Oktober 2020 – Kunst zu Recht

Bethmann Werner

„Kunst ist alles und nichts. Kunst entsteht aus sich selbst.

Kunst ist Leben. Kunst ist schwierig und ein Prozess.

Kunst ist schwer fassbar und dann doch ganz leicht.

Kunst ist mein Leben.“

Seit dem ersten Begreifen von Zeichenstift und Farben lässt mich der Drang zur Darstellung von Fantasien und Augenblicken in Form einer Bildersprache nicht mehr los und begleitet mich durch alle Lebensjahre hindurch. Unabhängig und eigenständig von den äußeren Umständen gibt es immer eine Innenwelt die nach außen drängt und der es egal ist wo der Mensch gerade steht.
Ausdruck ist immer auch Ausbruch der Innenwelt und unbezwingbar.
Manchmal treffen äußere und innere Zustände ideal zusammen, aber meistens nicht. Die Innenwelt ist das Leben, die Außenwelt ist was sie ist.

Werner Maria Bethmann.
Geboren am 5. August 1959
Lebt und arbeitet in Wien.

Für alle Anfragen zu den ausgestellten Werken erreichen Sie mich unter:
werner.bethmann@aon.at oder unter 0043 680 2195 234.

Weitere Arbeiten und Informationen finden Sie unter: www.bethmann.at

Ein Artikel von Katerina Teresidi

Die Suche ist dauerhaft

Zwischen Realität und Abstraktion – Werner Bethmann schenkt dem Betrachter in seinen surrealistisch anmutenden Gemälden in Öl, Tempera und Aquarell einen Einblick in seine ganz persönliche verschlüsselte Innenwelt. Zwischen Realität und Abstraktion sprechen christliche Symbole, Fische, Protagonisten aller Couleur und Herkunft aus seinen Bildern; es eröffnen sich ausladende Natur- und Raumdarstellungen, sowie zahlreiche Studien von Licht und Schatten, von Jahreszeiten, Körpern und Gegenständen des alltäglichen Gebrauchs. Wiederholt durchstreift die entblößte Anima die Gedankenwelt des 1959 geborenen Wiener Künstlers, der sich stets auf der Suche nach dem passenden Ausdruck seiner Gedankenwelt befindet. Auch lässt uns Werner Bethmann gerne an der Entstehungsgeschichte seiner Arbeiten teilhaben, indem er seine ersten Gedankenskizzen und Ideenfindungsprozesse veröffentlicht.
In seinen Radierungen und Holz- und Linolschnitten arbeitet Werner Bethmann an der plakativen Darstellung einfachster Gedanken, welche durch die Reduktion der Farbigkeit vertiefte Entwicklungen der Bildsprache ermöglichen.
Die Offenheit, sein Innerstes preiszugeben erfordert Mut und Zuversicht, die der Künstler auch bei anderen kreativen und im Geist offenen Gefährten seines Weges zu schätzen weiß. Befragt nach seiner Motivation, äußert sich der Künstler folgendermaßen:
„Mein Wunsch ist es mein Leben so leben zu können, dass ich frei meine Meinung zum Ausdruck bringen kann und in der Zeit, die mir auf Erden geschenkt ist in Einklang mit der Welt komme.“

www.bethmann.at

Wildner Veronika

Geb. 1970 in Wien

Studium der klassischen Violine am Konservatorium der Stadt Wien

Ausbildung zur Vergolderin mit abschließender Meisterprüfung

Mitwirkung an zahlreichen Projekten als Vergolderin für die Wr. Staatsoper, Belvedere, Palais Liechtenstein, Schloss Schönbrunn, Albertina, Secession, etc…

Seit 2006 künstlerisch tätig im Rahmen von Gruppen- und Einzelausstellungen in Wien und Niederösterreich

In meinem künstlerischen Schaffen stellt sich die Frage, wie traditionsbeladene Metalle, wie Gold, Silber und Kupfer auf neue, überraschende, irritierende, aber auch humorvolle Weise eingesetzt werden können.

Alte Vergoldertechniken wie Poliment- und Ölvergoldung bilden die handwerkliche Grundlage für meine Arbeiten. Diese komplexenTechniken werden individuell erweitert und verändert.

Prozesse, die in der klassischen Vergolderei unerwünscht oder tabu sind, werden zum Prinzip erhoben. So darf Silber und Kupfer in Würde oxidieren. Erst der nur bedingt steuerbare Oxidationsprozess verleiht den Objekten Tiefe und Charakter.

Die unkonventionelle Umsetzung alter Techniken und das Spielen mit gegensätzlichen Materialien ist ein wesentliches Thema meiner Arbeiten, sowie auch die Beziehung zwischen Material, Oberfläche und visueller Wahrnehmung.

Alltagsgegenstände werden durch das Vergolden in einen veränderten Zusammenhang gestellt, aufgewertet und neu konnotiert. Diese unerwartete Begegnung führt zu Irritation und erweckt Aufmerksamkeit.

Dem Betrachter sollen neue Blickwinkel auf das scheinbar Vertraute eröffnet werden, welche über das konkret Sichtbare hinausgehen.

wildner.veronika@gmail.com

Ein Artikel von Katerina Teresidi:

Die nicht traditionelle Vergoldung

Nach Ihrer Ausbildung zur Vergoldnerin und Mitwirkung an zahlreichen Projekten für die Wiener Staatsoper, Belvedere, Palais Lichtenstein, Schloss Schönbrunn, Albertina und die Secession entschloss sich Veronika Wildner einen ganz individuellen künstlerischen Weg zu gehen:
„Alte Vergoldertechniken wie Poliment- und Ölvergoldung bilden die handwerkliche Voraussetzung und Grundlage für meine Arbeiten. Diese komplexen Techniken werden individuell erweitert und verändert. Prozesse, die in der klassischen Vergolderei unerwünscht oder tabu sind, werden zum Prinzip erhoben. So darf Silber und Kupfer in Würde oxidieren. Erst der nur bedingt steuerbare Oxidationsprozess verleiht den Objekten Tiefe und Charakter.“

Bei ihrer Arbeit geht Veronika Wildner der Frage nach, wie traditionsbeladene Metalle wie Gold, Silber und Kupfer auf neue, überraschende, irritierende, aber auch humorvolle Weise eingesetzt werden können.
„Alltagsgegenstände werden durch das Vergolden in einen veränderten Zusammenhang gestellt, aufgewertet und neu konnotiert. Diese unerwartete Begegnung führt zu Irritation und erweckt Aufmerksamkeit. Dem Betrachter sollen neue Blickwinkel auf das scheinbar Vertraute eröffnet werden, welche über das konkret Sichtbare hinausgehen.“

