Als Motive finden geschichtsträchtige Weltenbürger aus der Kunst- und Kulturszene, der Wissenschaft und Businessbranche in seine Bilder Eingang, welche er neben Portraits von Privatpersonen, sowie diversen Jubiläen und Events durch seine technischen Bildgebungsverfahren visualisiert. Für das Ministerium der Agrikultur im Jahr des Waldes hat Ladi Bartok eine Serie von „working class heroes“ erschaffen – es sind die Helden des Sozialistischen Realismus bei der Waldarbeit, die den Schwerpunkt der Aufmerksamkeitssetzung auf die Bedeutung des Waldes als wirtschafliches Produkt, sowie seine ökologische Gewichtung lenken.


In seinem Œuvre schöpft Ladi Bartok die volle Einsatzbandbreite des hölzernen Elementes in seiner Endform als Pappmaché aus: neben zeitgenössischen Motiven aus der Comic- und Mangaszene, stellt der Künstler Skulpturen wie Kriegshelme, uniformierte Helden, Schädeldecken, sowie abstrakte Plastiken her, oder verleiht Möbelstücken ein neuartiges Aussehen.

www.bartok.at

Barghoud Ibrahim

Persönliche Daten:
Geburtsjahr: 1969
Nationalität: Syrien
Status: verheiratet
1160 Wien

Tel: 0043 6889922911
ibrahim831969@gmail.com

Ausbildung:

  • 2000 „Mohammed Fathi Kabbaoh“ Akademie der feinen Künste, Aleppo/Syrien.
  • 2002 Institut für Innendesign „Privet Institute“, Aleppo/Syrien.
  • 2011 Kunstakademie, Aleppo/Syrien.

Lehrerfahrung:

  • 1997 – 2012 Lehrstuhl im Arabischen Kulturzentrum / Malerei & Kalligrafie, Aleppo/Syrien.
  • 2008 – 2012 Lehrstuhl an „Mohammed Fathi Kabbaoh“ Akademie der feinen Künste, Aleppo/Syrien.

Auftragsarbeiten:

  • 2010 Design und Ausführung der Restauration der ‚Alten Mauer’ der Altstadt von Damaskus/Syrien.
  • 2010 Mauergestaltung & Aufbau des Kindergartens im Kloster „Mar Takla“, Damaskus/Syrien.

Ausstellungen: (Gruppen- und Soloausst.)

  • 1997 Aleppo Frühjahrsausstellung, Galerie „Tshreen“, Aleppo/Syrien.
  • 1999 Aleppo Frühjahrsausstellung, Galerie „Tshreen“, Aleppo/Syrien.
  • 1999 Forum Syrischer Künstler, 100 Künstler aus Syrien, „Galerie Fine Artists“, Aleppo/Syrien.
  • 2005 Junge Kunst, Galerie des Kulturministeriums, Damaskus/Syrien.
  • 2006 Junge Kunst, Galerie des Kulturministeriums, Damaskus/Syrien.
  • 2006 Ausstellung der Modernen „Aleppo Hauptstadt der islamischen Kultur“, „Galerie Fine Artists“, Aleppo/Syrien.
  • 2007 Aleppo Frühjahrsausstellung, „Galerie Fine Artists“, Aleppo/Syrien.
  • 2007 Gemeinschaftsausstellung mit Ahmed Raed und Soliaman Hammoud, Aleppo/Syrien.
  • 2010 Ausstellung „Kleine Werke“, „Galerie Fine Artists“, Aleppo/Syrien.
  • 2010 Sonderausstellung im Syrischen Kulturzentrum, Madrid/Spanien.
  • 2011 Ausstellung „Kleine Werke“, „Galerie Fine Artists“, Aleppo/Syrien.
  • 2011 Aleppo Frühjahrsausstellung, „Galerie Fine Artists“, Aleppo/Syrien.
  • 2012 Aleppo Frühjahrsausstellung, „Galerie Fine Artists“, Aleppo/Syrien.
  • 1997 – 2012 Teilnahme an allen staatlichen Ausstellungen in Syrien (Kulturministerium, Journalistenverband, Lehrerverband).
  • 2015 Einzelausstellung im Peace Museum, Wien.
  • 2015 Gruppenausstellung, Rearte Gallery, Wien.
  • 2015 Einzelausstellung, Albert Schweitzer Haus, Wien.
  • 2015 Gruppenausstellung, Rearte Gallery, Wien.

Weiteres:

  • Mitglied der Künstlervereinigung der feinen Künste, Aleppo/Syrien.
  • Seine Werke sind zu finden in Syrien, Libanon, Italien, Frankreich, Spanien, Österreich.
  • Derzeit lebt der Künstler in Wien/Österreich.

Aba Gerhard

E-mail : gerhard.aba@gmail.com

 

Gerhard Aba

1954 in Wien geboren,absolvierte eine Ausbildung als Glas und Porzellanmaler, Keramiker und Vergolder. Aba war Photo-Assistent bei Prof. Narbutt-Lieven und 10 Jahre Photograph im Österreichischen Museum für Angewandte Kunst (MAK). Er war als Kriegfotograf in Rumänien und in den Ländern des ehemaligen Jugoslawiens, als Pressephotograph und lange Zeit beim österreichischen Magazin „Wiener“ tätig, aber stets blieb er der künstlerischen Fotografie verhaftet. Ein Schwerpunkt seiner Photoartworks ist dem Thema „MAKEL“ gewidmet. Seit Jahren hält er das „ANDERSSEIN“ ikonisiert mit der Kamera fest, um es in unsere „Perfektionswelt“ zu spiegeln.

Gerhard Aba wurde mit zahlreichen Preisen für seine Photoartworks ausgezeichnet und konnte seine Werke weltweit in renommierten Galerien und Museen wie dem Leopold- Museum Wien ausstellen und auf Kunstmessen zb. ART-Beijing , ART-AUSTRIA und der BERLINER LISTE zeigen.

 

ZU SEINEN AUSSTELLUNGEN UND PROJEKTEN

Seit 1980 zahlreiche Ausstellungen im  In. und Ausland

1983 –  Beteiligung an der „ FOTOGRAFIE ´83 „

1998 –  Fetisch-Magie – des- Objekte ORF Treffpunkt Kultur

2001 –  PHOTOGRAPHIE – in Österreich

2002 –  Gründung der „ METAMORPHOSIS – GALLERY „

2005 – Filmprojekt zum Thema „Vom Charme des Makels“

2006 – „ KÖRPER, GESICHT & SEELE “ LEOPOLD-MUSEUM

2006 –  ORF 6.8.2006 die Dokumentation  „VOM CHARME DES MAKELS“

2007 –  Teilnahme  an der  „ART-BEIJING“   China

2007-   Teilnahme an der „ART-DAEGU“ Süd-Korea

2008 –   Ausstellung im „NARRENTURM“ Pathologisches Museum Wien

2008 –   Buch Präsentation „LOCKRUF DER ASYMMETRIE“ im LEOPOLD MUSEUM

2009    ART-AUSTRIA- vienna

2010 – Photoausstelung im „VILLON“

2010 – Film präsentation im LEOPOLD-MUSEUM

2010 – eyes on /  Monat der Photographie  „MAKEL LOS“2011  art-com gallery

2011 – „Gemischter Satz“ im Xi

2011 – Berlin „DAS ANTLITZ DES MENSCHEN“ AKG Gallery Berlin

2011 – Retz „ MECHANIK“ Gallery part of art

2011 – Berlin „GERHARD ABA & THOMAS NEMEC in BERLIN“

2011–Ausstellung „DRUCKFRISCH“ Werkstatt Künstlerische Lithographie BERLIN

2012 – Gallery ART – COM

                                                      usw.

Ein Artikel über den Künstler geschrieben von Katerina Teresidi:

Faszination der Asymmetrie

Gerhard Aba sieht nicht nur dorthin, wo andere den Blick abzuwenden suchen, der Kunstphotograph hebt das Ungewohnte und Ungesehene durch seine Arbeiten ins Mittelfeld der Aufmerksamkeit.
Der Träger der Ehrenmedaille für Wissenschaft und Kunst der österreichischen Albert Schweitzer-Gesellschaft, ehemaliger Presse- und Kriegsphotograph in Rumänien und im ehemaligen Jugoslawien, gelernter Porzellanmaler und jahrelanger Photograph im Österreischischen Museum für Angewandte Kunst (MAK) fand seinen Kulminationspunkt in der künstlerischen Auseinandersetzung mit der Asymmetrie des menschlichen – insbesondere des weiblichen Körpers.

In seinen Arbeiten finden sich Frauen mit amputierten Gliedmaßen, manchmal verfremdet durch die Inszenierung bis hin zur Verwandlung in Statuen durch Verschmelzung mit den ihre Körper erweiternden Gegenständen. Andere Modelle überraschen durch ihre intime Nähe und Offenheit dem Betrachter gegenüber, welcher durch die unerwartete Offenbarung innerlich auf die Fragestellung nach diversen Arten der Ästhetik gestoßen wird.
Lange von ihm selbst nicht ins Licht gerückt, entstanden in einem Zeitraum von über zwei Jahrzehnten zahlreiche Fotos aus Shootings mit asymmetrischen Modellen. Ein markanter Schwerpunkt seiner photographischen Arbeit ist dem Themenbereich Fetischismus und Erotik gewidmet. Gerhard Aba möchte sein Schönheitsempfinden der besonderen Art mit all jenen teilen, die bereit sind, sich auf die Auseinandersetzung mit seiner Sicht des Andersseins einzulassen.

Vertrauen als Basis der Erkenntnis

In seiner Arbeit konzentriert sich der Künstler nicht vordergründig auf die Abbildung des Sichtbaren. Hinter jeder Photographie steht eine persönliche Geschichte, eine individuelle Beziehung zum Modell, denn für das Gelingen des Werkes ist das zwischenmenschliche Vertrauen essenziell. Dieses Vertrauen spiegelt sich im authentischen und selbstbewussten Auftritt der Modelle in den Charakterphotographien des Künstlers wieder, in denen die Frauen sich mutig in ihrer Verletzlichkeit zeigen.

In seiner Fetisch-Photographie hingegen, die lange Zeit zu den Tabuthemen menschlicher Sexualität gehörten, zeigt sich deutlich mehr Distanz. Hier werden die Körper durch exotische Attribute verfremdet, eine aufwändige Kulisse wird konstruiert, um den Eindruck einer Parallelrealität zu erwecken, in welcher Gegenstände zum Leben erwachen, Masken zu sprechen beginnen und Körper zu Gegenständen transformiert werden – die Grenze zum Surrealen wird ausgetestet, wo der dunkle Eros seine Stränge zieht.

www.aba.rot.at/

Zenz Waltraud

  • Geboren in Wien
  • Mitwirkung bei der Künstlergruppe „Wissenschaftliche Sensation“ und „Monoton“ als Gitarristin, Performerin
  • Theater-, Performance- und Musikinszenierungen
  • Ausstellung: Stoffart
  • Gründung: Modedesign- und Nähatelier
  • Mitwirkung bei U4-Modeschauen
  • Werkstatt und Atelier für Textilgestaltung und Tapezierung
  • Freitag der 13. Intervention: “Schwarze Katze“
  • Gründungsbeteiligung: Gruppe BMW
  • Ausstellung: Kultur unter der Brücke 
  • Ausstellung: „Granatapfel“/Kärnten
  • Teilnahme an der performativen Intervention: „Sind  Sie ein barocker Mensch?“ / Karlsplatz
  • Gruppe BMW/Ausstellung: „Armut“ Schloss Porcia/Kärnten
  • Ausstellungsbeteiligung/Galerie am Bacherplatz
  • Gemeinschaftsausstellung „The end?…is just the beginning“ mit Michael Lebek
  • Ausstellungsbeteiligung „Venus was her name“- Kate Just/Krems
  • Gemeinschaftsausstellung „Strandgut“ mit Ulli Gaiswinkler
  • Landartprojekte : „Daina“
  • Laufende Projekte:  Dainas, Erdamulette, Fading Textiles

Wimmer Heidi

KURZBIOGRAPHIE

Heidelinde Wimmer 1967 geboren in Steyr OÖ, Studium der Psychologie in Wien. Auseinandersetzung mit dem Grundwerk C.G. Jung und Traumdeutung.

2007 Beginn der eigenen künstlerischen Arbeit.

Ölbilder im abstrakt figurativen Bereich werden geschaffen, bei denen sich die Atmosphäre unbewussten Lebens zeigt.

Das psychische Leben wird gestaltet in Form von traumhaften Ahnungsvermögen.

Wichtig ist die Schönheit der Farben und Formen.

Einzel- und Gruppenausstellungen in Wien.

Ein Artikel über die Künstlerin geschrieben von Katerina Teresidi:

Die Farbe findet selbstständig ihren Weg

Die 1967 in Steyr in Oberösterreich geborene Heidelinde Wimmer erarbeitet abstrakt-figurative Ölgemälde. Beim Malen lässt sie sich von ihren Gefühlen leiten, wobei restriktive Gedankengänge und andere Kontrollinstanzen vermieden werden. Der Farbauftrag erfolgt direkt aus Tuben, unmittelbar mit den Fingern, durch Pinsel, Schwämme und andere Hilfsmittel, die sich griffbereit vorfinden. Die Künstlerin lässt sich ganz auf das Spiel mit den Farben und Formen ein und lässt diese wie von selbst ihren Platz auf den Gemälden finden, wobei der ästhetische Reiz des Unfertigen eine beachtliche Rolle im Arbeitsprozess spielt.

Dieser Zugang zur Kunst lässt unbewussten Inhalten Platz sich während des Arbeitsprozesses in leuchtenden Ölfarben zu materialisieren:

„Ich beschloss dem geisterhaften Geheimnisvollen einen Raum zu geben. Erst nach einer Art ‚Aufwärmphase‘ kann ich erkennen was ich da überhaupt mache. Angst vor Änderungen oder das Bild zu zerstören gibt es nicht, weil das Gemälde sein Eigenleben hat.“

Traumwelt, Kunst und Theater

Der philosophisch-mystische Zugang, angeregt von Carl Gustav Jungs Lehren vom Unbewussten inspiriert Heidi Wimmer zur fortwährenden Suche nach ihrer eigenen Handschrift, Ausdrucksweise und dem Eintauchen in die eigenen unbekannten psychischen Tiefen. Durch die künstlerische Verarbeitung psychischer Inhalte hat sie erkannt, dass die Wirklichkeit des Lebens immer wieder neue Formen annehmen kann. Das spannende an Kunstwerken ist, dass sie Einblicke in verborgene individuelle Welten gewähren.

Neben ihrer Arbeit als „typische Vorstadtkünstlerin“, wie sie sich selbst beschreibt, erobert Heidi Wimmer zur Abwechslung auch andere kulturelle Sphären. Wiederholt tritt sie als Burlesque-Tänzerin im Atelier-Theater auf, ist schriftstellerisch tätig und trägt selbstverfasste Texte in den Wiener Untergrundlokalen vor.

Wasserszene in Venedig

Willmaser Heike

Wasserszene in Venedig
Bunter Hahn in der Sonne
Hausfassade Freundgasse
Hausdächer vor toskanischer Landschaft
Blick auf die Stadt
Künstlerin auf Wiese mit einem ihrer Bilder

Heike Willmasers bildnerischer Gedanke ist es zu malen, was sie malen möchte, ohne sich an konventionelle Richtlinien zu halten. Kubismus mit Mysthik, Abstraktionsdrang mit Zügelung, Surrealismus und seinen Ursprung zur Bildwelt der Kinder, Witz und Narretei.
All dies findet sich in ihren Werken.

Das Repertoire ihrer Malerei ist breit gefächert und schwer einzuordnen.
Hinschauen, sich in das Gesehene fallen lassen, aufsaugen, was da Gestalt angenommen hat, sich dieser zärtlichen Expression nähern, das Kunstwollen in das Eigene Wesen annehmen, das ist der Schlüssel zum Verständnis der Werke von Heike Willmaser.

Geboren am 09. April 1963 in Gera / Thüringen, wuchs sie in einer Künstlerfamilie auf.
1981 Ausreise in die BRD, erlernte das Gewerbe der Siebdruckerei und Graphik.
Weitere Ausbildung in München und Passau.
Seit 1989 freischaffende Künstlerin. Wohnt und arbeitet hauptsächlich in Wien, sonst ist sie „inkognito“
irgendwo auf der Suche nach Inspiration.

Im Jahr 2000 gestaltete Heike Willmaser ihren „Astrologiepfad“, der als dritter Teilabschnitt des „Walk of Art“ (Idee – Friedensreich Hundertwasser) die optische Verbindung vom Hundertwasser-Haus zum Kunst-Haus-Wien bildet.

Ein weiteres Betätigungsfeld fand Heike Willmaser als Autorin für Kindermärchen und Illustratorin ihrer eigenen Märchen/Erzählungen.
Ergänzend zu diesen Märchenthemen betätigte sie sich auch selbst als Puppenspielerin und kreierte spielbare sowie ungewöhnliche Marionettenpuppen.

Seit 1999 Mitglied des Kunstverbandes „Art-Forum“ Graz.
Seit Mai 2005 Mitglied des österreichisch-rumänischen Kulturinstitutes.
Bei zahlreichen Ausstellungen im In- und Ausland präsentiert sie
erfolgreich ihre unverkennbaren und tiefsinnigen Werke.
2005 wurden drei Bilder für Sammlerbriefmarken von der Post gedruckt und aufgelegt.

Ein Artikel über die Künstlerin geschrieben von Katerina Teresidi:

Mut zum Spielen

Hineingeboren in eine Künstlerfamilie 1963 im ostdeutschen Gera/Thüringen, in welcher der Vater Maler und die Mutter Puppenspielerin war, waren die Voraussetzungen perfekt um eine stabile Beziehung zur inneren kindlichen Künstlerin bis ins Erwachsenenalter hinein zu kultivieren. In den Arbeiten Heike Willmasers ist die ursprüngliche Lust am Gestalten spürbar, welche sich im detailverliebten Spiel mit Formen und Oberflächen, dem schuldlosen Aufbrechen von Perspektiven und leuchtenden Acryllasuren äußert.
Durch ihre intuitive Formsplitterung fügt die Künstlerin klassischen naturverbundenen Wald- und Stadtlandschaften den zeitgenössischen Aspekt eines suchenden, zweifelnden und zusammensetzenden Verstandes hinzu – eine beständige Sehnsucht nach Ganzheit und Harmonie wird offenbar. Die Freude an der Kunstherstellung überträgt sich im Endergebnis auf die Betrachter. Dies macht Heike Willmasers Arbeiten zu gelungenen Beiträgen zum Fortbestand der Schönheit, die dem eintönigen Alltag eine bewusste Wahrnehmung entgegensetzt. Als Beiklang stellt sich manchmal die wehmütige Erinnerung an traditionelle ländliche Lebensweisen ein, welche für manche Stadtbewohner wie die Erzählung einer weit entfernten fremden Welt anmuten mag.
Die zweifelsfreie stilistische Wiedererkennbarkeit von Heike Willmasers Arbeiten, sowie das rege Ausstellungsgeschehen der Künstlerin zeichnen ihre Präsenz im kulturellen Sektor aus.

www.willmaser.at/

Wageneder Hannah-Antonia

Geboren in Ried im Innkreis – Oberösterreich,  lebe und arbeite in Wien.

 

Das Zeichnen, Malen und die Musik sind meine Wegbegleiter seit früher  Kindheit.

In der Malerei  sowie in der Musik geht es um Äußerungen und Manifestationen der menschlichen Seele.

Künstlerisches Schaffen ist für mich ein Akt  absoluter Konzentration –  im Hier und Jetzt,   mit dem Fluss des Lebens eins  sein.

Das Spiel mit den Farben ist mir von Bedeutung, Flächen und Räume entstehen, manchmal ziehen Linien Grenzen.

Das Werk entsteht während des Arbeitsprozesses- es entwickelt sich aus  sich selbst, 

geprägt von Emotion, Intuition und  Spontanität.

 

Meine Bildkompositionen spiegeln die Polarität meines  Wesens wieder:

leidenschaftlich , lebensfroh, voller Neugier – 

Sensibel,  nachdenklich und  suchend.

 

Während meiner Studienzeit  erweiterte ich meine Fähigkeiten und Techniken in Fortbildungsseminaren bei namhaften Künstlern  in den Bereichen: Ölmalerei, Graphik, Pastell, Aquarell,  Aktzeichnen und Acrylmalerei.

Seit 2008 leite ich  Workshops  in der humanisierten Arbeitsstätte  Unikat in der Josefstadt, 1080 Wien.

 

MALEREI UND MUSIK SIND FÜR MICH GRENZENLOSER

AUSDRUCK VON LEIDENSCHAFT, LUST  UND LEBENSFREUDE

Ein Artikel über die Künstlerin geschrieben von Katerina Teresidi:

Kunst als grenzenloser Ausdruck von Leidenschaft, Lust und Lebensfreude

Für die aus Oberösterreich stammende und in Wien arbeitende Künstlerin Hannah Antonia Wageneder sind Malerei und Musik seit der frühen Kindheit an ihre ständigen Begleiter – diese nimmt sie als Äußerungen und Manifestationen der menschlichen Seele wahr. Geprägt von Emotion, Intuition und Spontanität entsteht ein Werk aus sich selbst heraus im Prozess intensiver Konzentration auf das Hier und Jetzt, auf den Fluss des Lebens mit seiner immanenten Schöpfung. Die dabei entstehenden Bildkompositionen spiegeln das Wesen der Künstlerin wieder: leidenschaftlich, lebensfroh und in einer neugierigen und nachdenklichen Suche begriffen. Anregungen für ihre Schöpfungen holt sich Hannah Antonia Wageneder sowohl aus der Natur, deren Erscheinungsformen sie bis zur Abstraktion führt, als auch im Zuge der Beobachtung des menschlichen Körpers, welchen sie in gefühlvoller Bewegung in ihren Arbeiten konserviert.

Während ihrer Studienzeit erweiterte Hannah Antonia Wageneder ihre Techniken in den Bereichen Ölmalerei, Graphik, Pastell, Aquarell, Aktzeichnen und Acrylmalerei. Seit 2008 leitet sie Workshops in der humanisierten Arbeitsstätte „Unikat“ in der Josefstadt, 1080 Wien.

Blonde Frau mit Fisch und Schuhen

Wachira Ezigbo Jacob

Blonde Frau mit Fisch und Schuhen
schwarze Frau mit Tisch und Weinglas, Formeln im Bild
Violinspielerin in gelb-rosa-schwarz

Werdegang

Am 19. Oktober 1975 in Nairobi, Kenia, im Stadtteil Mathare, geboren.
Mathare ist ein Slum im Herzen der Großstadt mit über 200.000 Bewohnern. Hier verbringt er seine Kindheit und Jugend. Und malt.

Im Pass steht: Wachira Jacob Njoroge

Später nimmt Jacob den Namen „Ezigbo“ (das bedeutet „der Gute“) an. Diesen Beinamen erhält er von einem Freund aus der Gemeinschaft der Igbo-Nigerianer aus Dankbarkeit für seine Kunstarbeit mit den Kindern (Die Igbo sind eine afrikanische Ethnie von über 30 Mio. in Nigeria, die vor allem im von Savanne unterbrochenen Regenwald östlich des Niger-Unterlaufs lebt).

Seither unterzeichnet er all seine Werke mit: Jacob W. Ezigbo

Zeit seines Lebens beschäftigt sich Jacob mit „Zeichnen, Malen und später auch Fotografieren“. Seine Lieblingsthemen verewigt er anfangs in Form von bunten Graffitis an den Wänden der Slumhütten von Mathare. Nach Abschluss der Grundschulen (primary and secondary school) studierte Ezigbo Grafik & Design an der polytechnischen Fachhochschule in Nairobi.

Der Rausschmiss aus der Kunstklasse

Aber Jacob, das Kind aus dem Slum, kann sich Pinsel und Farbe nicht leisten und muss diese immer wieder bei anderen Studenten und Professoren ausborgen. Trotz seiner Begabung wird er nicht gefördert, sondern in der zweiten Klasse sogar aus dem Kunstunterricht der Jambhuri High School rausgeworfen – weil er die Farben nicht bezahlen kann.

Vom Hobby zur künstlerischen Perfektion

Eines Tages zahlt ihm ein Freund ein paar Shilling für eine kunstvoll bemalte Valentinskarte für seine Freundin. Jacob ergreift die Gelegenheit und verwendete den Rest des Papiers, um weitere Karten für junge Liebende zu bemalen. Er erkennt, dass er seine Malkunst auch zu Hause fortsetzen kann.

Heute verkaufen sich seine Bilder um bis zu 400.000,- KES (rund EUR 4.000,-).

1998 fasst er den Entschluss, hauptberuflich Künstler zu werden. Er tritt dem Verein Kuona bei. Hier wird eine gute Infrastruktur geboten: z.B. eine Bibliothek, bestückt mit Kunstbüchern aus aller Welt, drahtloser Internetzugang für die privilegierten mit Laptop, aber auch einige PC-Arbeitsplätze, Drucker, Scanner und Beamer.

2002 gewinnt Ezigbo den „The Best Artist Award“ in Kenia unter der Ruth-Hunt-Wood-Stiftung. Dadurch erhält er 2006 die Chance, ein Semester in den USA an der University of Kentucky und dem Somerset Community College zu studieren und zu unterrichten. Ezigbos Studienaufenthalt in den USA bringt ihm künstlerisch die Reifung und auch den kommerziellen Durchbruch. Er findet Unterstützung für seine Entwicklung als Künstler durch die Interaktionen mit amerikanischen Künstlern und den Kunstprofessoren der beiden Institutionen. Nach zahlreichen Gruppenausstellungen richtet er Einzelausstellung in der „John Tuska Gallery“ in Lexington, Kentucky aus.

www.instagram.com/jacob_wachira_ezigbo/

 

Ein Artikel über Jacob Wachira Ezigbo geschrieben von Katerina Teresidi:

Jacob Wachira Ezigbo kam 1975 in Mathare, einem Stadtteil von Nairobi in Kenia zur Welt, wo er seine Jugend mit Zeichnen und Malen verbrachte, was nicht leicht war, denn Stifte und Farben sind im Slum selten und kaum leistbar. Aus dem Kunstunterricht in der Jambhuri High School wurde er sogar rausgeschmissen als er sich die Malunterlagen von den Mitschülern und seinem Professor ausborgen wollte.