Die 1970 in Wien geborene Künstlerin ist seit 2006 künstlerisch tätig im Rahmen von Gruppen- und Einzelausstellungen in Wien und Niederösterreich.

buntes Bild mit Kind und umgefallenem Haus

Vaziri Azadeh

Lebenslauf

1984 GEBOREN IRAN, TEHERAN

1991 – 2003 GYMNASIUM MIT MATURA, IRAN

2003 – 2006 GRAFIKDESIGNSTUDIUM, UNIVERSITÄT „TABRIZ“, TEHERAN/IRAN

2008- 2011 STUDIUM DER KUNSTMALEREI, ABSCHLUSS MIT MASTERGRAD UNIVERSITÄT „MARLIK“ UND UNIVERSITÄT „AZAD“, TEHERAN/IRAN

2015 EINREISE NACH ÖSTERREICH

2017 DIPLOMSTUDIUM DER BILDENDEN KUNST MIT SCHWERPUNKT MALEREI

Ausstellungen

2020

Kunst zu Recht, Justizzentrum, Das Elfte Jahr, Gruppenausstellung, Wien, Austria

2019

Art Gallery Vienna , Highlights, Gruppenausstellung, Wien, Austria

OHO Galerie, Vienna Art Markt, Gruppenausstellung, Wien, Austria

Wasserturm Favoriten, Wasser shape, Gruppenausstellung, Wien , Austria

Schloss Schönbrunn, Kunstsalon, Der den Mond trägt, Ausstellung mit Lesung , Gruppenausstellung, Wien , Austria

Galerie Frewein-Kazakbaev, Ganslwochen mit Beilage, Gruppenausstellung, Wien, Austria

2018

Gartenbaumuseum, Colors of Landscape und Krieg, Gruppenausstellung, Wien, Austria

Konflikt-Konkurrenz-Kooperation, Gruppenausstellung,(Wettbewerb), FH Campus Wien

Alte Schieberkammer, Wasser ist das Blut der Erde, Gruppenausstellung, Wien, Austria

Schloss Schönbrunn, Kunstsalon, Gruppenausstellung, Wien, Austria

2016

Magdas Hotel, Krieg, Einzelausstellung, Wien, Austria

2013

Freya Galerie (9+1), Gruppenausstellung ,Teheran , Iran

Verkauf bei Auctionen : 2016 – Charity Auction Caritas DOROTHEUM

Publikationen :

2016 Charity Auktion Catalogue-DOROTHEUM

Ein Artikel von Katerina Teresidi:

Grelle Kontraste

Comicfiguren, die für Azadeh Vaziri einen freien Lifestyle symbolisieren, werden in ihrer malerischen Sprache gebraucht, um auf die Rechte von Frauen und Minderheiten aufmerksam zu machen. In ihren Arbeiten beschäftigt sich die Künstlerin mit den Gegenstätzen zwischen Freiheit und Gewalt.
Dabei greift Azadeh Vaziri gerne zu grellen Farben aufgrund der frohen Assoziationen, welche diese in Verbindung mit Protagonisten aus der Disneywelt in ihr wecken – die Darstellung einer heilen Welt, welche die Künstlerin gerne bewahren und mit ihrer Arbeit nach Außen tragen möchte.

Westliche Pop-Kultur in Acryl auf Leinwand wird in den Arbeiten der Iranerin zelebriert. Dabei stellt die Künstlerin fröhlich anmutende Comic-Helden grotesken Figuren entgegen, welche ebenfalls größtenteils der westlichen Kultur entstammen. Böse Clowns aus Stephen King‘s Filmen, Mörderpuppen oder satanistische Symboliken sind in ihren Werken zu finden, ebenso wie Steinigungen und Waffendarstellungen, welche die Künstlerin in ihrer Heimat aufgrund der Nähe zum Kriegsgeschehen verinnerlicht hat.
Azadeh Vaziri wünscht sich eine ausgeglichenere, fairere Welt und hofft die Betrachter ihrer Arbeiten mithilfe ihrer künstlerischen Auseinandersetzung mit den Themen Gewalt, Frauenrechte, sowie Frieden und Krieg zum Nachdenken anzustoßen und vielleicht auch dazu, den einen oder anderen persönlichen Beitrag zur Förderung des Gleichgewichtes in der Welt zu leisten.

www.azadehvaziri.at

Unger Franz

Franz Unger

1976-1981, Ausbildung als Gebrauchsgraphiker an der Höheren Graphischen Lehr und Versuchsanstalt

1981, Abschluss mit Diplom

Mehrjährige Tätigkeit als Gewerblicher Graphiker in Werbeagenturen und Verlagen

Seit 1990 ausschließliche Beschäftigung mit der „freien“ Graphik,- Schwerpunkt Figur in Wasserfarben, zeitgleich im MAK – Museum für angewandte Kunst tätig

Ausstellungen:

1981 Typeshop Schwarzenbergplatz

2004 Arge Zeitschriftenverlag (Werbeagentur)

2017 Theaterei in St. Christophen,

Galerie Koko

2018 Konzerthaus im Weinviertel

Thema

Meine Themen ergeben sich aus Beobachtungen von Menschen an den verschiedensten Standorten wie z.B. im Alltag in der Freizeit etc.

Diese Eindrücke werden entweder in Form von Skizzen oder mit dem Fotoapparat (Handy) festgehalten.

Durch diesen mit den Jahren entstandenen „Fundus“ an Material ist es mir jederzeit möglich auf Modelle für diverse Bildideen zurückzugreifen. Dadurch entstehen je nach Stimmungslage mitunter sehr freie Interpretationen aber auch Auftragsarbeiten wie Portrait oder Gruppenbildnisse. Auch die Literatur kann Ausgangpunkt für Figurale Interpretationen sein.

Was mir am Ergebnis besonders wichtig ist, dass sich alles dem Betrachter von selbst erschließt, er soll weder herangeführt werden müssen noch eine textliche Erklärung benötigen.

Als Mal Material verwende ich die Farben Aquarell, Gouache, Tuschen und Acryl. Der Bildträger ist ausschließlich Papier in allen Formen und Stärken.

Ein Artikel über die Künstlerin geschrieben von Katerina Teresidi:

Aus den Tiefen der Gesellschaft

Die Beobachter beobachtend, sich orientierend an traumhaft-hyperrealen, außergewöhnlichen, ins Groteske neigenden Vorbildern, wie Franz Hals, Tim Burton, John Singer Sargent, Horst Janssen, Peter Doig, Michael Borremans und vielen anderen, nimmt Franz Unger die menschlichen Verhaltensweisen unter die Lupe.

In seinen Einzel- und Gesellschaftsportraits, Darstellungen von Zusammenkünften und Bühnenauftritten, alltäglichen Barszenen, sowie in den teils karikaturistischen lebensnahen Stadtbildern führt uns der Künstler mit seinen Grafiken, Aquarell- und Tuschegemälden mit ihren ineinandergreifenden Farbflächen, ausgeblichenen Konturen und dunkler Farbgebung in die zwischenmenschliche Existenzebene ein, wie sie sich dem inneren Auge des Künstlers offenbart.

So wie Franz Unger das Leben mit all seinen Facetten genießen möchte, möchte er diese gleichzeitig in seinen verschiedenformatigen Arbeiten einfangen und den Geist seiner Zeit konservierend, ähnlich zahlreicher visualisierter Erinnerungen, den nachfolgenden Generationen übermitteln.

Sei es im Alltag am Hauptbahnhof, oder bei offiziellen oder privaten Anlässen, überall wo Menschen miteinander interagieren findet der Künstler seine Themen.
Einen besonderen Wert liegt Franz Unger dabei auf eine dechiffrierte Mitteilung seiner unmittelbaren Beobachtungen, für welche es in seinen Bilderwelten keiner Heranführung bedarf, keiner Zuhilfenahme textlicher Erklärungen – seine Darstellungen sollen sich dem Beobachter von selbst erschließen.

Facebook: Franz Unger

Pinterest: Franz Unger

Instagram: ungergrafik

Raunig Johann

geb.: 26.5. 1962 Villach Kärnten

Beschäftigt sich seit 30 Jahren mit Licht und der Malerei.

Arbeitet als Oberbeleuchter für Spielfilme, Werbespots, Dokumentationen

und Musikvideos.

Gleichzeitig arbeitet er als Lichtkünstler und fertigt auch Lichtbilder, Acrylbilder,

Strukturbilder und Collagen die in zahlreichen Ausstellungen in Österreich und auch international zu sehen sind.

Kontakt : Johann Raunig

0043/699/13035175

zazlpaint@gmx.at

www.zazlpaint.com

Das Licht der Seele

Durch die Beschäftigung mit Kunst sich selbst besser verstehen und die innere Stimme deutlicher hören lernen, farbenfrohe Momente zwischenmenschlich teilen, freudvolle innere Eindrücke sichtbar machen – Johann Raunigs Kunst trägt dazu bei Licht und Wärme in der Welt zu mehren. Mit seinen direkt aufgetragenen kräftigen Farben, spielerischen Strukturen und glanzvollen Effekten erschafft der Künstler leuchtende Acrylgemälde, in denen er schimmernde Seeungeheuer aus den Tiefen einer Seele an die Oberfläche steigen lässt.
Als Orientierung dient ihm der Leitsatz: „Finde heraus, warum du hier auf dieser Erde bist“. Mit dieser Aufforderung möchte der Künstler den Betrachter daran erinnern, sich ernsthaft mit dem eigenen Inneren auseinander zu setzen, wobei Kreativität eine wesentliche Rolle bei diesem Selbsterkennungsprozess spielen kann.
Jeder hat sein eigenes Päckchen auf dieser Welt zu tragen, jeder ist mit eigenen Frage- und Problemstellungen konfrontiert. Alles was wir tun und gestalten trägt unsere ganz eigene persönliche Handschrift – so auch die Kunst Johann Raunigs, die mit ihrer klaren Fröhlichkeit die schönen und die leidenschaftlichen Momente des Daseins in ihrer ausgiebigen Lebenslust feiert.

www.zazlpaint.com/

Oskar Noah

May Isabella M.

B O R N 1 9 9 7 I N V I E N N A

a r t i s t , a u t h o r , f o u n d e r o f N e w C u l t u r e

w w w . t h e c r o s s o v e r a r t i s t . a t

thecrossoverartist@gmail.com

Isabella M. May is a modern artist born in 1997, currently living in Vienna.

After earning an academic degree in German linguistics and literature, she later on followed her passions and switched careers to work in the art field as a gallerist, art consultant, and autodidact artist.

Her first series can be categorized as Popart, with comic elements, bright colors, a sarcastic
surface, and a lot of wording and metaphors to mark her literary nature. Depending on the
phase of her creative work, she has since then moved to different style periods, including
Expressionism and Neo-Expressionism, such as her current. one, which happens to be her
most authentic and intuitive series and is called ‘Repurposing’.

If one observes the developments in and around her art series, one can see a gradual
transformation from the ‚controlled chaos‘ of her Pop Art to an ‚uncontrolled disclosure‘.

A very symbolic act of this is that the previously masked artist (formerly known as B.TCA)
decided in 2024 to cast off her censorship and to engage with her art in a much more free,
intuitive, and raw manner. Letting loose and welcoming the rawness of intuition and inner
conflicts is a process, that appears to be an unexpected contrast to today’s controlled andstructured world and also became a very personal act of facing demons out of her childhood and past that she has not before dared to welcome into her consciousness.

Through this rather personal reflection, her art also became a medium to speak not only her own but the truth of many women in society, their problems, frustrations, fears, and conflicts of existence.

Her current collection is called REPURPOSING and shows the process of discovering what
burden a female body puts on her life, soul, and existence. It’s a discovery of her past, painted
through the eyes and hands of a young girl growing, experiencing and slowly understanding
what society expects of her. (Internalized) Misogyny and the absurd lengths and depths it
pulls within society, within women, within each girl in each country and culture is the cause of great misfortune in our history, our now, and our future.

Femininity is not the foe, women* are not the problem, but understanding the misdeed they have to endure and doing what is withineveryones power to overcome it is our worlds ever duty.

Ein Artikel von Katerina Teresidi

Experimentell und kompromisslos

B. ist eine crossover-Künstlerin aus Wien, die sich keinem Stil unterordnet und sich stets die Freiheit des Experimentierens mit verschiedenen Themen, Genres und Techniken lässt. Die Anfänge ihres Schaffens verorten sich in der knalligen Comic-PopArt als plakative Acryl-Gemälde mit integrierten UV-Elementen, welche mit aufgeladenen Statements gefüllt sind. Darauffolgend entwickelte sie eine minimalistische Serie größtenteils schwarz-weiß gehaltener Fineline-Portraits, in welchen die UV-Elemente sehr sparsam und gezielt eingesetzt wurden.