Heute kehrt er regelmäßig in seinen Heimatort zurück. Mit Stiften und Malunterlagen im Gepäck lässt er den Kindern im Slum jenen Kunstunterricht zuteil kommen, dessen Besuch ihm selbst einst so viel Mühe gekostet hatte. Eine gemeinsame Mahlzeit unterstützt dabei die positive Impulssetzung der kreativen Arbeit. Dank seinem Einsatz für die Kinder wurde ihm von einem Freund aus der Gemeinschaft der Igbo-Nigerianer der Beiname „Ezigbo“ verliehen, welchen er fortan in seinen Namen integriert – übersetzt heißt er „der Gute“.

Das Besondere in der eigenen Umgebung erkennen

„I grew up in a slum in the city of Nairobi, so seeing beauty in an environment that everyone else calls a wasteland, is a gift I appreciate.“

In seiner unmittelbaren Umgebung das Schöne zu sehen ist seine Gabe als Künstler, selbst wenn alle anderen nichts als Ödland darin erblicken – dieses Talent hat Jacob Wachira Ezigbo zur professionellen künstlerischen Laufbahn verholfen.
Nach seinem Abschluss der Grundschulen (primary and secondary school) studierte Ezigbo Grafik & Design an der polytechnischen Fachhochschule in Nairobi. 2002 gewann er den „The Best Artist Award“ in Kenia unter der Ruth-Hunt-Wood-Stiftung. Dadurch erhielt er 2006 die Chance, ein Semester in den USA an der University of Kentucky und dem Somerset Community College zu studieren und zu unterrichten. Ezigbos Studienaufenthalt und der rege Austausch mit Mitstudierenden und Professoren in den USA brachte ihm künstlerisch die Reifung und später auch den kommerziellen Durchbruch.
Neben der Malerei entdeckte Ezigbo in seiner späteren Entwicklung für seine künstlerische Arbeit die Medien Fotografie und Film, denen er sich während seiner Aufenthalte in Kenia bedient, um seine Heimat mit ihrer Geschichte zu thematisieren.
Zurzeit lebt und arbeitet er mit seiner Familie in den USA.

Homepage: https://soundcloud.com/jacob-wachira-ezigbo

Vamusic Ilse

„In meiner Künstlernatur und in meinem Schaffen lege ich mich darauf fest, mich nicht festzulegen.“

Erst nach den Berufsjahren entdeckte sie ihre Liebe zu
Farbe, Pinsel und Leinwand. Als Künstlerin ist sie Autodidakt
und hat das Malen zu ihrer Leidenschaft gemacht.

Seit 2009 besucht Sie bei namhaften österreichischen, deutschen und schweizer Künstlern
Kurse, Workshops und Fortbildungen, hauptsächlich in der Kunstfabrik Wien, in der Akademie
Geras, Kreativ Sommer Mannersdorf u.a., wo sie interessante Einblicke in die Vielfalt
der verschiedenen Maltechniken, Farben und Materialien erhält.
Ilse Vamusic bevorzugt die abstrakte Acrylmalerei, wobei sie einige Schichten von Farben
übereinander legt und mit Spachtelmasse, Sand, Naturmaterialien u.v.m. experimentiert.
Flächen, Materialien, Farben und Linien harmonisieren auf geheimnisvolle Art und Weise,
lassen Ruhe und Kraft entstehen und schenken einen kurzen Moment des „Nicht-Denkens“
und des Vergessens von Zeit und Raum.
Sie malt ihre Bilder nicht im Bewusstsein vorher zu wissen, was nachher sein wird und
möchte sich daher in ihrer künstlerischen Arbeit keine Festlegung gestatten, da es sich um
einen kreativen Prozess handelt der sich teilweise selbst steuert.
Ihre Bilder sind ohne Titel, dem Betrachter bleibt es also überlassen, zu sehen was er sehen
und erkennen möchte. Sie lebt und malt in Mauerbach bei Wien.

Ausstellungen
Ordination Dr. Theodor Kraus, 1150 Wien
Medizinzentrum medicus, 1230 Wien
Steuerberatungskanzlei Mag. Walther Wawronek, 1060 Wien
Rechtsanwaltskanzlei Dr. Gruber & Partner, 1010 Wien
Imadec University, 1130 Wien
Kartausencafe, 3001 Mauerbach
Bilderfabrik Plank, 3001 Mauerbach
Vertrend Media Production, 1140 Wien

Ilse Vamusic | Mobil +43 664 6493186 | www.acryl-kunst.at | kontakt@acryl-kunst.at

Ein Artikel über die Künstlerin geschrieben von Katerina Teresidi:

Experimentelle Acrylmalerei

Geboren in Wien mit familiären Wurzeln im steirischen Weiz, entdeckte Ilse Vamusic nach ihrer beruflichen Laufbahn die Liebe zu Farbe, Pinsel und Leinwand. Seitdem besucht die Künstlerin seit vielen Jahren Kurse, Workshops und Fortbildungsseminare und nimmt regelmäßig an Ausstellungen teil.

Fasziniert vom breiten Spektrum der Malerei, inspiriert durch natürliche Gegebenheiten und Eindrücke, lässt Ilse Vamusic ihren Gefühlen bei der Arbeit freien Lauf. Ihre Handschrift zeigt sich in der Abstraktion. Nichts steht von vornherein fest, der Arbeitsprozess wird von Spontanität, Emotionen, Intuition und Stimmung bestimmt, damit die geballte kreative Energie Schicht für Schicht auf die Leinwand gebracht werden kann.

Inspiration für den Betrachter

Mit ihren mehrschichtig kreierten Formen durch Höhen und Tiefen, durchs Abtragen und Verdichten der verschiedenen Malschichten in einem Dialog zwischen Schwung und Farbe arbeitet Ilse Vamusic der Inspiration des Betrachters entgegen, den sie dazu animieren möchte selbst zu Farbe und Pinsel zu greifen.

Ilse Vamusic gibt ihren Bildern keine Titel, sie sollen vielmehr die Fantasie anregen und zu einer individuellen Interpretation und Kommunikation anleiten.

www.acryl-kunst.at/

Unger Regina

„Ich empfinde es als ein Glück, malen zu dürfen.“

Geboren im Jahre 1960, wohnhaft im schönen Marchfeld, verheiratet, zwei erwachsene Kinder.

Die Begeisterung für das Malen und die Beschäftigung mit Farben,  hat mich schon  in der  Kindheit  erfasst. Ich  habe mich in meinem Leben  bereits mit sehr vielen Techniken auseinandergesetzt, kontinuierlich weiterentwickelt und vertieft. Fast tägliche Hingabe der Kunst,  es wird Neues studiert und ausprobiert.

Durch das Experimentieren mit Farben, Materialien und verschiedenen Techniken,  entstehen dynamische Bilder in vielen Farbnuancen, in realistischer und abstrakter Malerei, die  je nach Stimmung, mit Pinsel oder Spachtel, in Acryl-, Öl-, Pastell-,  oder mit Aquarellfarben gemalt werden. Gerne lasse ich mich vom Facettenreichtum der Natur inspirieren.

Fließende Farben oder die impulsive Kraft des Pinselstriches – beides hat ihren eigenen Reiz.

Farben wirken auf unsere Seele und Sinne, sie beeinflussen unsere Gefühle.

Meine Bilder sollen Freude vermitteln und für den Betrachter eine Energiequelle sein.

Mein Motto: „Kunst entsteht im Auge des Betrachters……“ [Picasso]

Rege Ausstellungstätigkeit zu verschiedenen Anlässen

Kontakt:

www.unger-art.at

Ein Artikel von Katerina Teresidi:

Farbe als Energiequelle

Die in Franzensdorf im Marchfeld lebende Künstlerin Regina Unger verspürte bereits in ihrer Kindheit eine besondere Anziehung zur Farbe. Erstmals von den Eltern an die Schönheit des Marchfeldes herangeführt, blieb die Faszination für Farbe, inspiriert von natürlichen Eindrücken und weitergeführt in die Abstraktion in den Arbeiten der Künstlerin bis heute erhalten. In Abwechslung sanfter Pastelltöne mit leuchtenden Farbexplosionen, kamen mit der Zeit und Übung auch Strukturen hinzu. Diese verbindet Regina Unger gerne mit der in der Natur allerorts vorkommenden goldenen Spirale, welche für sie die Harmonie des Lebens und des menschlichen Bewusstseins im Zusammenklang mit den Gesetzen der Natur symbolisiert.

In Ihrem Atelier im Marchfeld arbeitet die Künstlerin parallel an realistischen und abstrakten Gemälden. Dabei bedient sie sich diverser Techniken: Öl, Acryl, Pastell, Aquarell und diverse Mischtechniken finden in ihre Kreationen Eingang. Seit 2014 partizipiert Regina Unger regelmäßig an verschiedenen Ausstellungen in Kulturschlössern, Kunstmeilen, Benefizveranstaltungen, Märkten und Galerien im In- und Ausland.

www.unger-art.at/

Taus Margit

Nach der Matura mit Schwerpunkt Zeichnen, studierte ich seit 1976 an der Kunstakademie bei Prof. Hessing, und nach dessen Abgang diplomierte ich 1982 bei Friedensreich Hundertwasser.
In den folgenden Jahren pendelte ich zwischen Wien und Florenz, wo ich ein Weinlokal mit Freunden führte.
Seit 1986 kombiniere ich meine künstlerische Tätigkeit mit einer Teilzeit-Lehrverpflichtung als Zeichenlehrerin an der Berufsschule für Friseure.
In den 1980er Jahren war ich Mitglied der Künstlervereinigung CULT. Wir stellten gemeinsam in Österreich, Ungarn, Spanien und den USA aus.
In den letzten drei Jahrzehnten arbeitete ich in Ateliers im Burgenland, in Wien und im Mühlviertel. Dort entstanden Zeichnungen, Malereien in Acryl, Skulpturen in Holz, Stein und Ton – immer beeinflusst von den regionalen Besonderheiten und Stimmungen.
Seit 2008 arbeite ich hauptsächlich an großformatigen Acrylbildern in meinem Atelier in Wien.

Ein Artikel über die Künstlerin von Katerina Teresidi:

Exotische Traumzeit

Auf die Frage, was sie mit ihrer Kunst bewirken möchte antwortet die Künstlerin Margit Taus folgendermaßen:
„Ich möchte Einfachheit und Liebe zur Natur und den Menschen vermitteln.
Letztlich das, wozu uns Covid-19 gezwungen hat, nämlich wieder mehr zu uns selbst zu kommen und uns und unsere Umgebung achtsam zu behandeln.“

Diese Botschaft verkündet sie konsequent mithilfe ihrer malerischen Arbeiten auf Leinwand, sowie kleinen Plastiken aus Holz, Stein oder Wachs. Mit deren Hilfe möchte sie ihre Ideen von der Welt, der menschlichen Psyche, von natürlichen und traumhaften Vorstellungen realisieren.
Jedes Bild von Margit Taus erzählt eine eigene Geschichte. Die Protagonisten scheinen dabei symbolhaft für psychische Befindlichkeiten und Wachstumsperioden zu stehen, sie leiten den Betrachter in ein geheimnisvolles Universum der Zusammenhänge zwischen Natur, Mystik, sowie zwischenmenschlicher und -tierischer Beziehungen.

Thematisch interessiert sich die Künstlerin im Besonderen für den Planeten Erde und seine Entwicklung und Veränderung im Laufe der Zeit, sowie für die Natur mit ihren Regeln und Reaktionen auf die Menschen.

Nach dem hinduistischen Beispiel Jiddu Krishnamurti versucht Margit Taus immer wieder mit neuem, möglichst unbefangenem Blick an ihre Arbeit heranzutreten.
In Ihrem Œuvre baut sie eine eigene erzählerische Wirklichkeit auf, in welcher die hinduistisch angehauchten Motive den Betrachter über den vorherrschenden Tatverhalt intuitiv rätseln lassen. Anschließend verbirgt sie die Schlüssel zur Interpretation der Darstellungen in ihren begleitenden Texten.

www.margit-m-taus.com

Stripes Alex

Founded by Alexander Janda & Dr. Jon Griebler

R-Stripes als art-project beschäftigt sich mit der Metamorphose der eindimensionalen Linie in höherdimensionale Flächen oder Räume unter Einbeziehung informeller, figurativer oder gestaltender Strukturen.

Alexander Janda, geboren 1955, lebt und arbeitet in Wien.

Ausbildung:

1975-1979 Grafische Bundes Lehr- und Versuchsanstalt, Wien

Jon Griebler, geboren 1954, lebt und arbeitet in Graz.

Musikforschung, Musikexperimente, und –projekte Seit 2001 am Institut für Musikwissenschaft der Karl-Franzens-Universität, Graz

Seit 1980 zahlreiche öffentliche Ausstellungen und Projektbeteiligungen der beiden Künstler

www.r-stripes.com

Ein Artikel von Katerina Teresidi:

Streifen für den Frieden

Seit dem Abschluss der höheren Graphischen Bundes-Lehr- und Versuchsanstalt arbeitete Alex Janda 35 Jahre lang als Grafiker in Wien.
Später entschied er sich den Künstlernamen Alex Stripes anzunehmen und für den Frieden zu malen. Seitdem malt er Streifen – auf Leinwand, auf Gebrauchsgegenstände, recycelt auf diese Art nicht länger Gewolltes und verwandelt dieses in Kunst. Das besondere dabei: jeder kann mitmachen und Teil werden an seiner schöpferischen Reise, die den Künstler in seinen Ausstellungen neben Wien bereits nach China, Südkorea und Sudan geführt hat.
Der gegenüber Politik und Religion skeptische Alex Stripes wünscht sich ein tolerantes, friedliches und geselliges Miteinander:
Je mehr Streifen, desto mehr Frieden, lautet dabei die Devise – wenn Menschen gemeinsam malen, bekriegen sie sich nicht. Zum gemeinschaftlichen Gestaltungsprozess kann jeder Mitwirkende seine eigenen persönlichen Gegenstände beisteuern, mit deren Hilfe die künstlerische Friedensbotschaft weitergetragen wird.

www.r-stripes.com

Spiegl Martin

Grafik, Fotografie, Malerei, Objekte und Interventionen bilden assoziative
Erfahrungsräume für Gegenwärtiges.
Künstlerische Konzepte bieten dabei Orientierung.

Kunst zu Recht
2018 Menschenwürde (Gruppenaustellung)

2019 Borders

2020-21 Reliquie

2022-23 Daodejing

ARTS Galerie im Konzerthaus Weinviertel

2021 Wir Menschen erfahren und entfalten Wirkung

Atelier Hermann Hindinger

2022 Dynamis’22 (Gruppenausstellung
)

Modern Art Group – „Menschenwürde“
Projektbeschreibung:

Kollaboration von März bis November 2017 in Resonanz zur gleichlaufenden documenta 14.

Ausgangspunkt bildeten Porträtfotografien der Künstler, die sie im Rahmen einer Fotosession gemeinschaftlich erstellten. Davon wählten die Künstler je eines pro Person aus. Diese wurden in Format 75×100 cm auf Leinwand ausgearbeitet. Jeder Künstler überarbeitete seine Auswahl graphisch und malerisch. Ergebnis ist ein Choral von (Selbst-)Reflexionen über Abbild und Menschenwürde.

Lebensläufe:

Theresa Spiegl,

geboren am 4.7.1996, schloss im Juli 2013 mit einer Schwerpunktsetzung auf Bildnerische Erziehung die AHS Frauengasse in Baden ab. Schon während ihrer frühen Kindheit fand sie Gefallen an künstlerischem, musikalischem Ausdruck und stand schon im Kindesalter auf der Bühne des Stadttheaters in Baden. Sie schloss während ihrer Schulzeit zusätzlich Weiterbildungen in Gesang, Tanz und Schauspiel ab, unter anderem klassischen Gesang an der Sommeruniversität Mozardeum in Salzburg, sowie eine vierjährige Musicalausbildung unter der Leitung von Ramesh Nair. Seit 2013 studiert sie Soziologie an der Universität Wien, womit sie ihren gesellschafts-kritischen Blick schärfte. Mit diesem Projekt fand sie einen neuen Zugang zu Kunst, oder vielmehr die Kunst zu ihr.

Hermann Hindinger

lebt und arbeitet in Engelmannsbrunn, Wagram, Niederösterreich. Erfahren Sie mehr zur Person. www.hindinger.cc

Martin Spiegl

lebt und arbeitet in Ziersdorf, Schmidatal, Niederösterreich. Erfahren Sie mehr zur Person. www.spiegl.works

Ein Artikel von Katerina Teresidi

Gedankenstimmungen von Ost und West – eine visuelle Gegenüberstellung

In Serien visualisiert Martin Spiegl seine künstlerischen Konzepte und versucht assoziativ Antworten auf die ihn antreibenden Fragestellungen auszuarbeiten. Menschenwürde und Fluchtbewegungen, klimatische Veränderungen, Macht und Protest stellt er dem Gedankengut des Daodejing gegenüber. Aus der Übertragung des antiken chinesischen Textes in kalligrafische Abstraktionen mit festgelegten Sujets aus Sicht eines unkundigen Europäers entstehen abwechslungsreiche Werkfolgen auf verschiedenen Trägermedien. Bei ihrer Herstellung bedient sich der Künstler Übermalungen von Fotografien, haptischen Papier- und Sandschöpfungen, den Variationen Cinesischer- und Mandarinschriftzeichen im Vergleich zu den Formen der Natur, aus welchen diese zu entspringen scheinen.


Der Darstellung der Naturzustände bedient sich der Künstler assoziativ mit dem Bestreben, Stimmungen zu verbildlichen, welche das Gedankengut des Laozi für ihn transportiert und stellt diese visuell zeitgenössischen Gedankenstrukturen gegenüber. Dabei vertieft sich Martin Spiegl in die Schriften von Solschenizyn, Albert Schweizer, Albert Camus oder George Elliot, die ihm neue künstlerische Anstöße geben und zum philosophieren anregen. Gleichzeitig richtet er sein Augenmerk auf Kunstschaffende, die es verstehen, ihr meisterhaftes Können mit künstlerischiem Ideenreichtum zu verbinden – dazu zählen für ihn unter anderem Monet, van Gogh, Tizian, Breugel, Freud oder Wolfgang Marx. Mit Begleitung seiner Tutorin und Portraitfotografin Helga Nussbaumer lotet Martin Spiegl derzeit die Möglichkeiten des fotografischen Mediums aus, auf welches sich der Schwerpunkt seines aktuellen künstlerischen Schaffensprozesses verlagert hat.

https://spiegl.works/

Bamba Kids

Wir für Kinder – Unterstützungsverein für soziale Einrichtungen

In den ersten beiden Teilen unserer dreiteiligen Präsentation haben wir die Möglichkeiten der Hilfeleistung von Kunst und Kultur für die Bedürftigen der globalen Familie – die Slumkinder in Nairobi – aufgezeigt. Im dritten Teil präsentieren wir den Verein „Wir für Kinder – Unterstützungsverein für soziale Einrichtungen“ (ZVR: 090732804), im Folgenden als „Wir für Kinder“ abgekürzt, der sich zum Ziel gesetzt hat, 30 Kindern und Jugendlichen der benachbarten Region Bamba den Schulbesuch zu ermöglichen. Die grenzüberschreitende Zusammenarbeit von Kunst und Kultur bildet dabei vorbildlich das Fundament positiver Entwicklungen und der Hilfe zur Selbsthilfe.

Der Verein „Wir für Kinder“ und seine Tätigkeit

Der Verein wurde 2013 vom Obmann Johann Pichler, der selbst mit einer Keniatin verheiratet ist, in Heidenreichstein ins Leben gerufen. Das Vereinsziel ist die Gewährleistung des Schulbesuches für 30 Kinder sehr armer Familien im Landesinneren in den Regionen Bamba und Vitengeni. Nach 7 Jahren erfolgreichen Einsatzes der Vereinsmitglieder, Helfer/innen, Paten und Patinnen, sowie internationaler Kunstschaffender zeigen sich vielfältige Früchte der Arbeit:
Von den 30 Jugendlichen besuchen derzeit elf die Primary School, fünfzehn sind in Secondary- oder Highschools in Internaten untergebracht. Drei Schüler/innen befinden sich in einem Trainingscenter zur Berufsausbildung. Besonders stolz sind die Vereinsmitglieder auf David, der die Begabtenschule in Lenana, Nairobi positiv abgeschlossen und mit einem Medizinstudium an der Universität in Nairobi begonnen hat.

Kooperationen, Patenschaften und Hilfe zur Selbsthilfe

Getragen wird das Projekt durch Mitgliedsbeiträge, Patenschaften von österreichischen Pateneltern, zahlreichen Events, Kinderveranstaltungen und Buffets. Seit 2020 hat sich der Künstler Jacob Wachira Ezigbo, über den wir im ersten Teil unserer Präsentationsreihe berichteten, einverstanden erklärt, die Slumkinderkunstwerke der Kinder aus dem benachbarten Slum in Nairobi für den Verein „Wir für Kinder“ bei „Kunst zu Recht Wien“ im Justizzentrum 1030 Wien, Marxergasse 1a, auszustellen. Die Unterstützung der Slumkinder Nairobis für die Kinder in Bamba wird möglich gemacht durch ihre inzwischen autonom funktionierende Selbstversorgung und Organisation dank dem anfänglichen Einsatz des einst für diesen Zweck gegründeten österreichischen Vereins „SlumKinderKunst“.

Namhafte Künstler/innen der Region unterstützen das Projekt durch ihre Benefizkonzerte. Mit dabei Laura Kamhuber, Gaby Stattler, Ulli Wigger, Susan Blake oder Zappa Bluespumpn Cermak, um nur einige zu nennen. Im Laufe der Umsetzung des Vereinsziels entstanden auch die Bamba-Hilfe, ein Beitrag zur medizinischen Versorgung, die Bambahall und das Projekt Dorfbrunnen.

Besonders stolz ist der Verein auf die Bambahall, deren Bau 2015 innerhalb eines Jahres fertiggestellt werden konnte. Die Kosten für die Errichtung des Dorfzentrums in Dzikunze (Vitengeni) ohne Wasser, Strom und Einrichtung betrugen € 15000,- und konnten durch Spenden und Einnahmen bei Benefizveranstaltungen aufgebracht werden. Das Gebäude bietet Raum für gesellschaftliche Zusammenkünfte der Dorfbevölkerung, Nachhilfeunterricht für Kinder, Vorträge zur Erwachsenenbildung und christliche Gottesdienste. Die feierliche Eröffnung fand am 1. Mai 2016 statt. Einige Pateneltern waren eigens zu diesem Zweck nach Kenia geflogen. Ein Folgeprojekt ist die Errichtung eines Brunnens im Projektgebiet und die Pacht eines Grundstücks, welche der Bevölkerung den Anbau von Ackerfrüchten ermöglichen soll.

„Wir für Kinder“ in Heidenreichstein

Bereits mehrmals nahm die Bambagruppe an der „Langen Nacht der Museen“ in Heidenreichstein teil und wurde dazu von der Vizebürgermeisterin, Frau Margit Weikartschläger eingeladen. International tätige Kunstschaffende wie Katerina Teresidi, Fadhil Hussein und Lucas Dinhof stellten ihre Werke im „Haus des Moores“ aus und erklärten sich bereit bei der Benefizveranstaltung jeweils ein Werk für eine Versteigerung zu Gunsten von „Wir für Kinder“ zur Verfügung zu stellen.
„Kunst zu Recht Wien“ und ihre Obfrau Veronika Junger unterstützen das Projekt und hoffen durch die damit verbundene Aufmerksamkeit die Hilfe zur Selbsthilfe in Bamba möglich zu machen.

http://www.bambakids.at/

Kunst zu Recht Wien bedankt sich für die Zurverfügungstellung detaillierter Informationen bei der Vizebürgermeisterin von Heidenreichstein, Frau Margit Weikartschläger.

Was wir in Nairobi 2009 begonnen hatten trägt heute unglaubliche Früchte. Das sind alles unsere SlumKinder von damals. Ihre Visionen waren trauriger Natur. Jetzt stehen sie erfolgreich im Leben.

„Hello my brother and friend,

Hope you’re well and that God has kept you strong in faith. I am well and hope to share stories of where some of the kids are now. Peter Kamau is a recording artist with two music videos and he performs in concerts. Haron Mbitu is a bassist for Sarabi performing locally and internationally. Kevin Otieno is at the university studying medicine. Edwin Otieno is at Kenyatta University. Dan Marige is a DJ and photographer, he’s directing music videos. Jimmy Kamau and Stephen Otieno are acting in the theater in Nairobi and have appeared on several tv series.

This is the good we did and thank you for your help, and my mama always talks about you.

Jacob Wachira

Mail vom 24. April 2018

„Würde man jedem armen Jungen Zeichnen und Malen lehren, es wäre das Ende der Reichen“. | Das ist das ganze Geheimnis von SlumKinderKunst.

https://slumkinderkunst.com/story-of-kenia/

Bambakids – Wir für Kinder Kenias: www.bambakids.at

Ein Artikel über Jacob Wachira Ezigbo geschrieben von Katerina Teresidi:

Jacob Wachira Ezigbo kam 1975 in Mathare, einem Stadtteil von Nairobi in Kenia zur Welt, wo er seine Jugend mit Zeichnen und Malen verbrachte, was nicht leicht war, denn Stifte und Farben sind im Slum selten und kaum leistbar. Aus dem Kunstunterricht in der Jambhuri High School wurde er sogar rausgeschmissen als er sich die Malunterlagen von den Mitschülern und seinem Professor ausborgen wollte.

Heute kehrt er regelmäßig in seinen Heimatort zurück. Mit Stiften und Malunterlagen im Gepäck lässt er den Kindern im Slum jenen Kunstunterricht zuteil kommen, dessen Besuch ihm selbst einst so viel Mühe gekostet hatte. Eine gemeinsame Mahlzeit unterstützt dabei die positive Impulssetzung der kreativen Arbeit. Dank seinem Einsatz für die Kinder wurde ihm von einem Freund aus der Gemeinschaft der Igbo-Nigerianer der Beiname „Ezigbo“ verliehen, welchen er fortan in seinen Namen integriert – übersetzt heißt er „der Gute“.

Das Besondere in der eigenen Umgebung erkennen

„I grew up in a slum in the city of Nairobi, so seeing beauty in an environment that everyone else calls a wasteland, is a gift I appreciate.“

In seiner unmittelbaren Umgebung das Schöne zu sehen ist seine Gabe als Künstler, selbst wenn alle anderen nichts als Ödland darin erblicken – dieses Talent hat Jacob Wachira Ezigbo zur professionellen künstlerischen Laufbahn verholfen.
Nach seinem Abschluss der Grundschulen (primary and secondary school) studierte Ezigbo Grafik & Design an der polytechnischen Fachhochschule in Nairobi. 2002 gewann er den „The Best Artist Award“ in Kenia unter der Ruth-Hunt-Wood-Stiftung. Dadurch erhielt er 2006 die Chance, ein Semester in den USA an der University of Kentucky und dem Somerset Community College zu studieren und zu unterrichten. Ezigbos Studienaufenthalt und der rege Austausch mit Mitstudierenden und Professoren in den USA brachte ihm künstlerisch die Reifung und später auch den kommerziellen Durchbruch.
Neben der Malerei entdeckte Ezigbo in seiner späteren Entwicklung für seine künstlerische Arbeit die Medien Fotografie und Film, denen er sich während seiner Aufenthalte in Kenia bedient, um seine Heimat mit ihrer Geschichte zu thematisieren.
Zurzeit lebt und arbeitet er mit seiner Familie in den USA.

Homepage: https://soundcloud.com/jacob-wachira-ezigbo

Schobert Alexis

Alexis Schobert – geboren in Zwettl – lebt und arbeitet in Wien.

 

Er malt abstrakt mit Acrylfarben auf Leinwand. Die Motive und Malzyklen entstehen bei der direkten emotionalen Umsetzung der Werke.

 

Die in der Tiefe seiner Seele entstehenden Bilder überträgt Alexis Schobert frei und doch mit gezielten Farbflächen und Betonungen auf die Leinwand. Die Seele scheint mit den teils pastosen Acrylfarben so perfekt miteinander verbunden zu sein, dass der großflächige Farbauftrag wie aus einem Guss erscheint.

 

Der Künstler selbst spricht von leuchtend-dunkler Farbgebung. Von Spannungspunkten, die erschaffen werden, indem sich glatte mit an gezielten Stellen aufgekratzten Zonen wechseln, an denen die Farben wie gepflügt erscheinen. Das Licht bricht sich dort in den Furchen und lässt das Bild leuchtend (pulsierend) erscheinen.

 

Lässt man sich als Betrachter auf seine leuchtend-dunkel scheinenden Werke ein, erkennt man eine abstrahierte Welt, die dem Alltag einen Spiegel vorhält. Die gespiegelte Realität löst den Alltag auf und schafft Freiräume, in denen der Betrachter nun mit dem Künstler in seine Empfindungswelt abtauchen kann, oder seinen eigenen Gefühlen nachgeht.

 

Der Künstler will fragend, fordernd und weisend die Sinne und Imaginationskraft der Betrachter schärfen. Durch seine spontane Malweise öffnet der Künstler neue Erfahrungswelten. Für den Künstler sind sie vorbestimmt, für den Betrachter erscheinen sie vielleicht nur zufällig.

 

Alexis hat an mehreren Ausstellungen und Kunstprojekten teilgenommen und ist Mitglied der Künstlergruppe El-Kordy in Wien.

Ein Artikel von Katerina Teresidi:

Visueller Stillstand und innere Bewegtheit

Stagnation ist Stillstand, meinen viele, doch was nach Außen hin als solcher erscheint kann auch geistige Bewegtheit sein, welche das zu-sich-Finden des Betrachters bedeutet, während der Vertiefung in Alexis Schoberts Gemälde in Öl und Acryl.
Der Gerhard Richter bewundernde Künstler lässt sich ganz auf das Spiel der Transformation von Raum und Zeit während des malerischen Prozesses ein und visualisiert Beobachtungen aus seinem Inneren, welche von stiller Distanz zeugen – reservierte Augenblicke, welche der Künstler großzügig mit dem Betrachter teilt und diesen zum aktiven Innehalten auffordert.
„Ich kreiere abstrahierte Räume mit gezielten Farbverläufen, teilweise nur mit Grautönen, rauhen aber auch weichen Weiten – teilweise unterbrochen von Strukturen und ‚Hieben‘, die bei Beobachtern unterschiedlichste Assoziationen wecken.“

Der Junge Künstler arbeitet verstärkt mit dem Künstlerkollektiv „El-Kordy“, seine Arbeiten wurden in mehreren Ausstellungen in Wien, sowie im Henan Art Museum in China vorgestellt. Beständig bemüht er sich, sein Format zu erweitern, um den Eindruck seiner Welten für den Betrachter zu maximieren.
„Als Autodidakt bin ich frei von Vorgaben und ich glaube, es ist wichtiger nach Innen als nach Außen zu hören. Genau diese Freiheit möchte ich auch meinem Publikum mit meinen Werken bieten.“

www.alexis-schobert.com

Schar Rudolf

0947Bergmassiv

Rudolf Schar

www.le-rusch.at

kontakt@le-rusch.at

+43-660-1951888

 

Geboren in Mistelbach/Zaya, lebe seit 1985 in der Donaustadt.

Erste kreative Versuche vor allem mit Zeichnungen in den Jugendjahren. Aus familiären und beruflichen Gründen verlegte ich danach meine künstlerischen Ambitionen auf die Fotografie. Seit 2006 habe ich, dank meiner Töchter, wieder zur Malerei gefunden. Ich arbeite in verschiedenen Techniken, bevorzuge das Aquarell und die Acrylmalerei, bin aber offen für jede Technik. Mein künstlerisches Bewusstsein ist geprägt von der Schönheit und Eigenheit und der naturalistischen Darstellung der Natur und des Menschen.

Unterricht bei verschiedenen internationalen Künstlern, Meisterklassen 2018 bis 2021 der Kunstfabrik Wien

Ausstellungen:

Wienerwaldmuseum, Eichgraben, NÖ;

Kulturhaus, St. Andrä-Wördern, NÖ

International Art View Vienna

Wasserturm, Wien;

Schloß Wilhelminenberg, Wien,

Alt-Wiener Bund, Hofburg, Wien;

Alte Schieberkammer, Wien

Justizzentrum, Wien,

Jahresausstellung DAG, Schloß Naumburg, Deutschland

Galerie Schloß Rothschild, Reichenau an der Rax, NÖ;

Vienna Art Gallery, Wien

Kunstsalon Schönbrunn, Wien;

Atelier Bajadere, Neuhaus, NÖ;

Museum St. Johann in Tirol;

Gallery Manes, Prag, Tschechei,

21. internationale ECWS-Ausstellung, Krakau, Polen;

2. Int. Aquarellfestival, Kathmandu, Nepal

Museum Langenzersdorf,

Galerie Kreativraum, Wien

Fabriano Aquarellfestival, Italien

Urbino Aquarellfestival, Italien

Galerie Art Pool Vienna

Ringstrassengalerien Wien

Galerie KunstReich, Bad Tatzmannsdorf

„Anime senza voce“ Ferrara, Italien

1st OlympiArt 2019, New Delhi, Indien

Landespolizeidirektion Linz, Oberösterreich

11erHaus Reichenau/Rax NÖ

Bergerhaus, Gumpoldskirchen, NÖ

Schloss Traun, Oberösterreich

Kitzbühel, Tirol

Schloss Gloggnitz, Gloggnitz, NÖ

Schloss Reichenau, NÖ

Galerie Eisenwaren Kamp, Wien

Kunstmesse Transform Arte, Eisenstadt, Burgenland

Mitglied der Kulturvernetzung Niederösterreich

Mitglied der Berufsvereinigung der bildenden Künstler

Mitglied der Deutschen Aquarell Gesellschaft

 

Die Welt ist voller Farben, man muss sie nur sehen!

Schablauer Roswitha

Roswitha Schablauer wurde in Bruck/Mur geboren und unterrichtete bis 2001 an der Handelsakademie Bruck/Mur.

Schon während ihrer beruflichen Laufbahn widmete sie sich intensiv der Bildenden Kunst. Seit 1996 Ausbildung in Malerei und Grafik bei namhaften Künstlern, in der Akademie Stift Geras und in der Kunstfabrik Wien.
Seit 2008 Aktzeichnen im Künstlerhaus Wien. Seit 2013 Mitglied der Freien Malgruppe Anton Kitzmüller.

Seit 2006 rege Ausstellungstätigkeit im In- und Ausland sowie Teilnahme an zahlreichen Kunstmessen, vertreten durch internationale Galerien.
Seit 2009 im jährlich erscheinenden Kunstkatalog ARS ARTIS.

Marksteine ihrer Ausstellungstätigkeit waren:
2009 Teilnahme an der BIENNALE Internazionale dell’Arte Contemporanea in Florenz.
2011 und 2012 Teilnahme an der ART Innsbruck, Internationale Messe für Gegenwartskunst.
2013, 2014 Teilnahme an der ARTE Padova, Internationale Messe für Gegenwartskunst,
2014 Teilnahme an der ARTE Genova und an Giorni d’ARTE Carrara
Oktober 2015 ART SHOPPING im Carrousel du Louvre, Paris
November 2015 ARTE PADOVA.

Awards:
2014 PALM ART AWARD – Certificate of Excellence
2015 Certificate HIMMELBLAU Art Compass 2015
2015 ARTAVITA –Honorable Mention
2015 nominiert für International Art Award „il David di Gian Lorenzo Bernini“ von ACCADEMIA ITALIA IN ARTE NEL MONDO
2015 nominiert für INTERNATIONAL PRIZE LEONARDO DA VINCI – The Universal Artist

Roswitha Schablauer lebt und arbeitet in Kapfenberg und Wien.

 

Tel.:             0664 372 3360

E-Mail:          roswitha.schablauer@utanet.at

Homepage:    www.roswitha-schablauer.at

Ein Artikel von Katerina Teresidi

Das Positive herbeimalen

Seit über 20 Jahren erschafft Roswitha Schablauer mit Aquarell, Acryl und Mischtechniken bunte abstrakte Farbmalereien und Stimmungsbilder. Beizeiten kommen auch Figuren und Landschaften darin vor – die Künstlerin beschränkt sich in ihrer Arbeit nicht ausschließlich auf eingegrenzte Themenbereiche. Vielmehr lässt sie sich von den Formen und Farben ihrer Umwelt begeistern und zu neuen Gestaltungsmöglichkeiten anleiten.
„Ich beobachte intensiv meine Umwelt, die Schönheit und die Farben in der Natur. Das weckt in mir ein starkes Verlangen, dies in Bildern festzuhalten. Anfangs mittels Fotografie, doch dann wurde mein Bedürfnis, dies auch in Farbe festzuhalten, immer größer, sodass ich mich einer Malgruppe anschloss und mich im Laufe mehrerer Jahre bei renommierten Künstlern und Künstlerinnen fortbildete.“
Werke ihrer Lehrmeister hängen in zahlreichen Museen der Welt, welche Roswitha Schablauer eifrig besucht.

Lebensfroh und aus der Lust zum Malen entstehen die Bilder Roswitha Schablauers wie von selbst. Diese wurden bereits in zahlreichen Ausstellungen, auf Kunstmessen und Biennalen weltweit präsentiert.
„Ausstellungen zu machen bereichert mein Leben mit wunderschönen Begebenheiten und wunderbaren Menschen, die ich dabei kennenlernen kann“, beschreibt die Künstlerin ihren Antrieb künstlerisch Aktiv zu bleiben.

Auch Meisterwerke von Hundertwasser, Klimt, Matisse und den Impressionisten, welchen die aktive Künstlerin in Museen begegnet, versucht sie anschließend nachzumalen, wobei sie viel lernt und neue Zugänge entdeckt.
Durch das herausarbeiten des Schönen möchte Roswitha Schablauer den negativen Schlagzeilen der Welt ihre positiven Arbeiten entgegensetzen.

www.roswitha-schablauer.at

Salaun Barbara

Barbara Salaun, *1964 Wien, ist eine multimedial arbeitende Künstlerin, die verschiedene Arbeitsmethoden, Ausdrucksmedien und Technologien wie Malerei, traditionelle Drucktechnik/ Lithografie und Radierung, Video/ Augmented Reality kombiniert und miteinander verbindet.

Das künstlerische Oeuvre visualisiert und verbindet scheinbar gegensätzliche Herangehensweisen und Verfahren –

in stetiger Verwandlung und abstrahierter Bildersprache. Ihre neuesten Graphikserien widmen sich den Themen (Welt)Kulturerbestätten:

Alter Sommerpalast in Peking, Wien sowie Konfuziustempel, Friedhof und Residenz der Familie Kong in Qufu.

In ihrem künstlerischen Schaffen arbeitet sie stets in strukturierten Konzeptionen und komplexen Vernetzungen und wirkt als Bindeglied für nationale und internationale interdisziplinäre Kooperationen und ist als aktive Brückenbauerin insbesondere zwischen den Kulturen Österreichs und Chinas erfolgreich tätig. Ihre Ausstellungstätigkeit in Österreich führt sie mit Unterstützung der Galerie für zeitgenössische Kunst im Wiener Kunstverlag Wolfrum, ihre internationalen Ausstellungen in enger Kooperation mit dem Konfuziusinstitut an der Universität Wien sowie dem Österreichischen Kulturforum durch.

Ausstellungen (Auszug):

2020 Soloausstellung Digitale Kunstachse Österreich – China. Wissenschaft trifft Kunst an der TU Wien Bibliothek

2019 Teilnahme am “Sponsored Visitors Program” Hong Kong auf Einladung der Stadtregierung Hong Kong auf Vorschlag des Österreichischen Generalkonsulates Hong Kong

2019 Soloausstellung/Vortrag an der Freien Universität Berlin auf Einladung des Konfuziusinstitutes Berlin

2018 Einzelschau im Rahmen der Immersive Digital Culture Experience Exhibition, Beijing, durchgeführt vom THID

(Beijing Tsinghua Heritage Institute for Digitization)/Beijing und Digital Yuanming Technology Culture Co., Ltd.

2018 Ausstellung im Rahmen des 5th International Symposium on Cultural Heritage Conservation and Digitization

(CHCD)/THID, Beijing – “Re-member: Heritage Driven Economy” in Kooperation mit dem Österreichischen

Kulturforum Peking

2018 Soloausstellung im Rahmen des Internationalen Wissenschaftsforums “Welterbe“, Staatliche Universität

Novosibirsk

2018 Soloausstellung im Rahmen des Int. Symposiums am Konfuziusinstitut Hong Kong “Authenticity and

Representation – Case Studies on Yuanmingyuan and Others” in Kooperation mit dem Österreichischen Generalkonsulat Hongkong und dem KI Wien

2017 Einzelausstellung Albertina Wien im Rahmen des Galaabends anlässlich der Verleihung des österreichischen

Musiktheaterpreises, Eröffnungsredner: Dr. Andreas Kohl, Ao. Prof. Dr. Richard Trappl, KI Wien

2017 Einzelausstellung im Museum für chinesische Garten- und Landschaftsarchitektur Peking im Rahmen Garten-Expo, Schau „Seeing Yuanmingyuan“, Beijing Digital Yuanming Technology Culture Co., Ltd.

2016 Präsentation der Ausstellung im staatlichen Kulturministerium Peking im Rahmen der Gesamtausstellung

(„The Lost Garden“– Digital Interactive Exhibition of Yuanmingyuan, THID Beijing Tsinghua Heritage Institute

for Digitization)

2016 Ausstellungspräsentation im Rahmen der 10-Jahresfeier des Konfuziusinstitutes Wien an der Universität Wien

Universität Wien/Universität Hanban, China; Eröffnungsrede: Ao. Prof. Dr. Richard Trappl, KI Wien

2016 Einzelpräsentation/Vortrag 4th International Symposium on Cultural Heritage Conservation and Digitization

(CHCD 2016) „Re-Vive“ an der Tsinghua University Beijing, School of Architecture in Kooperation mit dem

Österreichischen Kulturform Peking

2016 Festakt 45 Jahre Diplomatische Beziehungen zwischen China und Österreich, Österreichische Botschaft in

Peking/Tsinghua University Beijing, School of Arts, Eröffnung: BR Mag. Arnold Obermayer, Österreichisches

Kulturforum Peking

2015 Erstpräsentation Weltmuseum Wien, Hofburg im Rahmen des „Confucius Institute Day 2015“, Eröffnungsrede:

Generalsekretärin Mag. Gabriele Eschig, Österreichische UNESCO Kommission

Das künstlerische Oeuvre visualisiert und verbindet scheinbar gegensätzliche Herangehensweisen und Verfahren –

in stetiger Verwandlung und abstrahierter Bildersprache. Ihre neuesten Graphikserien widmen sich den Themen (Welt)Kulturerbestätten:

Alter Sommerpalast in Peking, Wien sowie Konfuziustempel, Friedhof und Residenz der Familie Kong in Qufu.

In ihrem künstlerischen Schaffen arbeitet sie stets in strukturierten Konzeptionen und komplexen Vernetzungen und wirkt als Bindeglied für nationale und internationale interdisziplinäre Kooperationen und ist als aktive Brückenbauerin insbesondere zwischen den Kulturen Österreichs und Chinas erfolgreich tätig. Ihre Ausstellungstätigkeit in Österreich führt sie mit Unterstützung der Galerie für zeitgenössische Kunst im Wiener Kunstverlag Wolfrum, ihre internationalen Ausstellungen in enger Kooperation mit dem Konfuziusinstitut an der Universität Wien sowie dem Österreichischen Kulturforum durch.

Ausstellungen (Auszug):

2020 Soloausstellung Digitale Kunstachse Österreich – China. Wissenschaft trifft Kunst an der TU Wien Bibliothek

2019 Teilnahme am “Sponsored Visitors Program” Hong Kong auf Einladung der Stadtregierung Hong Kong auf Vorschlag des Österreichischen Generalkonsulates Hong Kong

2019 Soloausstellung/Vortrag an der Freien Universität Berlin auf Einladung des Konfuziusinstitutes Berlin

2018 Einzelschau im Rahmen der Immersive Digital Culture Experience Exhibition, Beijing, durchgeführt vom THID

(Beijing Tsinghua Heritage Institute for Digitization)/Beijing und Digital Yuanming Technology Culture Co., Ltd.

2018 Ausstellung im Rahmen des 5th International Symposium on Cultural Heritage Conservation and Digitization

(CHCD)/THID, Beijing – “Re-member: Heritage Driven Economy” in Kooperation mit dem Österreichischen

Kulturforum Peking

2018 Soloausstellung im Rahmen des Internationalen Wissenschaftsforums “Welterbe“, Staatliche Universität

Novosibirsk

2018 Soloausstellung im Rahmen des Int. Symposiums am Konfuziusinstitut Hong Kong “Authenticity and

Representation – Case Studies on Yuanmingyuan and Others” in Kooperation mit dem Österreichischen Generalkonsulat Hongkong und dem KI Wien

2017 Einzelausstellung Albertina Wien im Rahmen des Galaabends anlässlich der Verleihung des österreichischen

Musiktheaterpreises, Eröffnungsredner: Dr. Andreas Kohl, Ao. Prof. Dr. Richard Trappl, KI Wien

2017 Einzelausstellung im Museum für chinesische Garten- und Landschaftsarchitektur Peking im Rahmen Garten-Expo, Schau „Seeing Yuanmingyuan“, Beijing Digital Yuanming Technology Culture Co., Ltd.

2016 Präsentation der Ausstellung im staatlichen Kulturministerium Peking im Rahmen der Gesamtausstellung

(„The Lost Garden“– Digital Interactive Exhibition of Yuanmingyuan, THID Beijing Tsinghua Heritage Institute

for Digitization)

2016 Ausstellungspräsentation im Rahmen der 10-Jahresfeier des Konfuziusinstitutes Wien an der Universität Wien

Universität Wien/Universität Hanban, China; Eröffnungsrede: Ao. Prof. Dr. Richard Trappl, KI Wien

2016 Einzelpräsentation/Vortrag 4th International Symposium on Cultural Heritage Conservation and Digitization

(CHCD 2016) „Re-Vive“ an der Tsinghua University Beijing, School of Architecture in Kooperation mit dem

Österreichischen Kulturform Peking

2016 Festakt 45 Jahre Diplomatische Beziehungen zwischen China und Österreich, Österreichische Botschaft in

Peking/Tsinghua University Beijing, School of Arts, Eröffnung: BR Mag. Arnold Obermayer, Österreichisches

Kulturforum Peking

2015 Erstpräsentation Weltmuseum Wien, Hofburg im Rahmen des „Confucius Institute Day 2015“, Eröffnungsrede:

Generalsekretärin Mag. Gabriele Eschig, Österreichische UNESCO Kommission

 

Ausstellungen/Auszug

 

2003   Sonderausstellung Michaelerkirche anlässlich der 800-Jahr-Feier
2004   Erzbischöfliches Dom- und Diözesanmuseum, „Jeder Tag“
Kunstparadies Reichenau/Malerei
Galerie Buch und Kunst
2005   Kunstparadies Reichenau/Graphik
Galerie „corto e nero“, „Ton in Ton“
2006   Sommerrefektorium Michaelerkirche, Buchpräsentation  „Zeitzeugen berichten“
Galerie Buch und Kunst
2007   Kulturverein Margareten aktiv, „Vernetzte Welten“
2008   Rumänisches Kulturinstitut Schloss Potzneusiedl
2009   Aviaticum – Flugmuseum Wr. Neustadt, „Die blaue Stunde“
2010   Ausstellung LC Ambassador
2011   Kleine Kapelle Franziskanerplatz Wien
2012   Galerie Buch und Kunst
2013   Tatort München
2014   Ein Fest für Kunst & Kultur Margareten

Kooperationen im Rahmen der Ausstellungstätigkeit/Auszug:

 

  • Darina Peeva die Peeva, Druckgraphik, Bulgarien
  • Katherina Wladigeroff, Piano, Bulgarien
  • Elena Misirkova, Piano, Mazedonien
  • Sibylle Kefer, Liedermacherin, Bad Goisern
  • Mag. Irene Egger, Autorin, Wien-Gosau
  • Geza Kovacs, Bildhauer, Rumänien
Ein Artikel über die Künstlerin geschrieben von Katerina Teresidi:

Welterbe – Veduten

Aus dem Italienischen „veduta“, d.h. „Ansicht“ oder „Aussicht“, wird die Vedute in der bildenden Kunst dem Genre der Landschaftsmalerei zugeordnet. Der Ursprung der Vedute wird auf das 17. Jahrhundert zurückgeführt, deren Wurzeln finden sich aber vermutlich schon viel früher in der Geschichte. Die Stadt- bzw. Landschaftsansicht strebt nach einer detailgetreuen Wiedergabe einer Szenerie mit dem Ziel der Wiedererkennbarkeit.

Die Künstlerin Barbara Salaun greift für ihre Arbeiten auf das traditionelle Medium der Radierung zurück, das sie in Kombination mit den sogenannten Neuen Medien durch Digitalisierung in den virtuellen Raum erweitert.

Der Brückenbau zwischen Vergangenheit und Zukunft

Die 1964 in Wien geborene Künstlerin Barbara Salaun arbeitet multimedial und verbindet traditionelle Drucktechniken wie Lithografie und Radierung mit den Möglichkeiten der digitalen Welt bis hin zum Einsatz von Augmented Reality. Scheinbar gegensätzliche Herangehensweisen und Verfahren werden einfühlsam miteinander verwoben und so entstehen Arbeiten, die Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft in einem Kunstwerk vereinen. In ihren aktuellen Grafikserien widmet sie sich ausgewählten Welterbestätten in Österreich und China und wird so zu einer Brückenbauerin zwischen den Kulturen.

Die Künstlerin verarbeitet ihre Eindrücke aus beiden Kulturkreisen in der europäischen
Ausdrucksweise der klassischen Radierung, die sie bevorzugt mit einem sehr reduzierten Auftrag von Blattgold und Aquarell akzentuiert. Im Laufe Ihres Schaffensprozesses realisierte sie mehrere internationale Ausstellungen. Ausgangspunkt ist die digitale Revitalisierung des im 2. Opiumkrieg zerstörten Alten Sommerpalastes Yuanmingyuan in Peking, der ein Denkmal ersten Ranges der VR China darstellt. Mit ihren Radierungen gab sie dem Palast in der virtuellen Realität seine dreidimensionale Erscheinungsform zurück. In Ihrer Serie „Konfuzius sprach“ – Inspiration aus Qufu thematisierte sie die Welterbestätte „Konfuziustempel, Friedhof und Residenz der Familie Kong“ in Qufu, Provinz Shandong. Zu ihren Welterbeveduten Wiens gehören das Historische Zentrum Wien sowie Schloss und Gärten von Schönbrunn.

 

abstrahierte Schale in braun, schwarz und beige

Rupp Claudia

abstrahierte Schale in braun, schwarz und beige
braun, schwarz und beige abstrakt
abstrahierte Schale in Rot, Rosa und Beige
Claudia Rupp 

geboren 1963 in Kärnten, lebt und arbeitet in Wien;
Malerin, Psychologin und Psychotherapeutin 

Kontakt:
Tel.: 0699/11430991           
Email: c.rupp@aon.at
Atelier: 1180 Wien,  Schopenhauerstaße 39/1/8
www.art-spot-vienna.at

In meiner psychologisch-therapeutischen Arbeit steht die Kommunikation und Interaktion mit Menschen im Vordergrund, Immaterielles, Unstoffliches, Unangreifbares. 

Künstlerische Betätigung, wie das Malen eines Bildes oder das Kreieren von Collagen, Montagen oder Objekten, stellt für mich einen Weg dar, mich sehr intensiv mit Materiellem, Stofflichem, Sichtbarem und Angreifbarem auseinanderzusetzen. Das fertige Werk bietet die Möglichkeit in einer ganz anderen, neuen Form mit der Umwelt zu kommunizieren, auf einer ganz anderen Ebene zu interagieren. Ein selbst erschaffenes Kunstwerk steht als persönliches Statement dem gesprochenen Wort nahezu diametral gegenüber und schafft, dennoch oder gerade deswegen, gänzlich neue Möglichkeiten mit Menschen in Dialog zu treten.