„Universe Around Me“ ist die aktuelle Serie von B. mit zahlreichen schimmernden Gold- und Silbereffekten, welche mythologische Personifizierungen unseres Sonnensystems aufgreift und aus dem jahrtausendealten Wissenspool der westlichen Kultur und Astronomie schöpft.

In ihrem Schaffen bleibt B. ihrem Kredo treu: sich ständig selbst neu zu erfinden, ihre Kunst ist dabei aufgeladen mit ihrer momentan vorherrschenden Stimmung: mal laut und bunt, ein andermal ruhig und gelassen – sie ist ein Mittel zur Kommunikation und Reflektion über die vorherrschenden seelischen Zustände.

Ursprünglich aus dem Bereich der Literatur- und Sprachwissenschaft kommend, webt B. ihre klaren Statements häufig in Schriftform in ihre Werke mit hinein. Die tagtägliche Auseinandersetzung mit Musik, Literatur, vorherrschenden kulturellen Strömungen und Mythologie sind ihre größten Inspirationsquellen.

thecrossoverartist.eu

Nada Nadj

Nada Nadj was born in Bosnia and Herzegovina where she spent her childhood and school days. Vienna has been her home for over 25 years now. She started learning how to paint at the Kunstvolkshochschule in 2006 and passed the classes in 2009. Her paintings give her a chance to express her feelings and her view of the world. She likes to experiment with a lot of methods and techniques without settling for only one in particular. She has used oil, acrylic and aquarelle paint in her art works, sometimes even combined in some of her paintings – that way she can still express herself unrestrictedly and constantly open new doors for herself and her art.

Group Exhibitions

2021-Publicartists

„Traumwelten“

2021-Galerie am Park

„Colors of the World“

2021-ega Frau im Zentrum Gallery

„Frauen Kriesenmeisterinnen seit immer“

2021-PantoART

„Hinter der Maske“

2021-Bulgarische Kulturinstitut „Haus Wittgestein“

STICK TOGETHER

2020 Anima Senza Voce

Italien

2020Artfactory Graz

Kunst gegen Corona

2020Oyster Art Gallery Pakistan

ART FOR ART

2020 -Fundation Bellas Artes Ecuador

2020 -Art Galllery Vienna

2020 -Lisbona contemporanea 220

International Art Exibition

2019 – Gallery of the Raiffeisen Bank in Langenlois

2019 – Pernersdorf, Austria

2019 – House Doebling

2019 – Alte Schieberkammer of the Vienna Waterworks

2019 – Art Fair Zagreb, Croatia

2018 – Slovenian Cultural Center Vienna

2018 – The Manor House Budmerice, Slovakia

2018 – Alte Schieberkammer of the Vienna Waterworks

2017 – International Art Fair Hirschstetten

2017 – Kunstnetz Gallery Vienna

2016 – Alte Schieberkammer of the Vienna Waterworks

2010 – AKH Gallery

2010 – Lore Muth Gallery

Solo Exhibitions

2018 – Kunstnetz Gallery Vienna

2017 – Palais Palffy

2017 – Vienna International Center of the United Nations

2017 – Alte Schieberkammer of the Vienna Waterworks

Nekro

Particle of my life,

A lot of people I meet are in the constant circle of fixing and protecting their bubble, for some this is definitely what they need, for others not. Instead of fixing it, I focus hard on destroying it and creating a new, bigger one. This process is my constant bubble, or at least for now it is. My paintings are heavy and often not easy to comprehend, although I know their also very corny at the moment and they often try to be something their not. Im not gonna lie, I aim to be all sorts of things and mostly I miss, but through trying and experimenting Im finding myself more and more.

I found that when your born into an easy life (And don´t fool yourself, to me an easy life means not being afraid that you will die due to hunger tomorrow or getting eaten by a big cat.) You have the capacity to confront yourself with the Problems of the World.

Art is one way to do so for me.

Marcos Carmen

geboren in Jumilla (Spanien) am 22. April 1951

Diplomstudium der Erziehungswissenschaft (Bildnerische Erziehung) an der

Politechnischen Universität Barcelona

Doktoratsstudium der Angewandten Kunst an der Universität Barcelona

Doktorarbeit: Der Horizont als symbolischer Ausdruck in der Kunst

Kontakt

Sabine Kranzl

Tel: +43-680-2080138

info@carmen-marcos.art

www.carmen-marcos.art

Ausstellungen

2019 Über Papier (im Großformat). Künstlerausstellung. Auditorium Barradas. Hospitalet Barcelona

(Spanien)

Nackte Körper. Naturstudien. Ethnografisches Museum. Jumilla (Spanien)

Nackte Körper. Naturstudien. Ideak (Studio Dekoration). Cieza (Spanien)

Konferenz “Der Horizont in der mythischen Gedankenwelt“. Musikkonservatorium. Jumilla

(Spanien)

2018 Le partage des bêtes. Colectivo KaNiBaL’HoPoX. Pollionnay (Frankreich)

Die Schönheit und die Erinnerung. Galerie Sandpeck. Wien (Österreich)

Nulla dies sine linea (Kein Tag ohne Linie). Ethnografisches Museum. Jumilla (Spanien)

Die Schönheit und die Erinnerung. Bildweinschau Unterretzbach (Österreich)

Ceci n’est pas „un casco“ (Das ist kein „Helm“). Künstlerische Interpretation eines

archeologischen Artefakts des Geschichtsmuseums L’Hospitalet. L’Harmonia. Barcelona

2017 Malerisches Tagebuch. Ethnographisches Museum. Jumilla (Spanien)

Der sehnliche Blick. Spital Sant Pau. Barcelona

2016 Eine Welt. Zwei Blicke. Archäologisches Museum in Archena (Spanien)

Ceci n’est pas une medusa (Das ist keine „Medusa”). Künstlerische Interpretation des Kopfes der

Medusa. Geschichtsmuseum L’Harmonia in L’Hospitalet (Spanien)

2013 Erinnerungen der Schönheit. Galerie Artacasa in Barcelona

2013 Der sehnliche Blick. Spital Clínic in Barcelona

2012 Naturgeschichte II. Die Schönheit und die Erinnerung. Akademie der Medizinwissenschaft und

Gesundheit von Katalunia und den Belearen. Barcelona

2011 Himmelspforten. Universität Barcelona

Der Schiffbrüchige – Die Seelenzustände. Nîmes (Frankreich)

Der Schiffbrüchige – Die Seelenzustände. Galerie TPK in l’Hospitalet (Spanien)

2009 seit 2004: Wanderausstellungen im öffentlichen Raum mit Bildern aus der Serie Der sehnliche

Blick, in Zusammenarbeit mit Gamis Verein zur Unterstützung bei Brustkrebserkrankungen in

Gavà (Spanien)

2006 Naturgeschichte. Akademie der Medizinwissenschaft und Gesundheit von Katalunia und den

Belearen. Barcelona

2004 Der sehnliche Blick. Projektleitung und Organisation von Fotografie, Malerei und chirurgischen

Skizzen über Brustkrebs. In Zusammenarbeit mit Gamis, Verein zur Unterstützung bei

Brustkrebserkrankungen

2002 Kunstmesse des Mittelmeerraums. Blanes (Spanien)

2001 Euroart’01 – V. Internationale Ausstellungsmesse zeitgenössischer unabhängiger KünstlerInnen.

Barcelona

Kunstmesse des Mittelmeerraums. Blanes (Spanien).

2000 Euroart’00 – IV. Internationale Ausstellungsmesse zeitgenössischer unabhängiger KünstlerInnen.

Barcelona

Europ’ART. Genf (Schweiz)

Kunstmesse des Mittelmeerraums. Blanes (Spanien)

1999 Neue Werke. Medizinische Fakultät. Universität Barcelona

Messe Arte+Sur. Granada (Spanien)

Euroart’99 – III. Internationale Ausstellungsmesse zeitgenössiger unabhängiger KünstlerInnen.

Barcelona

1998 Euroart’98 – II. Internationale Ausstellungsmesse zeitgenössiger unabhängiger KünstlerInnen.

Barcelona

1997 Euroart’97 – I. Internationale Ausstellungsmesse zeitgenössiger unabhängiger KünstlerInnen.

Barcelona

1996 Erinnerungen an Puerto Rico. Estudio Serra 18. Barcelona

Messe “Tallers Oberts”. Barcelona

II Zeitgenössische Kunstausstellung. Galería Hemen. Getaria (Spanien)

D’Art. Internationale Kunstausstellung. Nizza (Frankreich)

1995 “Plaza Sant Felip Neri”. Galerie Beckett. Barcelona

1990 – 1995 Jährliche Ausstellungen in der Galerie Serra 18. Barcelona

1989 Galerie A grade. Aveiro (Portugal)

Galerie Nogleback. Odense (Dänemark)

Galerie Padam. Barcelona

1988 Spanisches Zentrum. Genf (Schweiz)

“Fünfzig katalanische Künstler”, Galerie Ateliers Ives Le Guellec. Auch (Frankreich)

IX Nationale Leistungsschau der Bildenden Künste. Alicante (Spanien)

“Donart 88”. Capella de l’Antic Hospital de la Santa Creu. Barcelona

Galerie Barcinova. Barcelona

“Keine Helden, keine Vorbilder”. Casa Elizalde. Barcelona

“Zehn Künstler der Galerie Ateliers Ives le Guellec”. Auch (Frankreich)

1987 Galerie Taller de Picasso. Barcelona.

Kulturhaus Las Bernardas. Girona (Spanien)

VII Biennale der Malerei. León (Spanien)

Jachtklub. Cambrils. (Spanien)

Performance mit Alltagsgegenständen verwandelt in visuelle Gedichte für die Präsentation des

Buchs “Von der Anmut und der Verwunderung” (“Del Encanto y la Extrañeza”). Casa Elizalde

(Barcelona) und im Saal Cirici de L’Hospitalet (Spanien)

1986 Galerie 11. Alicante (Spanien)

VII Internationale Leistungsschau der Malerei. Benissalem. Mallorca (Spanien)

Galerie Amagatotis. Barcelona

Galerie Taller de Picasso. Barcelona

VII Nationale Leistungsschau der Bildenden Künste. Alicante (Spanien)

“Mail art Project”. Arras (Frankreich)

1985 Kulturverein Madrid

Galerie Taller de Picasso. Barcelona

1985 Galerie S’Escala. Deià. Mallorca (Spanien)

Kultursaal La Florida. L’Hospitalet. Barcelona

“Weihnachtsgrüße”. Galeria Matisse. Barcelona

1984 “Harte”. Galerie Amagatotis. Barcelona

Performance mit gebrauchter Fußbekleidung für die Präsentation der Zeitschrift “Harte”

Galerie Amagatotis. Barcelona

1983 Sparkasse. Alicante y Murcia (Spanien)

Kultursaal La Florida. L’Hospitalet. Barcelona

Nationaler Ausstellungsraum für Malerei, Murcia (Spanien)

1982 ARCO. Internationale Kunstmesse. Galerie Seny. Madrid

1980 1. Nationale Messe von Zeichnungen. Barcelona

Kulturzentrum Catòlic de Sant Andreu. Barcelona

1979 Herbstmesse “Saló de Tardor”. Organisiert von der Zeitschrift für Poesie “Druida”. Maó. Menorca.

(Spanien)

Publikationen

2017 “Die Persönlichkeiten der Ramblas im kollektiven Gedächnis” (Originaltitel: “Personajes de las

Ramblas en el imaginario popular”). Editorial Círculo Rojo

2006 Künstlerische Gestaltung des Buchs “Der Tod wird kommen und deine Augen haben”

(Originaltitel: “Vindrà la mort i tindrà els teus ulls”). Cesare Pavese. Editorial BCN Art Directe.

Barcelona

1997- 2001 Künstlerische Gestaltung des Bildmaterials der Internationalen Ausstellungsmesse

zeitgenössiger unabhängiger KünstlerInnen “Euroart” und des Unternehmens “BCN Art Directe”

zur Förderung der Kunst

1988 Titelbild des Buches “Gedächnisverlust und das Hin und Her” (Originaltitel: “Amnesia y vaivén”).

Diaz Guinot y Mage. Editorial Neoforma. Barcelona

1987 Projektleitung und künstlerische Gestaltung des Buches “Von Anmut und der Verwunderung”

(Originaltitel: “Del Encanto y la extrañeza”). Mit Gedichten von Joan Brossa, Vicenç Estellés, Luis

Eduardo Aute, u.a.

1984 Illustration der Erstausgabe der Zeitschrift Harte für Gedichte und Kunstkritik.

1979 Plakatgestaltung für “The Meeting of the Society of Cut. Ultraest. Rech.” Universität Barcelona

Kinderliteratur

2018 Die Katzen im Ruhestand

Der Haussperling Pilar

2016 Dulce und Rex

Maria und der Drache Nika, Bücherpiraten e.V.