In meinen Bildern und Objekten stehen oft Formen, manchmal Farbe und Farbkompositionen im Vordergrund, häufig geht es aber auch um Verborgenes, Tiefe, Oberflächen und Strukturen. Da ich selbst ein sehr taktiler und haptischer Mensch bin und gerne alles an-greife, um es zu be-greifen, arbeite ich sehr gerne nicht nur mit Farbe (meist Acryl) sondern häufig auch mit diversen anderen Materialien und Werkstoffen (Papier, Blech, Holz, Eisen, etc.) auf diversen Untergründen.

Meine Inspiration hole ich mir auf Reisen (bevorzugt Süd- und Mittelamerika, zuletzt Hawaii) und in der Auseinandersetzung mit KünstlerkollegInnen.

Aktivitäten/Ausstellungen

2018 Gruppenausstellung ‚Kunst zu Recht‘ im Justizzentrum Wien Mitte 

2017 Gruppenausstellung ‚Streetart – Kunst am Zaun im Börsepark‘, 1010 Wien

2017 Teilnahme ‚Art Walk 18‘-Tag der offenen Ateliers im 18. Bezirk

2017 Teilnahme Auktion: ‚Artists of Artwalk for kunst.fest.währing‘, 1180 Wien

2016 Teilnahme ‚Weihnachtsausstellung‘ Kunstwerkstätte Ehweiner, 1160 Wien

2016 Einzelausstellung ‚Impressionen‘: Galerie Art-Spot-Vienna, 1070 Wien

2016 Gruppenausstellung ‚8. Wiener Amateur-Kunstmesse‘ im Rathaus, 1010 Wien

2016 Gruppenausstellung ‚Streetart – Kunst am Zaun im Börsepark‘, 1010 Wien

2016 Einzelausstellung ‚Variationen‘: Galerie Art-Spot-Vienna, 1070 Wien

2016 Teilnahme ‚Art Walk 18‘-Tag der offenen Ateliers im 18. Bezirk, 1180 Wien 

2016 Gruppenausstellung ‚Akzente‘: Galerie Art-Spot-Vienna, 1070 Wien

2016 Gruppenausstellung ‚3. Querschnitt‘ im Bezirksmuseum Währing, 1180 Wien

2016 Einzelausstellung ‚Impulse‘: Galerie Art-Spot-Vienna, 1070 Wien

Ein Artikel von Katerina Teresidi

Haptische Lebensfreude aus Form und Farbe

Die Werke Claudia Rupps strahlen im erdig-warmen Braun, feurigen Rot oder tiefgründigen Blau. Harmonisch komponierte Farbkombinationen, haptische Oberflächen und deren gegenständliche Erweiterungen überraschen den Betrachter durch eine immanente rege Kommunikation der visuellen Elemente untereinander. Mal werden die rostige Eisenform, mal gemalte farbliche Tiefen in den Fokus der Aufmerksamkeit gerückt, ins nächste Werk wird eine Zeichengeschichte hineingeschrieben. So unterschiedlich die Arbeiten der Künstlerin auch erscheinen mögen, gleichen sie sich durch ihren gemeinsamen Fokus auf haptische Beschaffenheit und lebensfrohe Ausstrahlung. In ihrer Mehrheit in positiven Stimmungslagen entstanden, lösen sie in den meisten Menschen positive Gefühle aus und werden zu geschätzten Wegbegleitern. Ertastbare, strukturierte, be-greifbare Kunstgegenstände, welche eine rege Auseinandersetzung der Kunstschaffenden mit der materiellen Welt veranschaulichen – als Ausgleich zu ihrer immateriellen professionellen Laufbahn.

„Künstlerische Betätigung, wie das Malen eines Bildes oder das Kreieren von Collagen, Montagen oder Objekten, stellt für mich einen Weg dar, mich sehr intensiv mit Materiellem, Stofflichem, Sichtbarem und Angreifbarem auseinanderzusetzen“, erzählt die seit 1991 in Wien tätige Psychologin und Psychotherapeutin. Als solche besteht ihr Arbeitsalltag aus Emotionen und Einfühlung, dem Anstoßen von Prozessen, Haltgeben, oft auch aus Grenzen und dem Ab-grenzen – also immer aus dem Immateriellen und Unstofflichen.

Erlebte Inspiration und neue Eindrücke gewinnt Claudia Rupp gerne auf Reisen zu außergewöhnlichen exotischen Orten, wie der Osterinsel, Costa Rica, Guatemala oder Nicaragua, wo neue Farben und unbekannte Gegenstände sie zu erweiterten künstlerischen Kommunikationsformen inspirieren.

www.art-spot-vienna.at

Abdulrahman Sahf

LEBENSLAUF

www.instagram.com/sahf_kunst_/

E-Mail: sahf.art2@gmail.com

Tel.: 0660 78 30 666

Geb. 1974 in Homs (Syrien)

BERUFLICHE ERFAHRUNGEN

1993 – 2018 Bildender Künstler

Mitglied der syrischen Föderation für Künstler

10 eigene Ausstellungen und viele Gemeinschaftsausstellungen in Syrien und Wien.
Ausstellungen mit „Write now“, UNHCR, Donauquartier und Caritas, im Atelier Giulio Clamngo, im Museumsquartier und der Karlskirche.
2017: Ausstellung „Briefmarken des Krieges“, Feldversuch, 1010 Wien

International art view Vienna, Kunstfabrik Stadlau, 1220 Wien

2018: International Face Art Sanrimo Italy

International Anime senza voice San Marino Italy

Bühnenbildner

Nationaltheater, Universitätstheater u. a., Homs, Syrien

Entwurf und Umsetzung von Bühnenbildern

2014 – 2015 Zeichenlehrer

Schule für Waisenkinder „Futur Road“, Gaziantep, Türkei

2008 – 2010 Kunstlehrer

Schule für autistische Kinder „Springcenter“, Homs, Syrien

Spezialisierung auf die Feinmotorik

2007 – 2008 Autor

Kunstzeitschrift „Shrefat al Sham“

Zeitung „Kolena Suryen“

Verfassung von gesellschaftskritischen Artikeln

2004 – 2006 Kinderbuchautor

Verlag „Dar el Arshad“, Homs, Syrien

Text und Illustration von 3 Kinderbüchern
Design von Büchercovern

1997 – 2002 Zeichenlehrer

Privatschule „Futur Kids“, Homs, Syrien

Erstellung von Unterrichtsplänen für den Kunstunterricht von 6 – 9 jährigen Kindern

AUSBILDUNG

2007 – 2008 Erziehung und Verhaltensmodifikation von autistischen Kindern

Internationale Organisation „Kareem El-Kheiry“, Homs, Syrien

1995 – 1997 Kunstausbildung

Institut für bildende Künste „Sobhi schuib“, Homs, Syrien

Schwerpunkt: Grafik und Malerei

1990 – 1995 Matura

Gymnasium „Alpharabi“, Homs, Syrien

Schwerpunkt: Sprachen

WEITERBILDUNG

Seit 08/2017 Deutschkurs B2+, bit Schulungscenter GmbH, 1230 Wien

06 – 07/2017 Kompetenzcheck – berufliche Integration, bfi, Wien

01 – 04/2017 Deutschkurs A1, A2, B1, ÖSD – Zertifikat, „You are welcome“, 1030 Wien

ZUSATZQUALIFIKATIONEN

Sprachen Deutsch B2

Englisch B1

Arabisch (Erstsprache)

EDV-Kenntnisse (sehr gut) Windows, MS-Office, Grafiksoftware (Photoshop)

Ein Artikel über den Künstler geschrieben von Katerina Teresidi:

Kreation gegen die Vergänglichkeit

„Leben ist Lieben, Lieben ist nicht ein romantisches Wort, Lieben ist ein starkes System. Ich liebe, dann bin ich hier…Lieben ist dem Tod entgegengesetzt – Lieben ist Leben.“

Sahf Abdulrahman malt gegen den Tod an, gegen die Vergänglichkeit und gegen das Vergessenwerden. Aus seiner Erinnerung evoziert er vertraute Gesichter von Menschen aus seinem Leben und hält sie in seinen Gemälden fest. Oft erscheinen seine Darstellungen in Nebel gehüllt, bruchstückhaft, verwischt und überdeckt von weißer Farbe, da sich nicht mehr alle Informationen vollständig aus seinem Gedächtnis abrufen lassen.
Mit seiner Kunst möchte er sich an die Etappen seines Lebens, seiner erlebten Erfahrungen erinnern und zugleich durch sein künstlerisches Kreieren dem Vergessen selbst entrinnen, der Unsterblichkeit ein Stück näher kommen, sofern es in diesem im ständigen Zerfall und in der Schöpfung begriffenen Universum möglich ist. Gefragt nach seiner philosophischen Orientierung, verweist Sahf Abdulrahman auf Edmund Husserl und lässt uns an seiner Anschauung teilhaben:
„Das Universum ist ein Kind, wir leben zusammen in seinem Körper, denn wir sind die Zellen – wir alle gemeinsam.“

www.instagram.com/sahf_kunst_/

Rumpf Johann

Geboren am 7.4.1950 in Wien

Erlernte Berufe:

Kunsttischler, künstl. Siebdruck, Malerei

 

1968-1972 Besuch der künstl. VHS unter Fr.

Prof. Matejka-Felden, Reo Martin Pedrazza,

Gotthard Fellerer, u.a.

1970-1974 Tätigkeit bei der Emailschmuckfirma

Frey Wille, künstl. Betreuung der Kinder beim Wiener Ferienspiel, Leitung von

Malkursen in ganz Wien.

1976 Gewerbeschein für künstl. Siebdruck, Mitglied der Berufsvereinigung Bildender

Künstler Österreichs, Gründung der Kunsthandwerks Firma Rumpf mit

Schwerpunkt Glasmalerei.

1977-1992 div. Ausstellungen im In- und Ausland, Wien, Salzburg, München

Frankfurt, New York, etc.

1992-1993 Bau des Kunsthauses Rumpf.

1992-2011 div. Ausstellungen zB. Wien, u. a. Kunsthaus Rumpf 1140 Wien,

Renault Währing 1180 Wien, Bank Austria 1080 u. 1170 Wien, Renaissance

Penta Vienna Hotel 1030 Wien, Cafe Schottenring 1010 Wien, WKO Wirtschaftskammer

Österreich 1040 Wien, Casino Wien 1010 Wien, Cafe Museum

1010 Wien, AKH Galerie 1090 Wien, Hotel Schloss Wilhelminenberg 1160

Wien, ORZ-Zentrum 1136 Wien, etc.

 

Der besondere Stil des Künstlers zeichnet sich vor allem durch den Farbenreichtum

aus. Das immer spannende Entdecken von neuen Farbvariationen

begeistert Johann Rumpf ständig. Ein Bild muss für ihn mehr als eine Abbildung

sein – ein gedanklich geführter Prozess, in Farben ausgedrückt. Seine Bilder

sollen ein Aufschrei gegen jene modernen Künstler sein, die vor lauter andauerndem

Reduzieren nur mehr einen Hauch von Nichts auf der Leinwand, dem

Kunstwerk, überlassen.

 

KUNSTHAUS RUMPF

1140 Wien, Mauerbachstraße 162

Tel/Fax 01/979 52 94 oder 0664/43 111 78

 

eMail: johann.rumpf@a1.net

www.johann-rumpf.at

 

Filme:

Interview von Insel-TV

Aus Alt mach Neu

Auf dem Weg zu seinem internationalen Bekanntheitsgrad als Künstler wurden zahlreiche Kunstwerke des 1950 geborenen Johann Rumpf im Dorotheum erfolgreich versteigert – es sind alte Möbelstücke, welche der Künstler dem wirtschaftlichen Kreislauf wieder zuführt, indem er sie auf seine Art neu gestaltet. Lebenslange Experimente ließen ihn eine ganz eigene Farbphilosophie entwickeln, auf deren Grundlage er seine Firma gründete, die seine Kunststücke weltweit exportierte – hierbei handelte es sich um handbemalte Glasbilder (Johann Rumpf war der erste Erzeuger Europas von Miniaturglasbildern), Glasschmuck, Designspiegel, Glaskugeln, Teelichtgläser und ähnliche Gebrauchsgegenstände, die von ihm persönlich künstlerisch aufgewertet wurden.

Bei der Entwicklung seines wiedererkennbaren Stils war Johann Rumpfs früheste Schaffensperiode wegweisend, welche von Zeichnungen und vor allem von vielen hunderten Linolschnitten zeugt. Seitdem konzentriert sich der Künstler auf die Farbe, das Hell- und Dunkelspiel konträr zueinander setzend, kalte und warme Farben gegeneinander ausspielend – das Entdecken von neuen Farbvariationen begeistert Johann Rumpf bis heute. Ähnlich Hundertwasser liebt er das Fließende in der Natur, welches er der Fläche entgegensetzt. Zusammen mit dem bekannten österreichischen Bildhauer Gerold Kubitschek gestaltete Johann Rumpf 2018 das weltweit erste Denkmal Gustav Klimts und gestaltete die Außenfassade vom Funpalast, 1230 Wien, wo auch das Denkmal steht. Hierüber wird aktuell weltweit in den Medien berichtet, so auch auf CNN, RTL, ARD, ZDF und Reuters. www.gustavklimt-denkmal.com/

Das Bild als gedanklich gefühlter Prozess in Farbe ausgedrückt – der Zugang Johann Rumpfs ist ein Aufschrei gegen die fortwährende Reduktion bis zu einem Hauch von Nichts auf Leinwand, gegen die graue fahle Einfärbigkeit kaum erkennbarer Farbunterschiede mit dem bezeichnenden Titel „Ohne Titel“ – Arbeiten, deren Präsenz in Galerien sich der Künstler entschieden entgegenstellt. Seine Lösung lautete sich unabhängig vom Kunst- und Aktienmarkt zu machen und sich auf seinen farbigen seelischen Ausdruck stützend den Weg eigener Überzeugungen einzuschlagen. Die handwerkliche Begabung liegt in der Rumf‘schen Familie: bereits sein Urgroßvater Conrad Rumpf war Wiens Architekt und Stadtbaumeister, sowie der wichtigste Bauführer der Stadt bei den Ringstrassenbauten.

Das Ziel des ambitionierten Künstlers ist es, seiner Farbphilosophie und seinem künstlerischen Stil weltweite Präsenz zu verschaffen.

www.johann-rumpf.at/

www.dorotheum.com/de/k/johann-rumpf/

Rössner Petra Maria

Im Staunen über die Schöpfung schöpferisch sein

Das Wunder der Schöpfung und der Natur zu erforschen, es im spielerisch-kreativen
Schaffen selbst zu erleben, und dann auch darüber zu kommunizieren – das sind die
Beweggründe für mein künstlerisches Schaffen.
Gerne oszilliere ich zwischen den Welten der sichtbaren Realität und meiner
Traumwelt. Wie das Ei und die Farbpigmente mischen sich dann auch diese beiden
Welten. Während des Malens wird so das Leben zum Märchen und das Märchen lebt.
Meine bevorzugte Maltechnik ist die Eitemperamalerei. Aus Ei, Wasser, Leinölfirnis,
Nelkenöl und Farbpigmenten mische ich mir meine Farben selbst. Mit dieser
Maltechnik können unterschiedliche Konsistenzen der Farbe erzeugt werden, von der
Durchsichtigkeit der Aquarellfarbe bis hin zur schweren Dichte einer Ölmalerei. Dies
ermöglicht es, Farbschichten unterschiedlicher Gewichtung übereinander zu legen
und so eine Tiefenwirkung im Bild zu erzeugen. Diese alte Maltechnik, die vor der
Ölmalerei vor allem für die Ikonenmalerei eingesetzt wurde, fasziniert aber vor allem
durch ihre außergewöhnliche Leuchtkraft und den seidenmatten Glanz der Farben.

Kontakt:
Tel: 0699 884 99 129
Email: p.roessner@aon.at
Web: www.petra-maria-roessner.at

Ausstellungen:
2003 Gemeinschaftsaustellung in den Blumengärten Hirschstetten
2004 “Poetische Protokolle” für “Spirit in Business”, Haus der Industrie
2004 Buchpräsentation “Anima Magna”, Dom- und Diözesanmusuem Wien
2005 “E = v.olution² ”, Kunststall Hatzenbach
2005 “SynEnergie!”, Technisches Büro Pippan
2006 Einrichtungshaus DOMUS
2006 Interaktives Blumenornament, Blumengärten Hirschstetten
2008 Gemeinschaftsausstellung „Wasserlichtung“, Alte Schieberkammer
2008 Praxis Dr. Andreas Braunsteiner
2009 Zahnarztordination Dr. Ilse Fürst
2010 „Das Gute Laune Bestiarium“, Therapiezentrum Gersthof
2013 „Fabula“, IIASA-Galerie Schloss Laxenburg (mit Paivi Vähälä)
2014 Niederösterreichische Tage des offenen Ateliers, Hatzenbach

Ein Artikel von Katerina Teresidi

Heilsame Lebendigkeit – Im Staunen über die Schöpfung schöpferisch sein

Das Wunder der Schöpfung und der Natur zu erforschen, es im spielerisch-kreativen Schaffen selbst zu erleben, und dann auch darüber zu kommunizieren – das sind die Beweggründe für das künstlerisches Schaffen von Petra Maria Rössner.

Ihre bevorzugte Maltechnik ist die Eitemperamalerei. Aus Ei, Wasser, Leinölfirnis, Nelkenöl und Farbpigmenten mischt sie ihre Farben selbst. Mit dieser Maltechnik können unterschiedliche Konsistenzen der Farbe erzeugt werden, von der Durchsichtigkeit der Aquarellfarbe bis hin zur schweren Dichte einer Ölmalerei. Dies ermöglicht es, Farbschichten unterschiedlicher Gewichtung übereinander zu legen und so eine Tiefenwirkung im Bild zu erzeugen. Diese alte Maltechnik, die vor allem für die Ikonenmalerei eingesetzt wurde, fasziniert vor allem durch ihre außergewöhnliche Leuchtkraft und den seidenmatten Glanz der Farben.

In ihren Bildern oszilliert die Künstlerin in zwischen den Welten der sichtbaren Realität und ihrer Traumwelt – wie das Ei und die Farbpigmente mischen sich auch diese beiden Welten. Während des Malens wird das Leben zum Märchen und das Märchen lebt, wie dies auch Bildzyklen „Vitalquadrate“, „Fabula“, „Cosmic Champagne“ und „Waldweitwundern“ zeigen. Ihrem künstlerischen Zugang hat die Künstlerin den Namen „Art im Dienst“ gegeben.
„Die Möglichkeit der Verwechslung dieses Namens mit ‚Arzt im Dienst‘ finde ich durchaus wünschenswert, weil dadurch verdeutlicht wird, dass Kunst auf der geistigen Ebene tatsächlich heilend wirken kann.“

Petra Maria Rössner, 1966 geboren, lebt und arbeitet in Wien.

www.artimdienst.at

Rauch Anita

Geboren und aufgewachsen in Wien, nach der Matura beginne ich ein Dolmetschstudium, heirate und  gründe  eine Familie mit 4 wunderbaren Kindern.  Ich arbeite in unserem Handelsunternehmen und versuche neben dem trockenen Beruf im Büro und der Großfamilie meine Kreativität zu entfalten.

So komme ich nach vielen Jahren zum Aquarellmalen. Auch wenn ich die Technik erlerne und ganz passable Bilder male, habe ich immer das Gefühl nur zu reproduzieren – meinen Bildern fehlt die Seele.

Bald entdecke ich, dass das Spiel mit der Farbe den größten Spaß macht und beginne andere Techniken  wie Acryl, Wachs, Rost und Pigmente auszuprobieren.

Besonders inspiriert bin ich von Alfons Walde und Wassily Kandinsky deren Technik des Reduzierens mich vom Gegenständlichen wegführt, bei August Macke und Max Weiler sind es vor allem die Farben, die mich ansprechen, die mich das Eigene entdecken lassen und mich an die eigene Umsetzung heranführen.

Viele Kunstkurse in Österreich,  Italien und Deutschland folgen und schließlich die Ausbildung zur ganzheitlichen Kunsttherapeutin an der Akademie für Kunsttherapie.

Immer mehr lasse ich Farben nach Stimmung kommen, immer größer wird die Lust  zu experimentieren. Einmal ist es die Sehnsucht nach Leichtigkeit, nach loslassen, zulassen oder finden, dann wieder nach überdecken und doch nicht  zudecken. So kann es sein, dass mein Bild von heute bald  in ganz anderer Stimmung übermalt wird. Die entstandene Patina deckt nur scheinbar zu, es bleibt die Ahnung von dem was war. Möglichkeiten für den Betrachter bleiben offen, eröffnen neue Wege, lassen erahnen und das Eigene wiederfinden.

www.anitarauch.com/

Ein Artikel über die Künstlerin geschrieben von Katerina Teresidi:

Der Weg zum Selbst

Nach ihrem Dolmetschstudium und der Arbeit im eigenen Handelsunternehmen hat die Mutter von vier großartigen Kindern den malerischen Impulsen Wassily Kandinskys und den Lichtspielen Alfons Waldes ihr Herz geschenkt, woraufhin sie eine Ausbildung zur ganzheitlichen Kunsttherapeutin in Begleitung von zahlreichen Kunstkursen in Österreich, Deutschland und Italien, sowie Aufenthalten in Sommerakademien absolvierte.

Dank ihren vielfältigen Erfahrungen auf der Suche nach sich selbst hat die Künstlerin Anita Rauch in ihren Gemälden ihre ganz persönliche Balance zwischen Form und Farbe hergestellt. Den damit einhergehenden sinnlichen Zugang versucht sie nun als Kunsttherapeutin Anderen zu vermitteln.
In ihren haptischen Malereien stellt sie das Empfinden von Tiefe oder Leere dar, stellt das Gefühl von Freude her, lässt den Blick des Betrachters in unsichtbaren Meereswogen schaukeln oder am Ufer ihrer Seelenlandschaft wandern.
Mit ihren Arbeiten lädt sie den Betrachter in ihre eigene Welt ein, gibt den Blick frei auf ein zeitloses schöpferisches Dasein, welches unabhängig von Raum und Zeit zu existieren scheint, eigenständig und ungebunden. Malerei ist wie Meditation, ein Werkzeug zur Entdeckung dieser inneren kreativen Energien, die den Menschen immanent sind und nur darauf warten, heraus zu sprudeln, wenn man ihnen die Erlaubnis dafür erteilt, oder bereit ist, die inneren Blockaden loszulassen.

Sinnliche Kommunikation

Mit Bedacht arbeitet die Künstlerin bewusst mit ihren Emotionen und setzt verschiedene Materialien und Farben ein, um ihr Empfinden durch die sinnlichen Kombinationen präzise zu visualisieren. Das deutliche Wahrnehmen der inneren Prozesse im eigenen Selbst ist bei dieser Vorgangsweise essenziell und wegweisend. Erst ihre unverfälschte Wiedergabe macht einen sinnlichen Kommunikationsraum auf, der das Kunstobjekt als solches übersteigt und am Verstand vorbei, sich mit dem Unbewussten des Betrachters in direkte Verbindung setzen kann. Genau das ist auch das Ziel der Künstlerin: zu berühren.
Der Ansatz der ganzheitlichen Kunsttherapie ist es, alle Sinne anzusprechen, um mit ihrer Hilfe zur Selbsterkenntnis zu gelangen – in Anlehnung an diese Philosophie entwickelt sich die Künstlerin Anita Rauch beständig weiter, indem sie sich von ihren Visionen den Weg zum nächsten Werk weisen lässt.

www.anitarauch.com

a jouney to nyc_timless_rp

Primus Regina

a jouney to nyc_timless_rp
a jouney to nyc_brooklinbridge_rp
a jouney to nyc_streetlife_rp

r e g i n a p r i m u s

ich bin autodidaktin und nach C.G. Jung -„werde, die du bist“- sehe auch ich meine künstlerische arbeit als prozess.

meine bilder sind meist farbenkräftig und abstrakt.
meine fotografien sind reisen nach innen und nach außen.

www.regina-primus.at
contact@regina-primus.at

p h o t o g r a p h y

Mit 18 jahren fand bereits die erste intensivere auseinandersetzung mit dem medium fotografie statt.
Jetzt befasse ich mich mit den möglichkeiten der digitalen fotografie und bildbearbeitung.
mein interesse gilt der verschiedenen sichtweisen. mein schwerpunkt liegt auf der verfremdung und der interpretation der „realität“.

e i n e k ü n s t l e r i s c h e v i t a

2016: fotografien, kunstprojekt
2015: fotografien, silber- u. goldschmiedearbeiten
2013 – 2014: fotografien, acryl, silber- u. goldschmiedarbeiten, künstlerInnengruppe plakARTiv
2011 – 2012: fotografien, acryl, silber- u. goldschmiedearbeiten
2009: dipl. mal- u. gestaltungstherapeutin, lehrauftrag „kreative techniken“ mgt-institut in linz
2008: linolschnitt, ölmalerei
2005: mal- u. kreativtrainerin
2002: gouage, acryl auf papier u. leinwand
1995: digitale bildbearbeitung, fotografie
1992: fotoentwicklung schwarzweiss
s e i t 1986: beschäftigung mit verschiedenen techniken u. materialien

v e r ö f f e n t l i c h u n g e n e x h i b i t i o n s

2014: austria trend hotel böck, brunn am gebirge; schloss tribuswinkel tribuswinkel,
2013: freihaus wien, badner trabrennbahn, 50 jahre kvhs wien, austria trend hotel böck, gruppenausstellungen
2009: dark-green gmbh, einzelausstellung mödling
2006: dark-green gmbh, logoimpressionen
2005: t-mobile: bring your art mitarbeitertag 1.platz
2003: weinettikett „hot lips“ weinbau heinrich unger, tadten austria

v o r 2000: veröffentlichungen von fotografien; fotoworkshops in sozialprojekten

Phelan Tom

Tom Phelan ist ein renommierter irischer Druckgrafiker.

Nach Abschluss der Kunstakademie in Dublin und einem Meisterkurs in Florenz perfektionierte er seine Arbeit als Meisterdrucker im Graphic Studio Dublin, einer der besten Grafikwerkstätten der Welt, in dem er fünfzehn Jahre tätig und drei Jahre lang auch als Studio-Manager beschäftigt war. Dort kollaborierte er unter anderem mit namhaften Künstler wie A.R. Penck, Barry Flanaghan, John Latham, Louis Le Brocquy, Michael Farrell, Tony O’Malley und Felim Egan. Die Liste der Ausstellungen, an denen er teilnahm, reicht von Europa über Asien bis nach Nordamerika. Seine Werke wurden unter anderem in der irischen Nationalgalerie sowie in einer Sonderausstellung der Uffizien in Florenz gezeigt.

Als einem der führenden Meisterdrucker seiner Generation in Irland wurde dem Künstler kürzlich ein Kapitel im Buch „Ink Stained Hands, History of Irish Print Making and the Graphic Studio Dublin” (von Brian Lalor) gewidmet.

Der Künstler lebt seit zehn Jahren in Wien, wo er sein Können nun auch auf dem Bereich der Malerei demonstriert und seine eigene Grafikwerkstatt, Black Spot Press, eröffnet hat. Seit drei Jahren unterrichtet er auch an der Kunstschule Wien, wo er die Druckgrafikabteilung leitet.

www.tomphelan.eu

zwei Möwen über dem Wasser

Oliveira Claudia

zwei Möwen über dem Wasser
Plantschendes Kind im Meer
zwei gelb leuchtende Tauben auf rosa-blau
rothaarige Frau vor pinkem Hintergrund

In Arbeit „Wenn ich einen Gegenstand male oder ein Tiere, ist es etwas ganz anderes, was ich zeigen möchte. Nicht die Sache oder das Tier an sich möchte ich darstellen. Eine Stimmung, ein Gefühl, ausgedrückt durch eine zusätzliche visuelle Ebene. Die möchte ich einfangen und wiedergeben. Ich möchte in meinen Bildern Momente darstellen. Momente der Freude, der Hoffnung oder der Einsamkeit. Ich interpretiere Augenblicke des Lebens wie ich sie sehe.“

  • geboren in Wien
  • studierte Kunstgeschichte an der Universität Wien
  • lernte Malerei, Grafik und Druckgrafik an Kunst VHS
  • Besuch an der PH Wien und Auslandssemester in Barcelona
  • Anstellung als Lehrerin
  • Malkurse bei Stefan Nuetzel, Judith Grosser, Anton Petz, etc.
  • Illusionsmalerei bei Beate Wagner
  • Ölmalerei bei Geraldine Blazejovsky
  • Illustrationsausbildung bei Illuskills
  • seit 2017 regelmäßige Ausstellungen
  • lebt und arbeitet in Wien

 

Ausstellungen:

2019

Kunst zu Recht, Wien

Highlight, Art Hotel, Wien

Ega Frauen Kunst Award, Wien

Künstlerhaus 1050, Wien

Gegengleich (gemeinsam mit Carina Edler) – Art Hotel, Wien

2018

Das hässliche Entlein – Art Hotel, Wien

Gruppenausstellung der Galerie KRAS, Wien

Momente (Einzelausstellung) – Art Hotel, Wien

Mein bestes Stück – Art Hotel, Wien

Mein Wieden – mein Wien, Bezirksamt Wieden, Wien

2017

Bezirksfestwochen, Bezirksamt Margareten, Wien

Witz, Gruppenausstellung des ip-Forum, Wien

 

CLAUDIA OLIVEIRA         –  KONTAKT                                      

Website:    www.claudiaoliveira.at/

Facebook:  www.facebook.com/claudiaoliveirawien

Instagram: www.instagram.com/claudia.oliveira.wien/

E-mail:        oliveira@gmx.at

Ein Artikel von Katerina Teresidi

Die visualisierte Leichtigkeit des Seins

Claudia Oliveira widmet sich bevorzugt in Öl dem zeitgenössischen Realismus, dabei beschäftigen sie Ebenen, die mit freiem Auge oder mit der Kameralinse nicht erfassbar sind, welche sich jedoch eigens von ihrem künstlerischen Einfühlungsvermögen erschließen lassen. Diese Ebenen können Stimmungen, Gefühle oder eine absurde eigene Realität beinhalten, die bestenfalls durch konstruierte lebensnahe Situationen zur Geltung kommt, welche die Künstlerin im Zuge ihres Schaffensprozesses herstellt. Der Bildtitel als Teil des Werks gibt oft Hinweise auf eine persönliche Geschichte, deren Ausschnitte im Gemälde visualisiert werden.

Sosehr sich Claudia Oliveira auch von Stimmungen bei ihren Arbeiten leiten lässt, so bewusst versucht sie diese mit Leichtigkeit hinzunehmen, denn keine Stimmung im Leben sollte es Wert sein, dafür die innere Gelassenheit und Ruhe zu opfern, welche so eindrucksvoll in Claudia Oliveiras Arbeiten zur Geltung kommen. Gewissenhaft arbeitet die Künstlerin positive Blickwinkel heraus, aus denen die von ihr kreierten Realitäten sich verselbstständigen sollen.

Sehr oft entsteht die Idee zum Werk zwischendurch und mitten im Alltagsgeschehen – diese wird in schnellen Kritzeleien festgehalten, um anschließend im Studio in anspruchsvoller Malerei nach präzisen Vorstellungen der Künstlerin umgesetzt zu werden. Oft sind es fordernde Überlegungen zur Komposition, Farbigkeit und Lichtgebung, sowie der technischen Umsetzung der ursprünglichen Idee, die dem fertigen Werk vorangehen, welches erst in seinem finalen Stadium dem Publikum vorgestellt wird.

Insbesondere schätzt Claudia Oliveira die Arbeitsweisen von Peter Doig und Kristina Mésároš, die mit ihren stimmungsvollen Gemälden die Aufmerksamkeit der Betrachtenden in ihre eigens erschaffene Welten ziehen. Ihre Kompositionen erzählen Geschichten, beinhalten Dinge, Menschen und Tiere – auch Claudia Oliveira betrachtet die Erscheinungsformen der Außenwelt mit ihrer künstlerisch-immanenten Aufmerksamkeit, um diese anschließend in ihre visuellen Erzählungen hineinzuweben.

www.claudiaoliveira.at

Ofner Sigrid

Gigi . Sigrid Ofner

 sigridofner.at

 

Geboren in Wien, aufgewachsen in Mödling.

Seit 2016 Mitglied im Mödlinger Künstlerbund.

Malt und zeichnet meist mit Acrylfarben, aber auch mit Blei-, Graphit- und Buntstiften, Öl- und Pastellkreiden, Aquarell- und Gouachefarben.

Setzt sich in ihren Bildern mit Tieren, Menschen, Beziehungen, Gefühlen, Lebensumständen und dem daraus resultierenden Verhalten auseinander.

Ausstellungen:

  • Jahresausstellung des Mödlinger Künstlerbundes 2017

16. – 26. November 2017, Kunststation, 2340 Mödling

  • „Platz für alle“ im Rahmen der NÖ Tage der offenen Ateliers

14./15. Oktober 2017, Kunststation, 2340 Mödling

  •  „Kunst am Bach“ im Rahmen der Mödlinger Kulturtage 2017

9. September 2017, Bachpromenade, 2340 Mödling,

Enthüllung des Bildes „ecce animalia: Eidechse“ von Gigi . Sigrid Ofner

  • „Mödlinger Menschen miteinander“ im Rahmen der Mödlinger Kulturtage

9. September 2017, Kunststation, 2340 Mödling

  • „EINHEIT der VIELFALT“ Gemeinschaftsausstellung

7. April – 1. Mai 2017, Kunsthaus Laa im Bürgerspital, 2136 Laa/Thaya

  • Einzelausstellung im Rahmen der Veranstaltung „Gegen Gewalt an Frauen“

1. – 28. Dezember 2016, Galerie Sala Terrena, 2340 Mödling

  • Jahresausstellung des Mödlinger Künstlerbundes 2016

4. April – 1. Mai 2017, Kunststation, 2340 Mödling

  •  „EINSICHT“ Einzelausstellung

21. – 30. Oktober 2016, Kunststation, 2340 Mödling

Ein Artikel von Katerina Teresidi:

Form als Inspirationsquelle

Sigrid Ofner bewegt sich in ihrem künstlerischen Schaffen von der Körperlichkeit der Figur zur gegenständlichen Abstraktion, wobei sie Ihre Motive in der Gesellschaft, in Tieren und in Objekten des alltäglichen Lebens findet. Neben Acryl auf Leinwand bedient sich die Künstlerin gerne auch Gouachefarben, Blestift und Kreide, wobei sie gelegentlich auf Rindenstücke als Untergründe zurückgreift.

„Meine Kunstobjekte entstehen, wenn mich Gegenstände durch ihre Form inspirieren. Ergänzt durch weitere Materialien oder Objekte und bemalt werden sie zu etwas Neuem, Eigenständigem oder bilden das Gegenstück zu einem gemalten Werk.“
Glücklicherweise, wie die Künstlerin selbst sagt, ist sie als Autodidaktin stets auf Kunstlehrende gestoßen, die ihr viel beibringen konnten und sie darin bestärkten, ihren eigenen Weg zu gehen, was zur Herausarbeitung ihrer ganz eigenen Form- und Gedankenwelt führte.

„Künstlerisch zu arbeiten bedeutet für mich Spannung und Entspannung. Entschlossenheit und sich treiben lassen. Einen Plan zu verfolgen und sich überraschen zu lassen. Das ernsthafte Auseinandersetzen mit Themen und Techniken, aber auch die Freiheit, einfach zu tun. Fürs figurative Malen ist es auch kein Nachteil, wenn man sich mit der Anatomie von Mensch und Tier ein wenig auskennt.“, sagt die studierte Biologin.
Indem die Künstlerin oft größere Teile der Leinwand unbemalt lässt, überlässt sie deren imaginäre Ausfüllung der Fantasie des Betrachters.

Als Mitglied der Berufsvereinigung der bildenden Künstler Österreichs und des Mödlinger Künstlerbundes und hat sie bereits an zahlreichen Ausstellungen im In- und Ausland teilgenommen.

www.sigridofner.at

Nemec Thomas

geboren 1958 in Wien, Auswanderung mit den Eltern nach Australien, 1965 Rückkehr nach Österreich

1977-86 nach abgeschlossener Kochlehre Besuch der Wiener Kunstschule

1998 Besuch der Meisterklasse Bildhauerei Gerda Fassel

1988 /90 /92 /94 Lehrtätigkeit an der Int.Sommerakademie Salzburg

Einzelausstellungen und Beteiligungen in Wien, Salzburg, Innsbruck,

Berlin, Brüssel, Skopje, Budapest, Lyon, Madrid, Paris, Tokio, New York

Kunstmessen Wien, Salzburg, Innsbruck, Bratislava

Druckgraphikmessen Madrid und Paris

Druckgraphikbiennalen Varna, Bulgarien, Bitola, Mazedonien

Zahlreiche Kataloge und Veröffentlichungen

 

www.kleinegalerie.at/thomas-nemec

Ein Artikel von Katerina Teresidi

Expressiv zum Abreiben

„Kunst kann nichts verändern, außer einen selbst und vielleicht ein paar irdische Mitbewohner. Trotzdem ist Kunst alles andere als gut gemeint.“

Für Thomas Nemec muss ein Künstler zwangsläufig am politischen Geschehen teilnehmen, ohne jedoch dass Politiker das Recht hätten sich in die Kunstsphäre einzumischen. Thomas Nemec‘s Kunstsphäre erstreckt sich über alles Landschaftliche und Tierische bis hin zum Menschlichen mit einer früh entdeckten Vorliebe zu weiblichen Attributen. Dabei arbeitet der Künstler unermüdlich in seiner persönlichen Art von Manischem Realismus, der an Sucht grenzt, wobei bei längerer Abstinenz mit Entzugserscheinungen zu rechnen wäre.

Beständig jagt er seinem imaginären Idealbild nach, welches zu erreichen für ihn zugleich beglückend und erschreckend wäre, da dies das Ende des künstlerischen Strebens mit sich bringen würde. Angetrieben wird er von seiner permanenten Malwut, zahlreichen unfertigen Bildideen und der kindlichen Lust, die eigenen Arbeiten immer wieder zu zerstören.

Mit dem Beiklang von Max Beckmann taucht der 1958 geborene Wiener mit starkem expressiven Duktus in die Tiefen der menschlichen Empfindungen ein und stellt diese figurativ mithilfe seiner Radierungen, Zeichnungen und Malereien auf Leinwand den Betrachtern entgegen, auf dass sie sich daran abreiben mögen. Nüchterne gedämpft-dunkle Farben wechseln sich in den Werken des in China, USA und Japan ausstellenden Künstlers und Assistenten von Georg Eisler auf der Sommerakademie Salzburg serial ab.

www.kleinegalerie.at/thomas-nemec

Bild in Gelb-Rot-schwarzgrau mit dem Schriftzug Liebe

Mo Moschner Sigrid

Bild in Gelb-Rot-schwarzgrau mit dem Schriftzug Liebe
3 Bilder in blau und grün im Liftraum

 

1050 Wien  ●  4050 Traun
Tel.  +43-676-9505 774
sigrid.mo.moschner@gmail.com

 

Zur Person

  • Österreichische Weltenbürgerin seit 03. Juli 1964
  • Betriebswirtin mit kreativer Ader -> Kunst ist mein Parallel-Leben

Abstrakte Arbeiten in Acryl & anderen Materialien / Mischtechnik

  • Acrylbilder abstrakt
  • Porträts in selbst entwickelter „MO-Sand-Struktur-Technik“
  • Körperstudien in selbst entwickelter „MO-Sand-Struktur-Technik“
  • MO-Design = Handgebundene Bücher, Kunstbillets, Weihnachtskarten, Geschenkboxen usw.
  • MO-PET-Club = Pflegeleichte Haustiere auf Folie und in Holzkörpern
  • MO-Fan-Club = Fächer der besonderen Art
  • Wandgestaltung im Innen- & Außenbereich
  • Acrylglas-Werke – auch mit„MO-Sand-Struktur-Technik“ für den Innen- & Außenbereich
  • Objekte in Acrylglas und anderen Materialien

 

Multimediales Kreativ-Training

Basis bzw. Ausbildung

Textil-künstlerische bzw. malerische Ausbildung zugunsten einer profaneren, d.h. betriebs-wirtschaftlichen Ausbildung hintangestellt – aber ganz ohne Ausbildung findet das künstlerische Schaffen allerdings nicht statt!
Das künstlerisch aktive Elternhaus hatte selbstverständlich viel Anteil an der Entwicklung.

Diverse Kurse in der Jugend und ein spezielles Malseminar auf der Insel Rab unter der Leitung von Prof. Otte (Salzburg), aber vor allem die intensive Auseinandersetzung mit moderner Malerei & Kunst haben außerdem ihre Spuren hinterlassen.

Entscheidende Entwicklungsschritte lassen sich vor allem durch Intensiv-Sommer-Workshops in den Jahren 2007 + 2008 + 2011 + 2013 im Piemont bei Prof. Erwin Gross (Professor an der Kunstuniversität Karlsruhe, D) erkennen.
Zudem erweitern diverse Kurse und Seminare (wie z.B: Alte Handwerkskunst Buchbinden, 2010; Aktzeichnen Akademie Geras, 2012) den Umgang mit Techniken und Materialien.

Ausbildung zur Multimedialen Kunst-Therapeutin in progress (2014 – 2016):
März 2015 :                  Abschluss 1. Stufe: Kreativ-Trainerin

Zusätzliche Aktivitäten:

  • Kunst andere:          Unterstützung anderer Künstler (in Organisation + Sponsoring)

                                    bescheidene eigene Sammlung

  • Kunst passiv:           genießen & immer Neues entdecken
  • Schauspiel:              Nicht unerwähnt bleiben sollte der Ausflug auf die Bühne:

                                    In der Eigenproduktion „What’s Up“ des Jahres 2002 des Theaters im
                                    GUGG in Braunau mimte MO eine „rasende Reporterin“.

Ausstellungen / Events

  • Private Vernissage zum eigenen Geburtstag 2006
  • Premieren-Vernissage 2007 in der Musikschule St. Martin im Innkreis unter dem Titel „Klangbilder zur Verschlungenen Geradlinigkeit“ mit der Big-Band des Musik-BORG Ried
  • Ausstellung 2007 im Lory Hof (Eventheuriger) in Wippenham/Innviertel
  • 2 MO-Bilder (je 70x90cm) zur Versteigerung bei der H+H Charity „Art & Rock“ 2007 in Grieskirchen/OÖ für SOS Kinderdorf im Mühlviertel
  • MO-Bild „Zeitwende“ (80x120cm) zur Versteigerung bei der H+H Charity „Emotion“ 2008 in Grieskirchen/OÖ für das Kumplgut in OÖ (Erlebnisferien für krebskranke Kinder)
  • ACS VIENNA Vernissage 2008 (jährlicher Firmen-Kundenevent mit Vernissage) gemeinsam mit Künstlerhaus-Mitglied Ernst Zdrahal
  • Vernissage/Präsentation unter dem Titel: „FEUER im HERZEN“ am Valentinstag 2009 im Schloss Mühldorf/OÖ (mit Galadinner)
  • ACS VIENNA Vernissage 2009 gemeinsam mit Hans Dietrich (neoDietrich231): Präsentation einer MO-Komponisten-Porträtserie
  • MO-Bild „Afrika.Augen.Blick“(60x80cm) zur Versteigerung = Spende für Tera-Vienna-Charity-Gala „Licht für Afrika“ im Casino Baden 19.11.2009
  • Tera Vienna Abend-Vernissage mit 5 weiteren Künstlerinnen im Fitness-Studio Femme in den Ringstraßengalerien Wien am 16.06.2011
  • Tera Vienna Ausstellung im Hotel Donauwalzer, Wien mit einer Künstlerkollegin – Vernissage am 15. September 2011
  • Galerie Spielraum, Kapellerfeld: „Outdoor-Präsentation“ im Rahmen der „NÖ-Tage der offenen Ateliers“ am 15. + 16. Oktober 2011: großes Acrylglas-Werk mit Installation im Freien
  • ACS VIENNA Vernissage 2011 Einzelausstellung: MO-SandStruktur-Porträts + -Körper + -Abstrakt plus „MO-Artworx“
  • FALK-ART Oster-Ausstellung „Das Ei – der etwas andere Ostermarkt“ in der Kellergasse in Falkenstein, NÖ mit einigen KünstlerkollegInnen – 31. März + 1. April 2012
  • Tera Vienna Ausstellung im Casino Baden mit einigen Künstlerkolleginnen – Vernissage am 10. Mai 2012
  • Make-A-Wish 15-Jahre-Jubiläumsgala in den Börsesälen, Wien am 28. April 2012 – Versteigerung eines MO-Porträts zugunsten von Make-A-Wish
  • Galerie Spielraum, Kapellerfeld: „Outdoor-Präsentation“ im Rahmen der „Sommer-Vernissage“ am 23. Juni 2012: großes Acrylglas-Werk, Poseidon & Amphitrite auf Acrylglas, MO-Blumensterne und Gartenkunst mit Installationen („MO-Artworx“) im Freien
  • Galerie Spielraum, Kapellerfeld: „Outdoor-Präsentation“ im Rahmen der „NÖ-Tage der offenen Ateliers“ am 13. + 14. Oktober 2012: Installationen im Freien plus „MO-Artworx“
  • WeihnachtsQuartier 2012 im MQ, Wien: Acrylglas-Werke „MO-Artworx“ beim DesignMarkt 30.11.-02.12.2012
  • Mal-Workshops: Einführung in die „MO“-Technik jeweils am 28. + 29.11.2012
  • Haschahof, 1100 Wien: MO-Geschenk-Ideen & „MO-Artworx“: Weihnachten 2012 + Ostern 2013
  • Galerie Zebralabor, Burggasse, Wien: „Tagträume 3“ (Gemeinschaftsausstellung): 13.06.2013
  • Galeriebeisl Kanderl, Kundmanngasse, Wien: zwei Gemeinschaftsausstellungen Frühjahr & Herbst 2014
  • Haschahof, 1100 Wien: MO-Geschenk-Ideen, MO-FANs & „MO-Artworx“: Ostern 2014
  • Künstlermärkte in Hernals: Kalvarienberg Ostern 2014; Montmartre Dornbach Juni 2014, Annenkirtag Juli 2014
  • ACS VIENNA Vernissage April 2014 Einzelausstellung: EINruck – ABdruck – AUSdruck = Architektur in Malerei umgesetzt: MO-Konzept-Arbeiten aus den Jahren 2008 – 2013 plus UNIVERSE & SCIENCE = abstrakte Arbeiten
  • PAINTING on the STREET: 8 KünstlerInnen gestalten 10m Leinwand im Rahmen des 1. Wiedner Hauptstraßen-Festes, August 2014
  • Schloss Wilhelminenberg: Gemeinschaftsausstellung September 2014: 2 Götter auf Arylglas
  • PARALLELAKTION im Kunstraum/RingstraßenGalerien, 1010 Wien: Gemeinschaftsausstellung im Oktober 2014 plus November 2014: MO-Portraits & MO-Bodies

Die Zielsetzung:
Die Malerei soll selbst Spaß machen – und der Betrachter soll Freude mit MO-Werken haben!

Getreu den Sprüchen zweier Künstler:
Paul Klee:
Kunst gibt nicht das Sichtbare wieder – Kunst macht sichtbar.

Jörg Steiner:
Ein Bild ist nicht das, was es abbildet – es ist eine Wirklichkeit für sich ….

Molinski Lidia

Lidia Molinski, Mag. art.

01 ORF „Kunst-Stücke“, zeitwenden_zeit wenden, Visionen zum Jahr 2068, Projekt „Quidditas“; 03/04 Stipendium PREMIERE, Universität für angewandte Kunst in Wien; 09 Kunstpreis der Stadt Pöchlarn, Grafikerreich

Benefizauktionen: KunstPlatz Rotenturmstraße ORF„Licht ins Dunkel“, Dorotheum; Wiener Künstlersoiree zugunsten Europahaus Pulkau- Hotel Marriott; Mobiles Caritas Hospiz- Dorotheum, Wien; ORF Humanitarian Broadcasting(Licht ins Dunkel is calling); 09 Benefiz-Kunstauktion zugunsten des Vereins neunerHAUS – Domenig-Haus Galerie, Wien; 09 Benefizversteigerung für „Licht für die Welt“, Casino Baden, Österreich

Zahlreiche Einzel- und Gruppenausstellungen

Kontakt:

www.lidiamolinski.com

lidia.molinski@yahoo.de

(00)4369919205548

Ein Artikel über die Künstlerin von Katerina Teresidi:

Intimität und weibliche Sexualität

Nach ihren Studien der Physik, Betriebswirtschaft, sowie dem Magisterdiplom für Ökonomie an der Maria Curie-Sklodowski Universität in Lublin, Polen, dem anschließenden Studium für Kunsterziehung an der Akademie der Schönen Künste in Polen, sowie dem Studium der Malerei und Grafik bei den Professoren Wolfgang Hutter und Wolfgang Herzig an der Universität für angewandte Kunst in Wien, arbeitet Lidia Molinski von Wien aus an ihrer künstlerischen Laufbahn. Neben zahlreichen Ausstellungen, Benefizauktionen und Projekten im öffentlichen Raum gewann die Künstlerin zahlreiche Stipendien und Preise, unter anderem ORF Wettbewerb „Kunst-Stücke“(Gruppen Projekt Quidditas), den Kunstpreis der Stadt Pöchlarn, sowie die „Goldene Eule“(„Polonijny Oskar“) in der Sparte Visuelle Kunst.

In Ihren Arbeiten behandelt Lidia Molinski Themengebiete wie die weibliche Sexualität und Mutterschaft, sie fertigt menschliche und tierische Körperstudien an und widmet sich der zwischenmenschlichen Intimität. Ihre großformatigen Grafiken und Gemälde finden eine breite Ausstellungsbühne in zahlreichen österreichischen und internationalen Galerien und Museen.

www.lidiamolinski.com

List Manfred

www.manfredlist.com

+43664 2863057

 manfredlist@gmx.at

Ich lebe und arbeite in Wien. Als visueller Künstler arbeite ich mit Acryl und gemischten Medien. Während ich im Laufe der Jahre mit verschiedenen Themen experimentiert habe, bleiben meine Arbeiten konstant in Technik und Stil. Wiederkehrende Bildmotive sind Maschinen und Fahrzeuge, sowie Musiker und Musikinstrumente. Als Maler habe ich mich dem Realismus gewidmet.

I am a visual artist living and working in Vienna. I work with acrylic and mixed media. While exploring various series of works over several years, my paintings reveal a consistent handling and individual style. Recurring themes are machines and vehicles, as well as musicians and music instruments. As an artist I have stayed true to 

Ein Artikel von Katerina Teresidi – www.teresidi.at

Künstlerischer Antrieb: Maschinen und Fahrzeuge

Mit Acryl, Mixed Media, Farb- und Pastellstiftzeichnungen kreiert der Künstler Manfred List seinen farbenträchtigen Pop-Up-Realismus.

Sein Stil zeichnet sich dabei aus durch den Vorzug des Strichs gegenüber der Fläche. Mithilfe der Verwendung von viel schwarzer Farbe im Kontrast zu knallig bunten, teils beinahe fluoriszierenden Farben setzt er diesen als Abgrenzung und Schatten in seinen Gemälden ein.
Dadurch entsteht ein hoher Kontrast, welcher die figurativen Darstellungen in der Pop-Up-Manier flach erscheinen lässt, worauf der Künstler einen hohen Wert legt. Einige seiner Gemälde erscheinen durch diese Vorgangsweise wie geschnitzt. Dabei geht er gerne ins Detail. Akribisch beobachtet er sein Motiv und gibt dieses in vollem Farbenreichtum wieder.

Die Motive stehen bei Manfred List stets im Vordergrund. Im Laufe der Zeit haben sie sich auf bestimmte Themen eingependelt. Angefangen mit alten VW-Bussen und Motorrädern, Musikplattencovern der 60er und 70er Jahre, den Musikern selbst mit ihren Instrumenten, sowie Tieren, umkreist der Künstler heute zunehmend aktuelle Ereignisse und verarbeitet seine Beobachtungen mithilfe der Malerei.