2015 Der Schmetterling Macaon

2014 Die Turteltaube

Künstlerische Positionen

2000 – 2010 Geschäftsführerin der Kunstgalerie Espai d’Art BCN Art Directe. Barcelona

1997 – 2002 Direktorin der Internationale Ausstellungsmesse zeitgenössiger unabhängiger KünstlerInnen

“Euroart”. Barcelona

2000 – 2002 Direktorin der Kunstmesse des Mittelmeerraums. Blanes. (Spanien)

1996 – 2010 Geschäftsführerin des Unternehmens “BCN Art Directe S.L.” zur Förderung der Kunst

Die Schönheit und die Erinnerung

Was für eine seltsame Sache ist doch die Erinnerung.

Den Vergesslichen – wie ich es bin – erschreckt ihre launische Natur,die dazu führt, dass sie verblasst. Details unseres Lebens, die unseinst wichtig erschienen, verschwinden in der Dunkelheit.

Doch ist es mein Wunsch, die Schönheit des Lebens in Erinnerung zu

behalten, für immer zu meinem zu machen und mit anderen zu teilen.

Denn, sich nicht erinnern, ist, wie nicht gelebt zu haben.

Von allen Bildern, die wir sehen, gibt die Erinnerung nur fragmentierte

Teile der Realität zurück. Wie Lichtblitze im Dunkeln erlaubt sie uns

außerhalb des Impulses der Zeit kleine Wunder zu betrachten.

Wunder, die in unserem Gehirn mit besonderer Leuchtkraft funkeln. Es entsteht das vorübergehende Gefühl, mit der Ewigkeit in Berührung zu kommen.

Mehr als an die Details erinnern wir uns gewöhnlich an die Farben und Konturen. Deshalb male ich die Umrisse der in meinen Ölgemälden dargestellten Motive und wiederhole den Horizont in den Landschaftsbildern.

Die Suche nach Schönheit begründet auch mein Projekt „Malerisches Tagebuch“, das ich seit Jahren ausführe: Plinius der Ältere, geboren um 352 v. Chr., erzählt, dass der Maler Apelles, der berühmteste der Antike, offizieller Maler und Freund

Alexanders des Großen, einen Anspruch stellte, den er streng befolgte:

Kein Tag ohne Linie.

Seit Jahren folge ich dieser Gewohnheit und fertige täglich Zeichnungen an. Es sind oftmals Aquarelle, die ich in einem Arbeitsvorgang male. Ich reflektiere über die einfache Schönheit der Dinge, die uns jeden Tag angeboten werden. So trainiere ich mein Auge und meine Hand, denn für einen Maler ist beides wichtig zu wissen: wie man sieht und wie man zeichnet.

Ein Artikel über die Künstlerin geschrieben von Katerina Teresidi:

Lebendige Erinnerung

In der Umsetzung ihrer ganz persönlichen Version der Wirklichkeit zielt die Künstlerin bewusst auf den Betrachter, den sie an die Schönheit der Welt erinnern möchte. Dies gelingt ihr ziemlich präzise aufgrund der offenen Unmittelbarkeit im Ausdruck ihrer Arbeiten, die eine spürbare Ehrlichkeit in ihren saftigen Farben und der lebendigen Strichführung konservieren. Trotz der immanenten Unbewegtheit des malerischen Mediums ziehen die Gemälde Carmen Marcos den Betrachter in die bewegte Welt eines sonnigen Spazierganges durch Feldwege der spanischen Steppe, vermitteln die Ruhe eines Spätsommernachmittags, der zeitlos das turbulente Leben hinter sich lassend zur Besinnung auf den gegenwärtigen Moment ermuntert.
Die klassischen Motive der Landschaftsmalerei und Stilleben werden aufgelöst, unterbrochen und vervollständigt durch Formimaginationen und Erinnerungen an diese, wodurch die Gemälde um eine Ebene der gedanklichen Wirklichkeit zusätzlich erweitert werden.

Vermehrung des Glücks, stille Ermunterung des Betrachters ihrer Arbeiten, deren Vibration und Frequenz Hoffnung und Zuversicht vermitteln – dies ist das formulierte Streben der 1951 in Jumilla in Spanien geborenen Künstlerin. Sehr passend zu diesem Vorhaben steht ihr Beethoven als Vorbild nahe, der sich nicht dem Elend des Alters hingab und sogar taub seine besten Symphonien schrieb.

Bei der Beschreibung ihrer Lebensphilosophie gibt sich die Künstlerin bescheiden:

„Mein Leben ist zu einfach, um interessant zu sein, aber ich mache jeden Tag eine Zeichnung oder ein Aquarell und poste es auf meiner Website oder auf Instagram unter dem Titel ´Malerisches Tagebuch´. Außerdem veröffentliche ich Artikel über den Horizont in der Malerei in meinem Blog.“

Nach ihrer Promotion in Angewandter Kunst an der Universität Barcelona realisiert die Künstlerin internationale Ausstellungen und Kunstprojekte, ist literarisch tätig und illustriert Bücher und Kinderliteratur.

www.carmen-marcos.art/

Lichtenhofer- Wagner Brigitte

Kontaktdaten:

brigitte.lichtenhofer@a1.net
www.atelier-lichtenhofer.at
www.facebook.com/brigitte.lichtenhoferwagner
www.instagram.com/lichtenhoferwagner/

In Wien geboren und aufgewachsen, lebt in Wien und NÖ

erste künstlerische Ausbildung bei der Wiener Malerin und Grafikerin Florentina Pakosta,

weitere Ausbildung im Zeichnen, der Öl- und Acrylmalerei bei namhaften Malern an Kunstakademien,

der Kunst-Volkshochschule Wien sowie Atelierlehrgänge und Kunstgeschichtskurse in der KVH und

Uni Wien

Ihre Arbeiten – vorwiegend mit Ölfarben – sind das Resultat eines Vorganges bei dem die subjektive Wahrnehmung, das Denken, Empfinden und das technische Verfahren bzw. die handwerkliche Fähigkeit in Relation zueinanderstehen. Sujets werden in Farben und Formen zerlegt und neu zusammengesetzt. Durch diesen Malprozess entsteht ein neues Bild.