Konstruktives Arbeiten

Schon als Kind hat Manfred List gerne gezeichnet – diese Tätigkeit erfüllte ihn mit Ruhe und innerem Frieden. Seitdem experimentiert der Künstler beständig mit neuen Techniken und Ideen. Nicht immer gelingt es ihm, diese nach seinen Vorstellungen umzusetzen, jedoch empfindet er eine tiefe Dankbarkeit während der Beschäftigung mit Malerei, welche ihm eine positive Sicht auf die Welt und somit eine konstruktive alltägliche Handlungsweise ermöglicht. Sollte er mit diesem Vorgehen auch nur einem Menschen als positives Vorbild dienen, betrachtet er sein Streben als erfüllt.

www.manfredlist.com

Lettner Edith

Die Musikerin, Komponistin und Malerin Edith Lettner präsentierte ihre Werke seit 1981 in zahlreiche Ausstellungen im In- und Ausland.

Als vielseitige Saxophonistin tritt sie international mit unterschiedlichen Ensembles auf und in Performances mit Live-Malerei und Musik verknüpft sie ihre beiden Leidenschaften. Viele ihrer Werke wurden für CD-Covergestaltungen verwendet meist für die Veröffentlichung von Aufnahmen, bei denen sie musikalisch mitwirkte.

Prägend für ihren künstlerischen Werdegang waren ihre zahlreichen Aufenthalte in West- und Nordafrika, Armenien, Kanada und immer wieder New York.

In ihren Farb- und Linienkompositionen, die u.a. von ihrem musikalischen Wirken beeinflusst sind, kommt ihre Faszination an starken Emotionen, Energie, Bewegung, Entwicklungs- und Wachstumsprozessen in der Natur, in zwischenmenschlichen Beziehungen, sowie der menschlichen Persönlichkeit zum Ausdruck.
Diese Bilder entstanden über drei Jahrzehnte hindurch durch schrittweise Improvisation- einem forschenden Prozess bei dem sich das Streben nach Spannung und Harmonie die Waage halten.
Manchmal sieht dem Betrachter eine Ahnung von Blüten, Früchten und Körpern aus ihren Bildern entgegen.

2018 kam dann in ihrer Malerei die große Wende: plötzlich überraschte sie sich selber mit dem Bedürfnis wieder konkret zu malen. Seit dem malt sie hauptsächlich in Richtung Realismus gehende Szenen und Motive und surreale Geschichten. So kann sie ihre Beobachtungen von Menschen in bestimmten Situationen, ihre Beziehungen untereinander, sozialkritische Themen und ihre Liebe zur Natur direkter ausdrücken.

Deutsch/ English/ Francais

EDITH LETTNER wurde 1964 in Linz geboren und nach der Matura wurde Wien zum Zentrum  ihrer Tätigkeit als freischaffende Musikerin und Malerin.

Seit 1983 machte sie zahlreiche Ausstellungen im In- und Ausland und Malerei-Performances mit Jazzmusikern. Als Saxophonistin ging sie bei Leo Wright, Manfred Balasch and Herwig Gradischnig in die Lehre und sie nahm Unterricht in Jazztheorie bei Uli Scherer.

Neben Jazz beschäftigt sie sich intensiv mit orientalischer und afrikanscher Musik und spielt das armenische Blasinstrument Duduk. 2005 gründete sie ihr eigenes Ensemble freemotion (jazz & more) und 2010 das Projekt African Jazz Spirit.

Sie arbeitet immer wieder mit MusikerInnen aus anderen Kulturen zusammen, was für sie eine wichtige Erweiterung ihres künstlerischen sowie ihres sozialen Horizonts bedeutet und dazu beiträgt, dass sie auch im Jazz einen sehr eigenständigen Stil entwickelt. Sie wirkte in zahlreichen Ensembles, live und bei CD- Aufnahmen mit.

Ihre Kompositionen wurden auf einigen CDs veröffentlicht und Edith Lettner komponierte auch Theater- und Filmmusik.

Sie hielt sich einige Male in Senegal auf, um mit einheimischen Musikern zu spielen, zu malen  und  ihre Bilder dort auszustellen. 2004 rief sie ein künstlerisches Sozialprojekt in der Schule eines Dorfes im Norden Senegals ins Leben.

EDITH LETTNER was born in Linz 1964. She has  lived and worked as free-lance musician and artist in Vienna since 1983. Edith has had numerous exhibitions in Austria and abroad and  has created performance, combining action painting, dance and jazz improvisation.

She studied saxophone with Leo Wright, Manfred Balasch and Herwig Gradischnig and has taken lessons in jazz theory with Uli Scherer.In addition to jazz she has gotten deeply involved in Oriental and African music  and she plays  the Armenian reed instrument duduk.

In 2005 she formed her own group  freemotion (jazz & more) and 2010 African Jazz Spirit.

Her constant work and exchanges with musicians  from  allover the world has inspired her immensly,  extended her horizons  as an artist and an human being as well. Thus she developed a very unique style of jazz improvisation and composition. She has played  with many groups live and on recordings. Her compostions have been published on several CDs. Edith has also composed music for movies and theater.

She has gone  to Senegal several times to play with local musicians, to paint  and to exhibit her  art. In 2004 she initiated an art- project to help support a school in a village in Northern Senegal.

EDITH LETTNER est née à Linz / Autriche en 1964. Elle vit et travaille en tant qu’artiste et musicienne indépendante à Vienne depuis 1983. Elle a présenté ses peintures dans plusieurs expositions en Autriche, Allemagne, Suisse,Sénégal et a créé des spectacles en action painting, musique, et danse.

Elle a étudié le saxophone avec Leo Wright, Manfred Balasch et Herwig Gradischnig et la théorie du jazz avec Uli Scherer.

En complément du jazz, elle s’est plongée dans la musique orientale et africaine et elle joue du duduk : un instrument à vent arménien. En 2005, elle a formé son ensemble freemotion et en 2010 le formation African Jazz Spirit .

Sa collaboration constante et ses échanges avec des musiciens de diverses cultures l’ont énormément inspirée et ont contribué à la création de son style de jazz particulier. Edith Lettner joue avec plusieurs groupes de jazz et de worldmusic.

Ses compositions ont été enregistrées sur quelques CD et elle a fait des musiques de film et de théâtre.

Edith Lettner a été plusieurs fois au Sénégal où elle a joué avec les musiciens du pays et où elle a exposé ses tableaux. Si bien qu’en 2004, un projet de soutien pour l’école d’un village du nord du Sénégal est né.

Ein Artikel über die Künstlerin geschrieben von Katerina Teresidi:

Bewegte Vielseitigkeit

Asiatische Klänge aus dem Alt- und Sopran-Saxophon und Duduk (armenisches Holzblasinstrument), improvisierter Jazz und afrikanische Rhytmen, internationale Auftritte mit zahlreichen Musikern – ihre interkulturelle Arbeit zeichnet Edith Lettners künstlerische Vielseitigkeit aus. Ihre Jazz- und Weltmusikaufführungen in diversen Bands, wovon viele auf CDs erschienen sind, sowie Kompositionen für Film und Theater kulminieren 2005 in der Gründung ihres eigenen Ensembles „Freemotion“, sowie 2010 im „African Jazz Spirit Project“ in Senegal.

In der Malerei bedient sich die Künstlerin des Aquarells und Öls um ihre naturverbundenen und farbenfrohen Ideen zu visualisieren. Musik und Malerei verbindet sie in ihren zahlreichen Performances zu sich gegenseitig ergänzenden Zwiegesprächen auf der Bühne in Mitwirkung internationaler JazzmusikerInnen, was zu einer immerwährenden gegenseitigen Befruchtung der beiden Disziplinen führt. Gemeinschaftliches Musizieren bewegt die Seele und ihren Pinsel: in den letzen Jahren verschiebt sich der Fokus der Künstlerin auf die Darstellung zwischenmenschlicher Beziehungen, soziopolitischer Ungerechtigkeiten, sowie der zerstörerischen Einwirkung des Menschen auf seine Umwelt.
Die Künstlerin pendelt nach zahlreichen künstlerischen Ausstellungen im In- und Ausland, sowie Aufenthalten in Afrika und Armenien seit einigen Jahren zwischen Wien und New York.

edith-lettner.net

Blau rot weiß rosa Malerei

Lessel Jagoda

Blau rot weiß rosa Malerei
Malerei abstrakt bunt
Abstrakte Landschaft Malerei in bunt
Jogoda Lessel vor ihrem Werk

JAGODA LESSEL

Stolzenthalergasse 5/1/25,1080 Wien

www.jagodalessel.com

Jagoda Lessel, 1968 aus Serbien nach Wien gekommen, begann 1995 bei den Professoren Daniel Fischer, Anton Lehmden und Awad Krayem ihre malerische Ausbildung. Arbeiten von Jagoda Lessel vermitteln Energie und Lebenskraft. Sie setzen sich aber auch mit Schmerz und Leid auseinander, Erfahrungen aus Ihrem ursprünglichen Beruf als Physiotherapeutin.

Meine Liebe zu Farben und mein Wunsch kreativ zu gestalten ist die Motivation für meine künstlerische Arbeit. Ursprünglich ist der Mensch das zentrale Thema für mein Schaffen. Menschen hinterlassen Stimmungen, die durch Farben und Formen lebendig werden. Die Abstraktion ist meine bevorzugte Darstellungsweise. Eine bleibende Konstante stellt die ständige Veränderung in meiner Themenauswahl wie in der künstlerischen Ausdrucksweise dar .So wird das Experiment zum Werkzeug, um Neues zu entdecken „

Mitglied der Berufsvereinigung der Bildenden Künstler Österreichs sowie von der internationalen Künstlergemeinschaft arteMIX und Bild Recht

Seit 2009 pXc- Projekt Xchange Botschafterin der Integration.

Seit 1999 zahlreiche nationale und internationale Ausstellungen, letztere in Ungarn, Frankreich, Tschechien, Deutschland, Süd Korea (Seoul), Serbien, Italien, der Slowakei, rkei (Istanbul) Griechenland (Athen) Spanien und Belarus ( Minsk)

Nationale Ausstellungen Auswahl

Künstlerhaus Wien / Galerie „Die Ausstellung“, Stilgalerie, Kunstmesse, Budweis, Kunstmesse Graz, Kunstmesse Gmunden, Kunstmesse Salzburg, Kunstmesse Innsbruck, Wienerwaldmuseum Eichgraben, Galerie Alpha, Wirtschaftsmuseum Wien, Galerie Time, Ringstraßen Galerie „ Der Kunstraum“ 1010, Galerie im Turm / Baden, MAF ,Metropolitan Art Volkskundemuseum,1080, Galerie AKH, Berchtold Villa, Salzburg , Haus Wittgenstein, Bildungshaus St. Hippolyt, St. Pölten, Sparkasse, Horn, Art Galerie, Eggenburg und viele andere

1999 CD –Covergestaltung Philharmonisches Orchester / Rumänien,

Ankäufe im öffentlichen Raum:

Younion_Die Daseingewerkschaft“ ,1090 Wien

Sparkasse Horn

Sparkasse Rawelsbach

AKH Abteilung Medizinische, therapeutische und diagnostische Gesundheitsberufe

Schloss Jormannsdorf Burgenland

Med. Gesellschaft für Kontinenzhilfe, Österreich

Korneuburg Rathaus

CD –Covergestaltung – Philharmonisches Orchester – Satu Mare / Rumänien

Teilnahme an vielen Aktivitäten „ Kunst im Öffentlichen Raum“

Katalog –Jagoda Lessel 2018

Kataloge-Beteiligungen :

The17th Seoul International Art Festival 2009 „TOMORROW“ 21 ICAA,SEOUL

South Korea

KIS,10 Jahre Kunst Initiative Sievering, Eine Retrospektive 1998-2008,Wien,2009.

Kunst inBewegung,100 Jahre Berufsvereinigung der bildenden Künstler Österreich ,2012

AFF Jahrbuch 2012 Internationale Künstler der Malerei,Bildhauerei,digitalen Kunst, Fotografie,Grafik,Instalation und Schmuckkunst. Artist for Freedom,Baden-Baden Deutschland , 2012

International art view Vienna, 2.Kunst- kulturmesse Wien 2013 .Künstlerkooperative Kunstfabrik (Stadlau),Wien 2013

International art view Vienna, 2.Kunst- kulturmesse Wien 2013 .Künstlerkooperative Kunstfabrik (Stadlau), Wien 2014

19th international fair for contemporary art –antiques.ART Innsbruck,Österreich,2015 arteMIX Katalog,verein für zeitgenosischeKunst artMIX,Wien,Österreich,2015 und 2017 .

 

Ein Artikel über die Künstlerin geschrieben von Katerina Teresidi:

Grenzgängerin

Jagoda Lessels Malerei bewegt sich an der Grenze zwischen konkreten und abstrakten Inhalten. Persönlich Erlebtes, Erkanntes und Erschautes wird hier auf subtile Weise eingefroren in der Zeit, wie untermalte Gefühle, die von der Künstlerin farbenfroh in ihre Gemälde mit eingeflochten werden.

Bis zu ihrer Pensionierung arbeitete Jagoda Lessel im AKH Wien als Physiotherapeutin, wo sie sich neben der Krankenbetreuung auch in der Geburtsvorbereitung und Schwangerschaftsgymnastik engagierte. Die erste Ausstellung der Künstlerin fand 1999 ebenso im AKH statt. Die zwischenmenschlichen Kontakte, welche lange Zeit fester Bestandteil ihres Arbeitsumfeldes waren, lassen  sich anteilsweise in Jagoda Lessels Gemälden in Form von angedeuteten Figuren und versinnbildlichten Geschichten wiederfinden.

Die Kombination abstrakter und figurativer Motive und ihre malerische Verschmelzung miteinander öffnet die individuellen Arbeiten der Künstlerin für einen kollektiven Interpretationsspielraum, was den Betrachtern erlaubt ungezwungen ihre eigenen Sichtweisen und Inhalte darin wiederzuerkennen.

Vielseitige Inspirationsquellen

Die Motivwahl Jagoda Lessles ist breit gefächert und ihre Inspirationen bezieht die Künstlerin aus wechselnden Quellen, was sich in einer seriellen Arbeitsweise äußert. Straßen und Städte, Pflanzen und Tiere, Menschenansammlungen und die Darstellung von Zuständen und musikalischen Symphonien finden sich, ähnlich wie bei Kandinsky, ebenbürtig nebeneinander gestellt in ihren Gemälden.
Mal ruhiger, ein anderes Mal in durchkreuzten, expressiven Linien und Farbfeldern präsentiert sich ihr Duktus, welcher jedoch immer dieselbe Konstante aufweist: eine klare und kräftige Farbgebung.

www.jagodalessel.com

Lederbauer Monika

monika@lederbauer.com

mobile: +43 650 50 32 973

lederbauer.com

Born and studies (Dr.) in Vienna – living and working after an accident (97) exclusively as a fine artist with own studio since 2002 in Mödling nearby Vienna, Salzburg and Vienna.

Art Education:

Angewandte Uni Wien 2006 

Journeys to China for private studies 2006 und 2007.
International Summer Academy Salzburg (2005, 06, 07, 09)
Workshops with H.Brandl, D (08) und A.Rainer, A (09)
Awards: 2012: SAATCHI – London (UK) My Collage reached a place among TOP-10% of submissions internat
              2011 Honorary Diploma / IOSIF ISER-Intern. Contemp Engraving Biennial Exhibit.- Museum Ploiesti(RO)
              2010: 1.crossART-Kunstwettbewerb, Köln (D)
              2009: Nomination St. Leopold Friedensprice (A)
              2006: Hollfeld (D); 2005: „Déjà – vu“ (A)
              2004-06: Internat. Zauberbergprice / 2005 Winner
              2004: Painting in plein-air in Königstetten (A)

Exhibitions national (selection)
2014: „Für die Fülle“-KH-Salzburg; RearteGallery-Wien;
2013: „FACELESS part II“ MQ-Wien; Spätes Fest für VEZA“–Rauminstallation“VEZAlebt+SCHATTEN:frau/en“ Bibliothek, Wien
          (PurchaseMA7 – Collection of the City of VIE); „Pain&Relief“ Messearena Klagenfurt; „Generation20“-Ip-Forum Wien;
         „Wirkl.ICH.keiten – Mein Blick?Dein Blick“ML im POOL7 (Katalog); Galerie KoKO – ML-„SCHATTEN:spiel“
2012: „ARTEVENTURE trifft Georg Kreisler“-Domenig-Haus-Galerie Wien (m.Natascha Auenhammer)
           „S A M  in Wien“ Palais Kabelwerk ARTspace -SkulpturAmbivalenzMalerei/Migration – ProjektML
          „Special Edition“ Galerie IGBildendeKUNST, Wien (kuratiert: Hildegard Projekt, Katalog)
2011: “akt im künstlerhaus” Wr. Künstlerhaus, Wien
           “Als die Berge das MEE/hR Portrait:ierten …” Galerie ega, Wien
           “WALD” – akh-contemporary-Galerie, Wien
           VEZA – ”SCHATTEN:frau” temporäre Skulptur(Salzburg)->Foto/NaturInstallation.Kunstprojekt -Wien
          “MEE/hR BLUE-BERGE”  MEDICUS – Kunstraum Dr. Hubmann  (10m BLUE-WandINSTALLATION)       
2010: „AKTx7“ Landhausgalerie Ausstellungsbrücke NÖ (A)
          “MASH UP” Galerie KoKo, Wien (Katalog)
          “SOHOinOTTAKRING” – Wien
          “PAPERgirlWIEN” Passagegalerie- Wr. Künstlerhaus,  
          “NETZ.haut.ÜBER.flutung” Kunstprojekt VEZAlebt 1 – Wien        
2009: „Kunst für Menschen in Not“, NÖ Landesmuseum St. Pölten (A)
           „Art at Office“ ORF-GIS Kunstfoyers  – Wien, Linz  und  Graz 

2008: „Ornament – Vielfalt – Auflösung“ Participation Museum ESSL, Klosterneuburg (A)
           „END-Auswahl“ Galerie 422 Gmunden (A)
2007: „Kunst für Menschen in Not“ H.NITSCH Museum Mistelbach  (A)
          „SINNspuren-rinnSPUREN“  Wr. KH – akh Gallerie, Wien (A)

International exhibitions (solo ML):
2009: „Differents regards sur la vie des femmes“ Museum Villa Duconténia Saint Jean de Luz (F)
2007:“Herzdenken“ / letters on paper: Gallery m.beck, Homburg / Saar (D)
2005: Internat. „ZAU(:BER:) G-VERZAUBERT, Semmering (A)

International Exhibitions – Participation:(selection)
2014: Gallery; „Halle50“(Katalog)-München(D);MagicGallery-Orlando FL(USA)
2013:E.U.Gallery – L.A.(USA); “PEACE”-Swarm-Gallery-Oakland, CA (USA); AVG-Forum, Köln;
         HungarianCulturalCenter-London; “primaKLIMA?!”-UmweltMinisterium N.R.W. Düsseldorf(D)
2012: PenClubGallery BUDAPEST(H),Int. GraphikTriennal Bitola ;“primaKLIMA”GalerieDISPLAY–Köln(D)
2011:“Cosas de mujeres“ / International Mail.Art project / Museo de Arte de la Universidad del
          Magdalena Santa Marta, COLOMBIA
         “Sol LeWITT`s exchanges” (curated by R. Basha / catalog) – Cabinett,N.Y. + MASS MoCA  (USA)
         “9×12” Ferencvarosi Gallery, BUDAPEST (H) 
         “Mujeres-Secretos y Confidencias” –artistic installation –Centre.deCivic.de.laBarceloneta; BARCELONA(E)
         „Prints for Peace“ Monterrey, México (MEX)
2010: „MailMeArt2“ Red Tate Gallery, London (UK)
         “TOGETHER! CREATE! CHANGE!” Galileo-Park, Sauerland -Pyramiden (D)
         “MEGHIVÒ” Cultural Institut of the Republic Hungary, Bratislava (SK)
2009: „Prints for Peace“ Monterrey, México (MEX)
          „Winner of week“: Bang&Olufsen featured Screens N.Y (USA); Istambul (TR) and Frankfurt (D)

Ein Artikel über die Künstlerin geschrieben von Katerina Teresidi:

Lebenswandel – von der Medizin zur Kunst

Mit 22 Jahren promovierte Monika Lederbauer in der Medizin, als FÄ Inn erweiterte sie ihre Kenntnisse im Bereich der Homöopathie und erwägte bereits die Gründung ihrer eigenen Praxis, als 1997 ein Kutschenunfall passierte, den sie mit Glück überlebte.
Dieser markierte den Wendepunkt in Ihrem Leben und Schaffen, da er sie zum revidieren ihres bisherigen Lebensweges bewog. Die sich aus dem veränderten Lebensumstand ergebenden neuen Fragestellungen hatten einen philosophischen und grundlegenden Charakter.

„Wie viele Wirklichkeiten gibt es? Jeder schafft sich seine eigene!“

Ihr Blick auf das Alltägliche und Allgemeine veränderte sich, woraus ein Bedürfnis entstand, sich mit ihren persönlichen Sichtweisen näher auseinander zu setzen und ihren Gedanken künstlerische Form zu verleihen.

Sie absolvierte zahlreiche Kurse an der Sommerakademie Salzburg, sowie Workshops unter der Anleitung der Künstler Arnulf Rainer und Herbert Brandl, sowie 2 Semester an der Universität für Angewandte Kunst Wien, was sie dazu bewog, ihre Ansichten malerisch und in Collageform auf Leinwand zu bannen.

Mit Fotos, Grafiken, Zeichnungen oder Wortfragmenten, die über- oder nebeneinander geklebt und gesetzt werden, bildet sich ein neues Ganzes, das als ein spontaner Ausdruck ihrer Selbst mithilfe der gewählten Motive angesehen werden kann.
Dabei glaubt die Künstlerin nicht an Zufälle, denn dem Ausspruch Novalis folgend „kommen die fremdesten Dinge durch einen Ort, eine Zeit, eine seltsame Ähnlichkeit zusammen, so entstehen wunderliche Einheiten und eigentümliche Verknüpfungen“.

www.lederbauer.com

Layr Christa

Man muß noch Chaos in sich haben, um einen tanzenden Stern gebären zu können. (Nietzsche)

Das Interesse, andere Kunst zu sehen, ist genauso wichtig, wie selbst Kunst zu schaffen. Es geht nur darum, diese Einflüsse in die eigene Sprache zu übersetzen. Kunst ist Sehen. Kunst ist nicht zum Ansehen, denn Kunst sieht uns an.

So ist Kunst nicht Gegenstand, sondern Erlebnis. Wir nehmen Kunst wahr, wenn wir empfänglich dafür sind, wenn sie uns ergreift.

Kunst macht lebendig, wird so zur Notwendigkeit wie Atmen, sie ist daher kein Luxus. Sie macht innere Realitäten sichtbar und setzt sie frei.
Kunst ist Oberfläche und Tiefe.

„Ein beständiges Kriterium beim Umgang mit Kunst ist, dass sie etwas berühren soll, das über uns hinausgeht, und damit hat sie etwas Zeitloses“ (Gerhard Richter)
Die Zeit fließt, ein einmal geschaffenes Kunstwerk ist gleich bleibend und macht somit die Veränderung unserer Werte sichtbar. „In der Kunst gilt das Zeitlose und somit nicht das Zeitgemäße.“ (H. Hesse)

Über die Malerei

Die Malerei ist ein Balanceakt, um die richtige Form zu finden, ein ständiger Kampf gegen die Möglichkeit des Scheiterns. Wenn es gutgeht, dann ist ein Bild wahr und deutlich und hat eine konstruktive Form, man versucht, dem Zufall eine Form zu geben, ihn nutzbar zu machen.

Was bedeutet mir Malerei:

Meine Malerei ist Handschrift, Farbe, Tanz, Spiel, Zeichen, Einfall, Zufall, Rede, Wort, Bewegung, Geschwindigkeit, Überfluss und Übermut.
Sie ist: Tagebuch meiner Empfindungen, unsagbares Formulieren, Suchen nach Wahrheit, Eintauchen in Neuland, Ausdruck meiner Sinnlichkeit, Streben nach Klarheit, Gratwanderung zwischen Traum und Wirklichkeit.

Malerei ist für mich ein nichtersetzbarer Inhalt und Ausdruck meiner Existenz, eine Reflexion meines Lebens und meiner Wahrnehmungen der Spuren meines Weges.

Malerei dient mir zur Überwindung von Einsamkeit. So wird die Bildfläche zu einer verhaltenen Melodie, die zu schwingen beginnt und die mich trägt. Ein Bild soll eine Melodie enthalten, die man nicht müde wird zu hören.

So werden Töne umgewandelt in Farben und Farben bilden symbolische Tonfolgen, verfestigen sich zum Ausdrucksmittel einer emotionalen, in sich verinnerlichten Sprachvielfalt, die man allmählich auf sich einwirken lassen muß.

„Farben als Widerhall menschlicher Sinne, die dem Betrachter mehr vermitteln wollen, als bloße Worte“ (Skrodik)

„Nur Bilder drücken sich der Seele ein. Ein Bild spricht dadurch, daß es keine Worte formt. Denn begrenzt ist eines Wortes Sinn, nur der des Bildes ist unendlich“ (Heckl)
Ein Bild spricht für sich selbst und muß nicht besprochen werden – sein Geheimnis entzieht sich der Sprache. „Worüber man nicht sprechen kann, darüber muß man schweigen, oder man kann es malen“ (Hans Hollein)

Hinter den Worten bleibt das Bild unsagbar, unerzählbar: Licht, nicht Lampe.

Malen heißt Netze auswerfen im Bewusstseinsmeer. Fantasie ist wichtiger als Wissen, denn Wissen ist begrenzt. So führt jedes Bild in das Reich der Fantasie, lädt ein, sich treiben zu lassen und irgendwelchen schon verloren geglaubten Träumen nachzueilen, oder gar jene Melodie zu erahnen, die zu diesem Werk inspiriert hat.

So sollen sich geschöpfte Impulse, die aus dem Unterbewusstsein ins Licht treten, bildlich ausformen können, werden, sich widerspiegelnd, zu Zeichen und Symbolen. Es gibt eine Unendlichkeit von vielen Möglichkeiten.

„Ein Bild muß den Betrachter packen, sich um ihn legen und mit sich fortreissen. In ihm vermittelt der Künstler seine Leidenschaft, es ist der Strom, den er aussendet und durch den er den Betrachter in seine Passion einbezieht“ (Auguste Renoir)

Ein Bild kann zum Spiegel ferner Erinnerungen werden. Hatten wir jemals wirklich einen Begriff dafür?

„Ein abstraktes Bild kann Dinge sichtbar machen, die man nicht abbilden kann.“
(Paul Klee)
Ein Bild gibt nicht das Sichtbare wieder, sondern macht das Unsichtbare sichtbar.
„Ein Maler soll nicht bloß malen, was er vor sich sieht, sondern auch, was er in sich sieht.“ (C. David Friedrich)
„Die Kunst hat es mit Verdichtungen zu tun, ihr aber möchtet statt der Bilder Begriffe haben.“ (H. Hesse)
„Die Natur hat zehntausend Farben, und wir haben uns in den Kopf gesetzt, die Skala auf zwanzig zu reduzieren.“ (H. Hesse)
„Die Farbe selbst wird zum Spiel der Gefühle, sie bekommt eigenes Leben und gibt uns auch Raum, in dem wir vielleicht eine Identität finden.“ (Norman Rosenthal)

Ich lasse meiner Seele Flügel wachsen, ich male um meine inneren Befindlichkeiten aufzuspüren, ich setze meine Gefühle malerisch um und werde dadurch frei.
Schon Schiller sagte: „Kunst ist eine Tochter der Freiheit.“ Für mich empfinde ich meine Arbeit als die Freiheit, mich aus allen Konventionen zu lösen.

Freiheit heißt für mich auch, daß ich nichts zu verlieren habe und nichts gewinnen muß. Ich bin nur mir selbst verpflichtet. Wieder eins zu werden in den Gezeiten, in der Gesetzmäßigkeit des Seins, denn die Heimat alles Seins ist nur in mir selbst zu finden, im Klang zusammen mit den Gesetzen der Natur.
Man kann das Leben weder verlängern, noch verbreitern – nur vertiefen. Um wieder Mensch zu werden, um sein zu können, muß man still werden, daß man den Gesang der Gedanken hört, das Sich-öffnen der Lilienblüte und den Schritt der Vögel im Schnee. Merk auf dieses feine, unaufhörliche Geräusch, es ist die Stille, horch auf das, was man hört, wenn man nichts mehr vernimmt.
„Die Kunst ist der letzte Zufluchtsort aller zurückgewiesenen Gefühle.“ (H.C. Neuert)

Vielleicht will ich mir durch meine Malerei Zufluchtsorte schaffen, geistige Räume in denen ich verweilen, träumen und nachdenken kann.

Gerhard Richter wurde gefragt: „Was ist der Zweck der Kunst?“ Seine Antwort war: „Diese Welt zu überstehen, ein Mittel von vielen, wie Brot, wie Liebe …“

Ein Artikel über die Künstlerin geschrieben von Katerina Teresidi:

Abstraktion mit Hinweisen

Seit 2011 beteiligt sich Christa Layr regelmäßig an österreichischen und internationalen Ausstellungen, u.a. in Florenz, Rom, den USA, Barcelona und Paris.
Ihre Arbeiten betrachtet die Künstlerin als Spuren ihres Lebens, welche in der Lage sind dem Betrachter direkter als die Sprache ihre unmittelbaren psychischen Vorgänge und Tiefen zu vermitteln.
Mit einem gelegentlichen Gefühl von Schwerelosigkeit bewegt sich der Blick durch die mit verschiedenen Techniken ausgestalteten Landschaften, wird mal nach unten, dann wieder zur Seite von der Gravitation der Farbflächen gezogen, um dann im Chaos des abstrakten Pinsel- und Spachtelspiels auf entfernt verwandte Formen zu treffen.
Weit ausholen kann der Blick und wieder zurückkehren zu sich selbst zu einer Innenschau der eigenen Gefühle und Gedanken. Dies ist auch das Ziel der ausgebildeten Physiotherapeutin: den Betrachter dazu animieren, in seinem eigenen Chaos nach den Sternen zu suchen.
Nach ihrer künstlerischen Ausbildung in der Akademie Geras und der Kunstfabrik Wien arbeitet Christa Layr beständig daran, ihre technischen Fähigkeiten weiterzuentwickeln und neue Ausdrucksmöglichkeiten zu erforschen. Die Künstlerin beschränkt sich währenddessen stets auf das Wesentliche, ohne dabei die Poesie außen vor zu lassen.

www.christalayr.com

Kummer Sylvia K.

Sylvia K. Kummer

www.sylviakummer.at

www.atlasaxis.at

 

Curriculum Vitae 

Lebt und arbeitet in Wien und Niederösterreich

1978 Beginn Studium Kunstgeschichte und Völkerkunde an der Universität Wien

1980-1981 lebt und arbeitet in Paris

1984-1987 lebt und arbeitet in Canada

1989-1993 Universität für Angewandte Kunst Wien, Diplom

1997-1998 lebt und arbeitet in Australien

2000-2012 Adjunct Professor, Webster University Vienna and St. Louis

2010 Lehrauftrag Normal University Hangzhou, China

2013 (Im-)Possible Places – zwischen Kunst und Ethnographie,

Dissertation an der Universität Wien, Institut für Kultur- und

Sozialanthropologie, (Zweitbetreuung Institut für Kunst- und

Kulturwissenschaften, Akademie der Bildenden Künste Wien)

Stipendien

Arbeitsstipendien für Australien, China, Europa

Sammlungen

Ankäufe verschiedener öffentlicher und privater Sammlungen

Lehraufträge an diversen internationalen Universitäten

 

Sylvia K. Kummer 

in Wien geboren, ist laut Silvie Aigner, eine Reisende.

Sie studierte Malerei und Grafik an der Universität für angewandte Kunst in Wien, schloss dort mit einem Dipom ab und verfasste später ihre Dissertation über „(Im-) Possible Places. Zwischen Kunst und Ethnographie“ am Institut für Kultur- und Sozialanthropologie an der Universität Wien (Zweitbegutachtung an der Akademie der bildenden Künste Wien)

Diverse Stipendien und internationale Ausstellungseinladungen veranlassten die

Künstlerin von Anfang an ihre Projekte in einen interkulturellen Kontext zu stellen und zu realisieren. Zwölf Jahre lehrte Sylvia Kummer als Adjunct Professor an einer

amerikanischen Universität und gab in zahlreichen Lehraufträgen ihre Erfahrungen an verschiedenen internationalen Universitäten (u.a. auch in Australien, den Vereinigten Staaten oder in China) weiter.

Ausstellungen und Arbeitsaufenthalte in den USA, Cuba, Kanada, Australien, China,

Europa und zuletzt in Afrika, wo sie zur Biennale Dak’Art OFF 2014 nach Dakar, Senegal, und zur Biennale nach Marokko, Casablanca, eingeladen wurde, prägen ihre Arbeiten.

Erfahrungen und Reflexionen der Auslandsaufenthalte fließen in die Arbeiten der

Künstlerin ein.

Wörter, Texte, Zeichnungen oder nur Farben werden auf Leinwand, Papier oder Haut

(Leder) geschrieben, Objekte gebaut oder Installationen errichtet und das Gehörte,

Berührte, Gesehene, Gerochene, … übersetzt. Diese „Inskriptionen“ fungieren dann quasi als Container dieser intersubjektiven Erfahrungen.

  

Ausstellungen/Selektion

Projekte – interdisziplinäre, interaktive Projekte

2018

W. Männer und S.K. Kummer, Galerie Gut Gasteil, Prigglitz, A

Beziehung – Bindung, Pool 7, Galerie am Rudolfsplatz, Wien

im Rahmen der Dialogreihe atlas. axis. eine subtile kommunikation:

sylvia kummer – mikki muhr: Galerie die Schöne, Wien, A

Kunst zu Recht, Justizzentrum Wien Mitte, Wien, A

2017

im Rahmen der Dialogreihe atlas. axis. eine subtile kommunikation:

sylvia kummer – christian kattgesammelte kräfte, Galerie Black Dragon Society, Wien, A

full house, Galerie Gut Gasteil, Prigglitz, A

neunerhaus Kunstauktion, MAK Wien, A

Im Kinsky, Wien, A

im Rahmen der Dialogreihe atlas. axis. eine subtile kommunikation (gemeinsam mit Peter

Ramsebner)

freitag der dreizehnte: first come, first „hang“, Galerie die Schöne, Wien, A

im Rahmen der Dialogreihe atlas. axis. eine subtile kommunikation:

sylvia kummer – peter ramsebner, Galerie die Schöne, Wien, A

im Rahmen der Dialogreihe atlas. axis. eine subtile kommunikation:

sylvia kummer – christiane spatt, Galerie die Schöne, Wien, A

Symposium zum Projekt atlas. axis. eine subtile kommunikation, Wien, A

atlas. axis. – im öffentlichen Skulpturenpark Gut Gasteil, Prigglitz, A

atlas. axis. eine subtile kommunikation, Projektvorstellung im Rahmen der Ottakringer

Festwochen, Galerie die Schöne, Wien, A

atlas. axis. eine subtile kommunikation, Aufstellung der Großskulpturen im Rahmen des

Basis.Kultur.Wien zum WIR SIND WIEN.FESTIVAL, performativer Erlebnisdialog

mit Philipp Oberlohr, Platz der Menschenrechte, 1070 Wien, A

atlas. axis. eine subtile kommunikation, Aufstellung der Großskulpturen im Rahmen des

Basis.Kultur.Wien zum WIR SIND WIEN.FESTIVAL, Impulsreferat – Gerlinde Maria

Gruber, performativer Erlebnisdialog mit Philipp Oberlohr, Bundesländerplatz, 1060 Wien,

A

atlas. axis. eine subtile kommunikation, Aufstellung der Großskulpturen mit

Impulsreferaten – Thomas Fillitz und Ursula Baatz, Kunstvermittlungsinterventionen –

Renate Höllwart, Elke Smodics, Büro trafo.K., performativer Erlebnisdialog mit Philipp

Oberlohr, Piaristenplatz, 1080 Wien, A

atlas. axis. eine subtile kommunikation, Aufstellung der Großskulpturen, performativer

Erlebnisdialog mit Philipp Oberlohr, Impulsreferat – Conny Schmeller, Graben, 1010 Wien,

A

atlas. axis. eine subtile kommunikation, Aufstellung der Großskulpturen mit Impulsreferat –

Burghart Schmidt, musikalische Intervention Lissie Rettenwander, Freyung, 1010 Wien, A

2016

im Rahmen der Dialogreihe atlas. axis. eine subtile kommunikation:

sylvia kummer – victoria rabal, Galerie die Schöne, Wien, A

atlas. axis. eine subtile kommunikation, Werkstattpräsentation, Kuffnergasse 7, Wien, A

114. Kunstauktion, Im Kinsky, Wien, A

30 Jahre Werkstatt für Kunstsiebdruck, Andreas Stalzer, Palais Breuner, Austria Auction

Company, Wien, A

Jubiläumsausstellung, Galerie grenzART, Hollabrunn, A

offenes atelier, im Rahmen von Basis.Kultur.Wien, Wien, A

La Cuscinata, raumimpuls, (mit Judith P. Fischer, Markus Hofer, Hans Kupelwieser),

Stadtgalerie Waidhofen/Ybbs, A

Art Austria, Leopoldmuseum, Wien, A

kostbarkeiten, Im Kinsky, Wien, A

2015

raumimpuls, (mit Irena Rosc), Stadtgalerie Waidhofen/Ybbs, A

wunder-same häutung, Galerie die Schöne, Wien, Austria (Personale)

stehaufmenschchen, Galerie die Schöne, Wien, A (Personale)

Im Kinsky, Wien, A

2014

relictum, St. Peter an der Sperr, Museum Wr. Neustadt, A (Personale)

das weiße schaf oder subkutan, Judenburg, A (Personale)

Im Kinsky, Wien, A

Art Austria, Leopold Museum, Wien, A

tabu, Biennale de Casablanca, 2014, Casablanca, Maroc

Residencia en Ifitry, Maroc

making the invisible visible ou le mouton blanc, 11 ème Biennale Dak’ArtOFF, Dakar,

Senegal

changer les perspectives, im Rahmen des Festival Judenburger Sommer Judenburg, A

Leipziger Buchmesse, Leipzig, D

2013

lebenshäute, Präsentation der Sonderedition, Seitzersdorf/Wolfpassing, A (Personale)

herz aus stein, Freilichtmuseum Gerersdorf, A (Personale)

rose von jericho, Stephansplatz, Wien, A (Personale)

passt! – Schloss Ebenau, Galerie Walker, A (mit Daniel Spoerri und Walter Weer)

Kunst Zürich, CH

Frankfurter Buchmesse, D

Kunst- und Antiquitätenmesse, Hofburg, Wien

BuchQuartier, Museumsquartier Wien, A

Buchmesse Dornbirn, A

e tutto è sempre ora/all is always now, hotelpupik, Schrattenberg, A

25 Jahre für die Kunst, Schloss Ebenau, Galerie Walker, A

art austria, Leopold Museum, Wien, A

2012

kummer.kümmerer.kümmerlinge – ergo Spoerri, (mit Daniel Spoerri),

Seitzersdorf/Wolfpassing, A

kummer.kümmerer.kümmerlinge, galerie grenzART, Hollabrunn, A (Personale)

ONEingAustro Sino Arts Program 2012, Beijing, China

sampling I, konzert der skulpturen, Stift Ossiach, A

nevertheless 2012, Möbeldepot Hall, Wien, A

Natürlich Paralipomena, Ausstellungshaus Spoerri, Hadersdorf am Kamp/NÖ, A

2011

China Dialogue, Seitzersdorf/Wolfpassing, A (Personale)

you take what you are to where you are going, Modern Art Gallery, Hangzhou, China

(Personale)

you take what you are to where you are going, Zhejiang Library, Hangzhou, China

(Personale)

Das Unsichtbare – The Invisible in der Malerei, Workshop, Galerie grenzArt, Hollabrunn, A

in:visible city – Projekt, Gelände von Aspern, Die Seestadt Wiens (pneumatische

Installation – Personale)

making the invisible visible, Modern Art Gallery, Hangzhou, China (Personale)

making the invisible visible, Preview China Dialogue, Seitzersdorf/Wolfpassing, A

(Personale)

art-connection, Seitzersorf/Wolfpassing, A

Kunst und Kulturkreis, Stift Geras, Geras, A

Grosse Formate, Galerie Siegfried Kaiblinger, Seitzersdorf/Wolfpassing, A

visit your friends house – chuan men, 􂁒􆠈􂍟, Amelie Art Gallery at 798, Beijing, China

Begegnung und Wiedersehen, Kunst und Kulturkreis, Stift Geras, Geras, A

participatory and interrelational art, Workshop, Hangzhou Normal University, Zhejiang,

China

you are what you are wherever you are, Modern Art Gallery, Hangzhou, China

making the invisible visible, Zhejiang Library, Hangzhou, China

2010

into the blue…, Seitzersdorf/Wolfpassing, A (mit Johann Feilacher und Karlheinz Essl)

in der mitte, im Rahmen der NöART, Haus der Kunst, Baden, A (Personale)

in der mitte, im Rahmen der NöART, Galerie im alten G’richt, Groß Gerungs, A (Personale)

in der mitte, im Rahmen der NöART, Dorfmuseum Roiten, Rappottenstein, A (Personale)

in der mitte, im Rahmen der NöARTRathaus Scheibbs, Scheibbs, A (Personale)

glücklich, 4. Carinthischen Dialoge, Schloss Bach, St. Urban, A (mit Johann Feilacher)

Demokratie – eine lebendige Herausforderung, Präsentation der GLOBArt

Publikation, Palais Epstein, Wien, A

grenz-artig, workshop, Galerie grenzArt, Hollabrunn, A

experimental film, Workshop, mit Hubert Sielecki, Webster University Vienna, A

Neues Museum, Weimar, D

Feilacher & Kummer meet Hans Staudacher, Atelier Feilacher, Seitzersdorf/Wolfpassing, A

multiple choice : türmen, Galerie Stalzer, Wien, A

2009

Kunstmuseum Thurgau, CH

Havana Biennial, Cuba

shields, Seitzersdorf/Wolfpassing, A (mit Johann Feilacher)

Demokratie – eine lebendige Herausforderung, GLOBArt 2009, Pernegg, A

2008

Kunstwerkstatt Kilb, A (mit Johann Feilacher)

zero infinito, o’artoteca, Milano, I

Osmosi 08, Galerie im Hof, Wien, A

Museum Gugging, Maria Gugging, A (michel nedjar Film)

2007

überschneidungen, Galerie Judith Walker, Schloss Ebenau, Weitzelsdorf, A

NÖ Dokumentationszentrum für moderne Kunst, St. Pölten, A

2006

sinn-süchte, Seitzersdorf/Wolfpassing, A (mit Johann Feilacher)

2005

walk two moons, Hunt Gallery, St. Louis, USA (Personale)

sei i, Galerie am Park, Wien, A (Personale)

who are you?, Hunt Gallery, St. Louis, USA

wer bist du?, Projekt Hirschstetten, A

wer bist du?, MaturantInnen-Projekt, Wien, A

Rosengarten, workinggallery parthlbeiparthl, Leibnitz, A

2004

Osmosi adesso/Osmose jetzt, Haus pr10, Wien, A

2003

spuren im schnee, Galerie Wolfgang Exner, Wien, A

on the edge, Harrington Center, Georgia, USA

Offenes Atelier/Domgasse, Wien, A (Personale)

2002

Kunst am Bau-Projekt/Glasfries Hortischon, A

Domgassen-Atelier-Tage, Wien, A

trickfilm-präsentation (mit Angela Csoka), Wien, A

sisma, o’artoteca, Milano, I

Galerie Lisi Hämmerle, Bregenz, A

Internationale Ausstellung zeitgenössischer christlicher Kunst im RIZ, Waidhofen/Ybbs, A

2001

labour into rest, p26, raum für wahrnehmung, Wien, A (Personale)

Kinder entdecken die Donau-City, medienübergreifendes Projekt, Wien, A

trans art festival, Labin, Kroatien

2000

you take what you are to where you‘re going, Korneuburg, A (Personale)

abitare la galleria, Massenzio Arte, Rom, I

non si vede, Italienisches Kulturinstitut, Wien, A

tage-raum, Galerie Stalzer, Wien, A

1999/2000

tage-raum Projekt, ehem. Mautner Markhof-Kinderspital, Wien, A

tage-raum Projekt, Atelier Neulinggasse, Wien, A

1999

Ruth Morpeth Gallery, Hopewell, NJ, USA (Personale)

Gegenrhythmus-Contro Ritmo, Alte Fabrik Thalgau, Salzburg, A

M.E.L Galerie, Wien, A

1998

love letters, Fitzroy Gallery, Melbourne, AUS (Personale)

flaschenpost, Forum Stadtpark, Graz, A

Symposium Viareggio, I

1997

Illimite, Baluardo di San Paolino, Lucca, I

Illimite, Galerie Mölkersteig, Wien, A

1996

sylvia kummer – sylvia kummer – sylvia kummer, Artothek, Wien, A (Personale)

Dialog I – nonverbal, Strohgasse, Wien, A

Dialog II – nonverbal, Strohgasse, Wien, A

96Merzweckbau, Intermediales Symposium, Schrattenberg, A

Freudenau-Übertragung, IMCO-Hallen, Wien

Galerie Slama, Klagenfurt, A

1993

Reaktionen, Sankt Augustin, Wien, A

1992

arthropoden, Galerie Kies, Wien, A (Personale)

Freudenau-Übertragung, IMCO-Hallen, Wien (mit Romana Hagyo)

Istropolitana, Symposium, Galeria Masta, Bratislava, CS

1991

rainforest-artproject, Salzburg, A

Niederösterreich-Gesellschaft für Kunst und Kultur, Wien, A

malerei, Studio 7, Wien, A (mit Romana Hagyo)

1990

Landis & Gyr, Wien, A (Personale)

1989

Jurta Szinhàzban, Budapest, H (Personale)

1988

Galerie an der Fabrik, Spital/Pyhrn, A

1987

Galerie Nouvelle Ltée, Kitchener, CDN (Personale)

1984

The Willows Gallery, Texas, USA (Personale)

University of Waterloo Art Gallery, CDN (Personale)

1982

Galerie Würthle, Wien

Ein Artikel von Katerina Teresidi

Künstlerisches Ausgraben von Erkenntnissen

In ihren Interventionen und Installationen greift Sylvia K. Kummer oft soziale Themen auf, beschäftigt sich mit der Wahrnehmung und den Fragen nach Identität und Authentizität, der Zusammengehörigkeit und dem Verlauf feiner Trennlinien des Individuums gegenüber sich selbst und der Außenwelt.

Gravuren auf Leder – Objekte, die manchmal zu Rollen zusammengeschnürt in der Mitte von Ausstellungsräumen stehen, hängen oder liegen – oder umstrickte kümmerlinge, die auf Podesten thronen, und dann auf pneumatische Objekte projiziert werden, stellen den vollzogenen Wechsel von der Zwei- zur Dreidimensionalität dar.

In ihrem Projekt atlas.axis. – eine subtile Kommunikation setzt sich Sylvia K. Kummer künstlerisch damit auseinander, welche immensen Auswirkungen die geringste Verschiebung des ersten und zweiten Halswirbels im menschlichen Körper haben. Die Wirbelsäule steht symbolisch für das Rückgrat der Gesellschaft. Die überdimensionalen Skulpturen ermöglichen durch ihre Präsentation im öffentlichen Raum eine Reflexion, die eigenen Konnotationen zu hinterfragen. Sie machen das Unsichtbare sichtbar.

Im Zuge ihrer Suche nach immer neuen Erkenntnissen in der unmittelbaren Umgebung, sowie weitreichender Recherche reist Sylvia K. Kummer in unterschiedliche Länder. Sie führt Gespräche mit Menschen, die dort leben und übersetzt ihre Eindrücke und Erfahrungen in ihrer Kunst. Ihre Arbeiten verbergen viel und decken gleichzeitig auf. Jedenfalls sprechen sie eine eigene Sprache. Diese zu erkunden bedarf eines tiefen Eindringens – durch Erforschen des eigenen Selbst und der Außenwelt.

Sylvia K. Kummer kann auf zahlreiche Ausstellungen und Arbeitsaufenthalte im In- und Ausland zurückblicken. Sie war an diversen Universitäten – u.a. in den USA, China, Australien als Gastprofessorin tätig.

www.sylviakummer.at

Krösl Christa

Mein Spannungsbogen reicht von Gegenständlichen bis zum abstrakten Realismus in Acryl, von Strukturformen mit Pigmenten bis zu experimenteller Aquarellmalerei.

Losgelöst von Einengung gebe ich meinen Bildern die Kraft Fesseln zu sprengen und erschaffe damit meine ureigene Weltordnung.

Mich interessieren Strukturen und Formen, Ungewöhnliches und Alltägliches. Dieses dann künstlerisch umzusetzen, darin besteht der Prozess meines Malens.

Malen bedeutet für mich eine Zentrierung der Kraft bis zur endgültigen Fertigstellung.

Ausstellungen in Österreich und Deutschland

Ein Artikel über die Künstlerin geschrieben von Katerina Teresidi:

Selbstfindung im Schaffensprozess

Der malerische Blick hinter den Schleier holt oft Unvermutetes und Vorausschauendes hervor. Die Kreativität Christa Krösl‘s entspringt dem Drang Gesehenes, Erlebtes und Gefühltes intuitiv in ihre eigene Bildsprache umzusetzen.
„Mein Spannungsbogen reicht vom Gegenständlichen bis zum abstrakten Realismus in Acryl, von
Strukturformen mit Pigmenten bis zu experimenteller Aquarellmalerei. Ich liebe es Formen zu schaffen und mich wieder davon zu lösen.“ Anregungen für neue Arbeiten findet die Künstlerin sowohl in alltäglichen Erscheinungsformen, als auch in deren Eigenheiten. Oft wird die Malerei in der Retrospektion als Reflexionsfläche für die eigene Entwicklung erkennbar:
„Schaue ich rückblickend auf meine Werke, so ist schon alleine in der Farbauswahl eine große Veränderung zu sehen, ebenfalls in den Motiven.“ Mithilfe des malerischen Prozesses nähert sich Christa Krösl immer weiter der eigenen immanenten Wahrheit an.

Der Luxus der freien Zeiteinteilung ist für jeglichen Schaffensprozess essentiell, um den aufkommenden inneren Impulsen den erforderlichen Entfaltungsraum zu verschaffen:
„Sobald Gefühle nach Ausdruck über mich kommen, ist es besser ich gebe dem nach. Singen wäre einfacher, möchte ich aber einem Publikum vielleicht nicht antun. Schreiben ginge zwar, aber den meisten, größten und wahrhaftigsten Flow habe ich sobald ich mich mit Farben und Formen ausdrücken kann. Komme ich in einen solchen Zustand, arbeite ich oft vier Tage durch und vergesse alles andere um mich herum.“

Befreiung von Ängsten

Die Jahrelange persönliche Fragestellung liegt für Christa Krösl insbesondere auf dem Thema Angst, welche die individuelle Entwicklung stark hemmen kann und deren Wurzeln sie ergründen möchte, um daraufhin auf eine möglichst heilende Art und Weise visuell reagieren zu können:
„Bilder können heilen, auch wenn uns das oft nicht bewusst ist, da doch jede Form und jede Farbe eine eigene Schwingung hat.“ Die Lösung sieht die ausgebildete Juristin und IBM Managerin, Mentaltrainerin und Astrologin in der Verbindung beider Denkansätze: dem logisch-rationalen Verstand mit der emotional-intuitiven Ebene.
Die durch intuitive Introspektion erreichte Authentizität unterstützt den Heilungsprozess – der dazu auffordernde Gedankengang könnte lauten:
„Vergiss deine Erziehung, Vergiss die Religion, Vergiss die Ideologien, erschaffe dich neu frei von dem Ballast. Hinterfrage, sei wachsam, denke nach, gehe nach deinem Inneren, glaube an Dich und dein Leben, du bist der Schöpfer deiner Gedanken und deiner Manifestationen.“

www.kroesl-acryl-art.com

Krimmer Elisabeth

Geboren in  Ingolstadt/Bayern und aufgewachsen in München bestimmten schon früh Farben, Formen und Harmonie mein Leben.
Nach dem Studium an der deutschen Meisterschule für Mode in München Beschäftigung als Designerin in namhaften deutschen Modehäusern.
1968 Gründung einer Familie (drei Kinder) und 1986 Übersiedlung nach Perchtoldsdorf bei Wien. Unterricht in Ölmalerei bei Sophia Brandtner, Malerin und Graphikerin Volkshochschule Wien/Liesing.