In ihren Sujets ist nicht nur die Darstellung der Objekte maßgebend, sondern sie möchte auf die leisen Zwischentöne der Realität hinweisen „das Unbeobachtbare beobachtbar machen“ – eine zweite Realität schaffen. Dabei überlässt sie dem Betrachter freien Raum für seine Assoziationen, es ergeben sich unzählige Sichtweisen.

2019 Siegerin des ART AWARD der Berufsvereinigung der Bildenden Künstler Österreichs,
Landesverband Wien/NÖ/Bgld., Kategorie Malerei/Grafik

div. Einzel- und Gruppenausstellungen in Wien und Umgebung auszugsweise:

Einzelausstellungen:

Verkehrswege/Auszeit /Refelctions/ Galerie KunstLokal, ,2011,2013,2017

Basis KulturWien der Stadt Wien „Wir sind Wien“ , 2012

Querschnitt/ TÜV-Akademie, Wien

Ölmalerei/Gartenbaumuseum, 2014

Mensch & Technik/Galerie Kunstnetz, 1220 Wien, 2018
all together now/Kreativraum Galerie, 1010 Wien, 2018

diverse Ölarbeiten/ Kabinett, Barockschlössl Mistelbach, 9/2020

„ART Object Rotation“ Österr. Gartenbaumuseum, 11/2020 – wg. Covid abgesagt

Gruppenausstellungen in:

Galerie Art Pool Vienna, 2019

in Coop. mit ArtCan UK, “all you need is love”, 2020

The Art Gallery Vienna, 2016, 2018, 2019

„ – „ : „Veränderungen“, 2020

Verein Kunstschaffen „art of the world“ 2020

BVMargareten (Verein Kunstschaffen) „faces of the world”, 2020

Galerie Eisenwaren Kamp, Weihnachtsausstellung, 2020

Int.ARTView Vienna, 2014, 2017

ART Innsbruck, Innsbruck, 2012

im Ausland: ART Showroom Merlino Botega, Florenz, Italien 2016

Galleria Mentana, Florenz, Italien, 2016

Gruppenausstellung der BV in Verona (I),2018 und München (D),2018

Kooperationsausstellung Bulgarien (Plovdiv) und Österreich (Wien, Haus Wittgenstein),2019

ARTBox Projekt, Swissartexpo Zürich, 2019, 2020

Publikationen: „Awarded Art international“ – ISBN: 9783746035772

„Kunststücke“ Werkeband zeitgenössischer Künstler – ISBN 9783981694925

„Spotlight“contemporary Art Magazine – Circle Foundation

Ein Artikel über die Künstlerin geschrieben von Katerina Teresidi:

Freiwerden von den selbstgesetzten Grenzen

Malen ist die Ausdrucksweise ihrer Fragen, Betrachtungen und Reflexionen. Schon als 12 jähriges Mädchen besuchte die Künstlerin Brigitte Lichtenhofer-Wagner die alten Meister im Kunsthistorischen Museum und lernte neugierig an Ihren Beispielen. Heute sucht sie intensiv nach Erkenntnissen des „noch nie Dagewesenen, der Wahrheit in der Kunst, nach der Definition ihrer eigenen Bildsprache“, wie es die Künstlerin selber beschreibt. Dabei strebt sie die Befreiung von den malerischen Linien an, die sie teilweise mit selbstgesetzten Grenzen assoziiert.

Die Künstlerin äußert sich über ihren Arbeitsprozess folgendermaßen:
„Meine Arbeiten sind das Resultat eines Vorganges, bei dem die subjektive Wahrnehmung und das technische Verfahren bzw. die handwerkliche Fähigkeit in Relation zueinander stehen. Sujets werden in Farben und Formen zerlegt und neu zusammengesetzt. Durch diesen Malprozess entsteht ein neues Bild – gegenständliche, expressionistische Abstraktion.“

Geheimnisse des Alltags

In Ihren Kreationen strebt Brigitte Lichtenhofer-Wagner danach, eine zweite Realität zu verwirklichen, indem sie das Unbeobachtbare beobachtbar macht. Perspektivenwechsel, Bild-in-Bild Kompositionen, herausarbeiten kleiner unscheinbarer Details zu einem Großformat und das Herausheben der kleinen Geheimnisse des Alltags zählen zu ihren beständig variablen und immer wiederkehrenden Motiven.

Mit Anreizen aus Büchern, Musik und dem eigenen neugierigen, stets schonungslos offenen Blick auf die Wirklichkeit kreist sie in ihren Arbeiten die Themenfelder Umwelt, Zeitgeschehen, Vergänglichkeit, Technik und die unerschöpfliche Suche nach der Wahrheit ein. Schönheit und Ästhetik spielen im Schaffen Brigitte Lichtenhofer-Wagners eine gewichtige Rolle, die sie angelehnt an die Worte des Bildhauers Ernst Rietschel folgendermaßen beschreibt:
„Alles was wahr ist, ist schön!
Doch das Schöne ist nicht immer wahr!
Schau zweimal!!!“

Herausgebildet durch die Jahre selbstreflexiven Arbeitens lässt sie sich gerne von ihren wertvollen Erkenntnissen leiten: im Gleichgewicht zu bleiben heißt für die Künstlerin, sich selbst nicht allzu ernst zu nehmen, aber ernsthaft die eigenen Ziele zu verfolgen, keine Angst zu haben vor Niederlagen – Fehler eingestehen, denn sie zeigen oft eine alternative Sichtweise auf. Hinzu kommt die Wichtigkeit, für Neues offen zu bleiben, denn es inspiriert.

Brigitte Lichtenhofer-Wagner orientiert sich in Ihrem Schaffensprozess einerseits an den Rückmeldungen und Reflexionen der Betrachter, andererseits an ihren Vorbildern, um hier nur einige zu nennen: Michelangelo Merisi da Caravaggio, Artemisia Gentileschi, Edward Hopper, Paula Moderson-Becker, Lucien Freud, Gerhard Richter, Daniel Richter und Walter Strobl – beim letzteren hat sie die Ölmaltechnik gelernt.

www.atelier-lichtenhofer.at

Lichtenberger Petra

O664 125 16 36

petra.lichtenberger5@gmail.com

1971 geboren in Eisenstadt

1990 HAK-Matura in Eisenstadt

Seit 1992 angestellt bei der ÖGK, Wien

2005 Diplom „Personalverrechnung“ (Wifi Wien)

2009 Diplom zur „Hara-Shiatsu-Praktikerin“ (International Academy for Hara-Shiatsu, Wien)

2015 Prüfung zur „Innenraumgestalterin“ (Wifi Wien)

Seit 2011 intensive Beschäftigung mit Malerei und Grafik

Seminare sowie Workshops in verschiedenen Techniken z.B. Rakel, Pastell, Aquarell, Pouring, Tusche, Spachtel, Pinsel, etc. bei Dozentin Mag.a art Sybille Uitz, Kunst VHS Lazarettgasse und VHS Polycollege, Wien

Seit 2017 Abend-Aktzeichnen bei Prof. Mag.art. Josef Kaiser, Prof. Mag.art. Rudolf Fuchs und Prof. Mag.a art Judith P. Fischer an der Universität für angewandte Kunst Wien

Diverse Studienreisen nach Italien, Kroatien, Griechenland, Ägypten, London, Brüssel, Amsterdam, etc.