Nach anfangs naturalistischen Arbeiten entstanden sehr bald nach eigenen Impressionen sehr zarte und transparente Bilderfolgen.  In den letzten Jahren auch Bearbeitung von größeren Bildformaten in Spachteltechnik.

Ebenso intensive Beschäftigung mit Holz- und Linolschnitt-Techniken – eines meiner Lieblingsmotive ist die Spirale, die meine Arbeiten unverkennbar erscheinen lassen. 2006 und 2007 Verleihung des Kulturpreises für Holzschnitt vom Künstlerzentrum „Neumarkt an der Raab“.
Seit dem Jahr 2000 Ausstellungen im In- und Ausland. 2005  Mitglied im Grafikerverein „Druckwerk“,  2006 Partnerin der Künstlerplattform art4life. 2009 nominiert für den St. Leopold-Friedenspreis für humanitäres Engagement in der Kunst. Einladung 2009 zur Biennale Florenz.

„Malen ist für mich die reine Freude – eine Entdeckerfreude. Ich liebe das Ausprobieren. So kommen immer wieder neue Strömungen auf mich zu, die ich dann mit meinen Möglichkeiten ausschöpfe. Dadurch ergeben sich einerseits neue Techniken und andererseits finden sich neue Bildmotive und neue Bildinhalte. Eine Strömung folgt der anderen, ich weiß, die Quelle wird nicht versiegen. Das ist für mich ein Erlebnis.“

Kohl Armin

Armin Kohl

www.atelier-kohl.com
tel.: 0680-23 29 787
arminkohl@hotmail.com

1120 Wien, Wolfganggasse 30/3

Geboren 1966 in Wien
Gymnasium in Baden bei Wien
Studium Wirtschaftsuniversität Wien bis 1996
Malt seit 2008
Eigenes Atelier seit 2014
Ausstellungen: 2016: Lutherkirche 1060 Wien, Heumarkt 1030, Galerie KRAS 1060,

 

2008 hat Armin Kohl in Lille/ Nordfrankreich mit der Malerei begonnen.
Zuerst auf den Resten der Konsumgesellschaft, Malgründe wie Karniesen, alte Werbeplakate, Vorhangstoffe wurden mit Industrielack bemalt.

Ab dem Jahr 2013 kam dann die endgültige Konzentration auf die Malerei mit eigenem Atelier in Wien 15.

Seit Ende 2014 lebt und arbeitet er in seinem Atelier in Meidling in der Wolfganggasse. Hier gibt es genug Platz für die großformatigen Bilder auf Keilrahmen und auf Karton.

 

„Meine Bilder sind intensive Erlebnisse. Man mag sie oder man mag sie gar nicht ansehen, sie lassen aber niemanden kalt. Sie wecken Emotionen, wühlen auf, bringen zum Fühlen.“

Armin Kohls Bilder sind voller Intensität und Ausdruckskraft, je länger man sie betrachtet, desto mehr sprechen sie zum Betrachter.

 

Bisherige Serien sind Köpfe, Beziehungen, Neuankömmlinge – Format 150x135cm bis 185x150cm, aus 2015-2017.
Weiters gibt es Kohlezeichnungen im kleinen Format.

Ein Artikel von Katerina Teresidi

Emotionen, Beziehungen, Lebenswege

Die Kunst Armin Kohls ist aufgewühlt, denn der Künstler schöpft seine Kraft und Inspiration aus seinen Emotionen und persönlichen Erlebnissen. Diese möchte er wiederum auf den Betrachter übertragen, ihn zum Teilhaben animieren und berühren.

In seinen Skulpturen und Malereien verarbeitet Armin Kohl seine persönlichen Leidenschaften, schreibt mit einem expressiven Gestus seine Lebenserfahrungen in die Kunstwerke hinein.

Mit schwarzen Pinselstrichen auf weißer Leinwand, mithilfe von Grundfarben und durch angedeutete Formen widmet sich der Künstler leidenschaftlich seinen Erzählungen von Aggressivität, Kampf und Liebe, welche er zielgerichtet auf die internationale Weltenbühne heben möchte.

Seine Beschäftigung mit Kunst dient Armin Kohl als Ventil zum Loslassen, zum Herunterkommen und zur Glättung der Erinnerungen an Beziehungen und Lebensentscheidungen, um dadurch sein inneres Gleichgewicht wiederzuerlangen.

www.atelier-kohl.com

Klepalski Ulli

Ulli Klepalski
www.ulliklepalski.at
Atelier: 1080 Wien,Buchfeldgasse9/1+2

Am 9.6.1953 in Wien geboren.
Verschiedene abgebrochene Studien, mehrere Berufsversuche im In- und Ausland. Schreibendreisendsuchend, seit 1986 malend (autodidaktisch und konsequent).
Zahlreiche Einzel- und Gemeinschaftsausstellungsaktivitäten, Lesungen und Performances in Galerien, Theatern, an öffentlichen Orten im In- und Ausland. Buchillustrationen.
Literarische Veröffentlichungen in Gemeinschaftsproduktionen und Anthologien („Tränen beleben den Staub“, Ullstein, „Against the grain“, Ariadne Press, USA).
Preis der Stadt Wien für Postkartenentwurf, 1990.
Werke in öffentl. u. privater Hand im In- und Ausland. Mitglied der internationalen Holzschneidervereinigung XYLON und der VBK.
Medienpräsenz: Wiener Zeitung (Porträt, 2x), Vernissage, Okto (Porträt, 2x), DIE FURCHE  (Porträt), Leporello (Ö1)

Wichtig scheint mir noch, zu erwähnen, dass ich bei der Ausschreibung von ESSL CONTEMPORARY für „emerging artists 2008“ zu den 60 KünstlerInnen der Vorauswahl von über 1000 Bewerbungen zählte.

 „Wenn ich an einem Text arbeitete, schoben sich immer wieder Bilder dazwischen. Gelang es mir nicht, einen Traum oder eine Fantasie verbal darzustellen, entstand ein Bild. Umgekehrt kam es vor, dass zuerst die bildliche Idee da war und zum Text sich verdichtete. Mythische Erfahrungen treiben oft Spuk in meinen Bildern.

Die Zusammenhanglosigkeit ist bloß scheinbar. Es ist ein Vibrieren der Erkenntnis, ein stilles Jauchzen der Fantasie, das alles zusammenhält; ein Faden der Intensität konzentrierter Empfindung verknüpft meine Zeichnungen, Schriften, Malereien, die Holz- und Linolschnitte und Materialkombinationen, Lektüreverarbeitungen, Kunstreflexionen und Traumbilder gleich einer geheimnisvollen Melodie.“

Personalen (Auswahl):

1996 Katholische Hochschulgemeinde Wien
1997, 2001, 2010 alpha, Frauen für die Zukunft, Wien
2001 Galerie A41 im Hof, Wien
2002 Literaturhaus Wien // VHS 3, Wien
2004 Projekt: … aus der Klaustrophobischen Küche, Galerie im Tunnel, Wien // Galerie Akum, Wien
2005 Landhausgalerie Ausstellungsbrücke St. Pölten
2007 Projekt: Biedermeier uptodate, Galerie Vor Ort, Wien
2008 „die ausstellung“, Wien
2009 ‚ega‘, Wien // Ägyptisches Kulturzentrum, Wien
2011 Projekt: Erdbegraben – Schaumgeboren (gemeinsam mit STIGMA), Palais Kabelwerk, artspace, Wien // Kunst- und Kulturverein Eichgraben, NÖ // Bezirksmuseum Josefstadt, Wien (gemeinsam mit STIGMA) // Projekt: Anna – Antigonae, (gem. m. S.Insayif und dem CarcasonneStringQuartett), Salon BELLE ARTI, Wien 3)
2012 AKH contemporary

Beteiligungen (Auswahl):

1994 Wilde Contemporary Art, London //
1995 –
1998 APERTO WIEN
2000 AtelierGalerie3a-Retrospektive, Haus Wittgenstein, Wien // Kulturprojekt: Wir fliegen ins 3. Jt., Wien
2004 Projekt EbbE, Künstlerhaus Wien, Passagegalerie
2005 –
2008 Q202-Atelierrundgg. // Galerie Time, Wien // xylon internat. Palais Liechtenstein, Feldkirch // xylon international, Berlin //
ARTmART 2008, Künstlerhaus Wien //
2009 Projekt: Schaubar, Galerie Vor Ort, Wien //
2010 ARTmART 2010, Künstlerhaus, Wien //
G.A.S.Station, Berlin 2011,
2012 „Im Achten herum“ – Atelierrundgang Josefstadt

Ein Artikel über die Künstlerin geschrieben von Katerina Teresidi:

Der fliegende Mensch im düsteren Zwischenreich der Seele

Aus ihrer eigenen Biografie, Ö1, Literatur und Theater schöpft Ulli Klepalski ihre Welten, die sie mithilfe von Collagen aus Zeitungspapier zu zeitgenössischen Kommentaren, mithilfe von Drucken und Malerei zu Text- und Traumbildern konstruiert.
Mythologische Figuren verirren sich hier und da in ihren Gemälden und streben danach, ihre Geschichte zu erzählen, Scharen von Katzencharakteren in ihren Häuschen und außerhalb werden in diversen Techniken visualisiert und in Objekte verwandelt, zerstückelte Detailstudien des weiblichen Körpers erzählen von unterschiedlichen biologischen Konstitutionen und der Entfremdung zum eigenen Körper. Mit ihnen wird das Thema der Mutterschaft aufgegriffen und die klaustrophobische Beziehung der Künstlerin zur eigenen Mutter aufgearbeitet, die von Missverständnissen, missglückter Kommunikation und Abhängigkeiten erzählt. Besonders deutlich vergegenwärtigt sich die Verschränkung des biografischen mit dem künstlerischen Werk mithilfe der Aufarbeitung eines Kochbuches aus mütterlicher Küche, welches einen sprachlichen Spagat zwischen Gewalt und Familie zu schlagen scheint.
Schreibend, reisend und suchend bewegt sich die Künstlerin seit 1986 autodidaktisch konsequent malend im Kultursektor Wiens und im Ausland, wo sie an Lesungen, Ausstellungen und Performances teilnimmt. Literatur nimmt einen großen Teil des künstlerischen Œuvres von Ulli Klepalski ein – was sich literarisch nicht ausdrücken lässt, wird gemalt und umgekehrt. So belegte sie den zweiten Platz des Literaturpreises „Fit For Life“. Ulli Klepalski ist Mitglied der Holzschneidervereinigung XYLON und von Bildrecht.

www.ulliklepalski.com

Kleedorfer-Egger Ella

https://www.artmajeur.com/ella-kleedorfer-egger

Die zeitgenössische bildende international anerkannte Künstlerin Ella Kleedorfer-Egger – gebürtige Kärntnerin – lebt seit1982 in Wien, wo sie viele Jahre im Einkauf für internationale Konzerne der Elektronikindustrie tätig war. Anfang der 1980er Jahre ist die „Epoche der bunten Vögel“ in der Bundeshauptstadt langsam zu Ende gegangen – doch in Ella lebt die Aura dieser Zeit weiter. Eine markante Brille verleiht ihrem Profil bis heute eine besondere Note. In illustrer Gesellschaft hat sie sich immer wohl gefühlt.

Mit den „Füchsen“ Prof. Ernst Fuchs, Anni Fuchs, Michael Fuchs, Daniel Friedemann Fuchs sowie mit Lena Brauer und Arik Brauer verbindet sie langjährige Freundschaften.

Das Wissen der Phantastischen Realisten hat mich immer beeindruckt. Aber ich wollte mich nicht auf ihren Stil festlegen lassen“, erzählt Ella. So hat sie zahlreiche Kurse an der Künstlerischen Volkshochschulen, an der Universität für Angewandte Kunst . Die Teilnahmen an Privat- Sommer-Akademien ua. Geras, Salzburg brachten weitere Verfeinerungen des malerischen Könnens mit sich. Solide Technik und ein gerütteltes Maß an Intuition leiten das Wirken dieser Künstlerin.

Im Laufe der Zeit hat sich. Ella Kleedorfer-Egger eine eigene malerische Handschrift erarbeitet. Zum reichen Oeuvre der Kreativen gehören Oel, Aquarelle, Mischtechnikbilder, Radierungen und (chinesische) Tusche-Malereien. Neben der Schönheit der Natur ist der menschliche Körper eines ihrer wichtigsten Themen.

Ella ist ordentliches Mitglied von:

– IG Bildende Kunst – der International Association of Art…Bildrecht – der Austrian Art Association

-http://freimaler.weebly.com/associates-and-friends, – Anerkennungen Künstlerin des Monats (Artinnovation Innsbruck)

-Internationale Anerkennung – im Buch WHO IS WHO IN ÖSTERREICH der biographischen Enzyklopädie

-oegkm- Öster.Gesellschaft für Kunst und Medizin, – Fantastic Art Shop (Prof. Ernst Fuchs ),

-Botschafterin bei Global Family, – Internationale Anerkennung im Buch 11. Auflage – Britishpedia Successful People in Germany and Austria

PREISE: Kataloge -Magazine – Award Kunstbücher

-2015, 2018, 2020 Award Art Edition Kunstbuch Artinnovation Innsbruck

-Künstlerin des Monat ( Artinnovation Innsbruck)

-2006 bis 2012 Kunstkatalog Ars Artis Kärnten

-Magazine Fair for Arts Vienna , in vielen unterschiedlichen Magazinen

Preisträgerin von :

-den Internationalen 1. Donatello Prize / Florenz Italien

-den Internationalen Leonardi Da Vinci Prize Milano Italien

-den Internationalen Prize – TOP ARTIST – The Protagonists of Contemporary Art. Palermo Italien

Bilder waren bereits in zahlreichen Ausstellungen zu sehen ob Landschaften, Akte oder Portraits – zeigte die Künstlerin bisher bei ca. rund 160 Ausstellungen in Österreich& im Ausland darunter im Alten Rathaus Wien, im Bezirksmuseum Wien Innere Stadt, in der Galerie Steiner , im ORF-Funkhaus in Wien, Galerie Merikon Art Room, im Stadtmuseum St. Pölten, Raiffeisenbank St. Pölten, bei der Kunstmesse in Klagenfurt, im Rathaus St. Veit an der Glan, Stift Göttweig NÖ .Kunst im Tullner-Raum im Minoriten Kloster (Katalog). Auch meine Bilder’ bei Dr. Gerti Senger in der Kronenzeitung .

Bilder waren aber auch auf renommierten internationalen Ausstellungen 2020 Museum National Center of Contemporary Art Minsk Weißrussland, 2020 New York ART EXPO, wie der VIII. International Contemporary Art Fair in Marbella, Spanien (Katalog), in Italien, Ungarn, Paris , Brasilien, Deutschland, Frankreich, in Zürich (Galerie ART Seefeld), in Peking ,Shanghai, die 2.Bosporus Art Biennale Istanbul erstmal in Wien, Senegal,

ART BASEL RED DOT MIAMI WYNWOOD NW Florida USA uvm.

sowie bei diversen Charités und Benefizversteigerungen, wie z.B. 7 x bei Licht ins Dunkel, für Brasilien (Sao Paulo Kinderheim), der J A P A N-Hilfe, bei der Kunst-Auktion Rotes Kreuz in der Galerie Steiner Art & Wine, Pro Donaustadt Gala Auktion für Kinder Wolke 21 im Saturntower 1220 Wien (Katalog) Kunst Benefiz-Versteigerung im Maxim des Lions-Club zugunsten des Kindergartens von St. Benedikt in Wien ( Katalog), Liebhartstalstraße 52, Kunst Asyl Auktion im Semperdepot Lehargasse 6 (Katalog). Kunst-Versteigerung zu Gunsten der „Sonneninsel “ für krebserkrankter Kinder . 2019 Okt. Kunstauktion in der Albertina „Verein auf Augenhöhe“

Ein Artikel über die Künstlerin geschrieben von Katerina Teresidi:

Bunte Auffälligkeit

Die gebürtige Kärntnerin Ella Kleedorfer-Egger lebt seit 1982 in Wien, wo sie viele Jahre im Einkauf für internationale Konzerne der Elektronikindustrie tätig war. Mit den fantastischen Realisten verbindet sie eine langjährige Freundschaft, ihren eigenen Ausdruck hat die Künstlerin mit der auffälligen Brille und der bunten Kleidung nach mehreren Kursen an der Angewandten und der künstlerischen Volkshochschule größtenteils eigenständig gefunden. Mit bunten Farben und kraftvollen schwarzen Konturen arbeitet sie sich durch die Tier- und Frauendarstellungen hinein ins bunte Ausstellungsgeschehen, wo sie unter gleichgesinnten Partygästen ihr zweites Zuhause feiert.


Mit Aquarellen, Bildern in Mischtechnik, Radierungen und chinesischen Tusche-Malereien arbeitet sie an der Visualisierung der Schönheit von Natur- und Menschendarstellungen, welche sie bereits in zahlreichen Ausstellungen im In- und Ausland präsentiert hat, unter anderem in Frankreich, Spanien, Ungarn, Schweiz, Senegal, Japan, China und Brasilien.


Ihre Begeisterung für Kunst lässt Ella Kleedorfer-Egger karitativen und sozialen Organisationen durch Spenden und zahlreiche Benefizveranstaltungen zugute kommen. Das lebensfrohe Engagement und ihre Umtriebigkeit werden auch an den zahlreichen Mitgliedschaften der Künstlerin in österreichischen Kunst- und Kulturvereinen deutlich.

www.artmajeur.com/de/artecarinthia/artworks

Kederst Dieter

A T E L I E R  K E D E R S T
  1160 Wien
  Herbststraße 124
  Tel. 069919419827
   Mail: dieter.kederst@gmx.at
   Url. www.kederst.at

Mag. Dieter Kederst
Geboren in Nordhausen/Harz,  verheiratet  , drei Kinder.
Gewerbliche Berufsausbildung mit Meisterprüfung.
Hochschulstudium an der Universität für angewandte Kunst
in Wien.
Selbständige Berufsausübung, zahlreiche Projekte im Ausland
für das Bundesministerium für Auswärtige Angelegenheiten.
Lehrerausbildung und Lehrtätigkeit an berufsbildenden
mittleren und höheren Schulen in Wien und Niederösterreich.
Erwachsenenbildung im WIFI  Wien und NÖ.
„Aquarelle und Zeichnungen“ beruflich und privat.
Freischaffender Künstler, Studienreisen nach Griechenland,
Italien und den USA.
Zahlreiche Ausstellungen in Wien, Niederösterreich, Steiermark,
Tirol und Frankfurt /Main seit 1994.
Atelier in Oberwaltersdorf, Kreis mit Künstlern aus der Region.
Atelierwechsel nach Wien.
Workshops Wien  – NÖ: Kinder, Schülerinnen und Schüler, Erwachsene
mit Förderung zu Präsentationen und Ausstellungen.

ARBEITSABSCHNITTE  (MOTIVATIONSHINTERGRUND):
LANDSCHAFTEN,  ARCHITEKTUR;  PORTRAIS, BEZIEHUNGSASPEKTE 
IM  SOZIALEN  UMFELD;  AUFARBEITUNG  PERSÖNLICHER  SITUATIONEN;
HINWENDUNG  ZU FARBE UND STRUKTUR ALS ZENTRALES INTERESSE.

Ein Artikel über den Künstler geschrieben von Katerina Teresidi:

Die Freundschaft zur Kunst

Der 1941 in Nordhausen im Harz geborene Dieter Kederst absolvierte seine handwerkliche Meisterprüfung zum Tapezierer, sowie nachfolgend das Studium für Innenarchitektur bei Prof.Alfred Soulek an der Universität für angewandte Kunst in Wien. Bis zu seiner Pensionierung war er im Bereich der gewerblichen Wirtschaft an berufsbildenden Schulen in Wien und Baden tätig.

In seiner Freizeit beschäftigte er sich stets mit der Kunst und pflegte Freundschaften mit Grafikern und Malern, was ihn zur intensiven Auseinandersetzung mit Öl- und Acrylmalerei in größeren Formaten antrieb. Durch den Kontakt zur Künstlergruppe um das Symposium Lindabrunn wagte er nach jahrelanger Beschäftigung mit naturalistischen Aquarellen und Grafiken, inspiriert durch Steinstrukturen in Steinbrüchen und Felsengen den Schritt in die Abstraktion. Diese neue Arbeitsweise ermöglichte die Auseinandersetzung mit und die Bewältigung von persönlichen Ängsten und Krisen, was bei Dieter Kederst zu einer neuen Wahrnehmung der Malerei führte.
Seine intensive Ausstellungstätigkeit seit 1997, sowie seine Zusammenarbeit mit dem Ministerium für auswärtige Angelegenheiten, im Rahmen welcher er Amtsräume und Residenzen Österreichischer Botschaften gestaltete, brachten seine Leistungen in zahlreiche politische Zentren, u.a. nach Moskau, Pressburg, Amman, Kairo, Lagos, Nairobi, Tokio und Peking und viele andere.

members.chello.at/~dieter.kederst/

Kayle Andy M.

– SEE THE WORLD WITH DIFFERENT EYES –

 

Die Faszination der Fotografie ist das Einfangen eines besonderen Moments.

Im Alltag gehen wir oft in Gedanken vertieft durch die Straßen.

Dabei übersehen wir vieles, was um uns passiert.

Sei es die Natur, kleine Details auf unserem Weg, interessante Momente

unserer Mitmenschen, oder vielleicht die belanglos erscheinende

Spiegelung auf dem Asphalt, wie man sie nach einem langen Regen findet.

Als kleinen Auszug aus Genres wie Natur, Architektur, Abstraktem, Lost

Places und Street Photography, möchte ich versuchen, ihnen eine andere

Sicht auf die Welt geben.

Die Arcadia Artline:

 Mit der Arcadia Artline habe ich eine Methode entwickelt, um die

Fotografien vom einfachen Druck abzuheben und zu einem einzigartigen

Artwork zu verwandeln.

Angefangen bei Vintage Photoplates, über Spezial Rahmen der Avalon Art

Frame Serie, bis hin zu den Arcadic Plates, bei denen in zahlreichen

Layerings und Arbeitsschritten die Fotografien mit einem facettenreichen

Artwork verschmelzen.

Mein Größtes Ziel ist es, eine Emotion mit auf den Weg zu geben, oder im

besten Fall jemanden die Welt mit anderen Augen sehen zu lassen.

Andy M. Kayle

-Photo Artist

Komposition in blau, weiß und orange von Peter Kauders

Kauders Peter

Komposition in blau, weiß und orange von Peter Kauders
Komposition in grün, blau, rot, gelb und braun von Peter Kauders
Längsstreifen mit Kreisen in braun, türkis und blau
Portraitfoto Peter Kauders beim Arbeiten

Peter Kauders

Edlbach 140

4580 Windischgarsten

Austria

kauderspeter@gmail.com

www.kauders.at

+4369911346342

Geboren am 14.1.1958 in Wien, lebt und arbeitet in Windischgarsten, Oberösterreich.
Er studierte Metallgestalten in der Meisterklasse von Prof. Carl Auböck an der Hochschule für Angewandte Kunst in Wien. In den 80er Jahren ausgedehnte Reisen nach und in Indien, wo er seinem spirituellen Lehrer begegnet.

Preis

2010 Gewinner des Preises Absolut art-com – Wettbewerb von ABSOLUT VODKA und der art-com Galerie

 

Ein Artikel von Katerina Teresidiwww.teresidi.at

Bildergeschichten

Der in einer Künstlerfamilie in Wien geborene und in Windischgarten lebende vielseitige Künstler, der u.a. mehrere Patente auf seine technischen Erfindungen angemeldet und bei zahlreichen Ausstellungen im In- und Ausland teilgenommen hat, kratzt gerne an der Oberfläche – im übertragenen, sowie im buchstäblichen Sinn – durchs Abschleifen seiner Bilder. Durch seine Werke artikuliert sich der Künstler, verlockt den Betrachter zu archäologischen sinnlichen Ausgrabungen, um die geheime Zeichensprache von Kauder‘s Arbeiten freizulegen. Immer wieder experimentiert der Künstler mit neuen Ausdrucksformen, um seine Gedanken auszuformulieren. Diese Vorgehensweise ermöglicht es ihm, die für ihn relevanten Themengebiete aus verschiedenen Richtungen einzukreisen.

Auf der Suche nach den immerwährenden Sinnfragen des Lebens, inspiriert von eigenen meditativen Erfahrungen, sowie den Lehren indischer Meister, beschäftigt sich Peter Kauders in seinen Arbeiten mit Veränderung und Vergänglichkeit, Ruhe und Bewegung. Auch viel Zeitkritisches findet sich in seinem Œuvre: Manipulationen, denen sich die Gesellschaft heute gegenüber sieht und deren Entlarvung.

Die Notwendigkeit der Kunst liegt in der Familie

Seinen Vater, Paul Kauders, der seinen Sohn seit den Jugendjahren geleitet und gefördert hat, nimmt sich der Künstler zum Vorbild, was Originalität und Komposition der künstlerischen Arbeiten anbelangt. Auf eine angenehme, humorvolle und ästhetische Art möchte Peter Kauders den Betrachter überraschen und ihn dazu anregen, hinter das unmittelbar mit dem Auge Sichtbare zu blicken.
Auf die Frage nach der Motivation, sich mit der Kunst auseinanderzusetzen, sieht Peter Kauders für sich eine klare Notwendigkeit:
„Wenn sich gewisse Themen innerlich aufdrängen, dann muss ich mich ihnen stellen. Kunst kommt nicht von Können, sondern von Müssen.“