Lebt und arbeitet in Wien und Burgenland

2019 Gruppenausstellung „Mein Liebling“ – KVHS Wien

2020 Gruppenausstellung „Kunst zu Recht“ – Justizzentrum Wien Mitte

Ein Artikel von Katerina Teresidi

Expressiver Ausdruck der Gefühle

Petra Lichtenberger greift auf die Malerei als Ausdruck ihres Innenlebens, sowie zur Unterstützung eines besseren Verständnisses der mannigfaltigen Gefühlswelt ihres Selbst zurück. Mit der Zuhilfenahme visueller Darstellungsmöglichkeiten verarbeitet sie Krisensituationen, hält getaktete Eindrücke des Alltags auf der Leinwand fest und schreibt sich mit Farben ihre Empfindungen von der Seele.

Petra Lichtenberger freut sich, wenn ihr ein klarer und unverfälschter künstlerischer Ausdruck der eigenen Gefühlswelt gelingt, noch mehr, wenn sich der Betrachter darin wiedererkennt. Gerne greift sie dabei zurück auf klare, leuchtende Farben, die sie in ihren abstrakten Darstellungen direkt aus der Tube auf die Leinwand aufträgt und mithilfe von Spachteln und Pinseln zu ihren ganz persönlichen Farbwelten formt, welche die facettenreichen Stimmungen, in denen sich Petra Lichtenberger befindet, wiederspiegeln.

Die dabei zum Einsatz kommenden Mischtechniken erlauben Petra Lichtenberger ihre Darstellungen haptisch zu intensivieren.

Karp Koi

Inspired by words – quotes, whole books, lyrics, idioms, slice-of-life-statements. I don’t think while I draw, I never erase things, I like one-shot processes. I grab an ink pen and a piece of paper and accept whatever the result may be.

That is my little ode to simplicity.

Koi (Evgenia Karp)

verbindet in ihren Arbeiten Text und Bild, steht in diesem Raum der Möglichkeiten, dazwischen. Inspiriert durch österreichische und internationale Künstlerinnen und Illustratoren wie Kat Menschik und Chris Riddell sowie den Subgenres des Steampunk und des Magischen Realismus entstehen aus literarischen Sätzen Bilder, denen die Künstlerin in zarten Dosen ihr Herzblut einflößt. Eigenständig nehmen die Linien Formen an, entwickeln ein Eigenleben, das aus Worten geboren wird. Die Werke spielen mit Form und dem Schwarz der Linien. Sie wirken, als wären sie selbst Text, der ungesagt bleiben muss. Sichtbar sind die Schwingen, die Schrift und Bild formen, verweilen schwebend, bis sie sich im Prozess des Zeichnens in das Motiv auflöseAusstellungen:

Schauspielhaus Wien (2018), Damani (2018, 2019), Mark Salzburg (2019), PopUp Street (2019), V.A.M. – Vienna Art Market (2019), Schattenwelt Festival (2019), Blumentopf Galerie (2019), Kunst zu Recht (2019).

Ein Artikel von Katerina Teresidi

Kommunikation und die nonverbale Sprache der Kunst

Die aus Russland stammende Künstlerin, Texterin und Illustratorin Koi Karp bedient sich in ihren Arbeiten auf Papier eines figurativen, zartlinigen und detaillierten Stils, welcher manchmal einen Hauch des Makaberen durchscheinen lässt. Dabei ist die junge Künstlerin stets bestrebt, ihre Technik weiter zu verfeinern und zu verbessern, greift in die Multimedialität und erschließt sich neue Plattformen wie Spielwiesen für ihre Kunstsprache.
Wenn mit den Worten Wittgensteins gesprochen „die Grenzen meiner Sprache die Grenzen meiner Welt sind“, so ist Koi Karp bestrebt durch eine nonverbale künstlerische Kommunikationsebene diese Grenzen erheblich zu erweitern:

„Kunst ist für mich die ehrlichste Art der Kommunikation. Ich verstehe, denke und fühle oft mehr, als ich in Worten allein ausdrücken kann und bin sehr dankbar für die visuelle Erweiterung der Sprache durch das malerische Medium. Wenn Menschen dann vor einem meiner Bilder stehenbleiben und mit mir darüber reden möchten, weiß ich, dass etwas von mir sich auch in ihnen spiegelt – solche Situationen führen oft zu großartigen und tiefsinnigen Gesprächen.“

Koi Karp ist bestrebt, mehr Zeit für die vertiefende Auseinandersetzung mit der visuellen Darstellung zu finden, Bücher und Postkarten zu illustrieren, zu Siebdruck zu greifen und internationale Ausstellungen zu realisieren. Dabei spürt sie, wie die Beschäftigung mit Kunst zugleich positive psychologische Reifungsprozesse in Gang setzt:
„Wenn ich zeichne, bin ich ganz im Flow. Die vielen feinen Linien zu zeichnen, hat etwas unglaublich Beruhigendes. Und zugleich gibt es bei fast jedem Bild immer diesen Moment, in welchem ich denke `das wars, ich habs versaut!` Diese Art des mentalen meltdowns als Reifungsprozess zu verstehen und akzeptieren zu lernen tut mir gut und ist sehr wichtig für mich. Es ist eine Art mentales Training.“

Da Koi Karp die Sprache als einen untrennbaren Baustein ihres künstlerischen Schaffens begreift, lautet die Botschaft der Künstlerin:
„Bitte hört nie auf, miteinander zu sprechen, einander verstehen zu wollen, Worte nicht leichtfertig zu nehmen – sie formen uns und wir formen die Welt.“

www.koikarp.art

Kapeller Leon

Geboren 1998

BILDUNG

2019 – BA KUNST UND KOMMUNIKATIVE PRAXIS, UNIVERSITÄT FÜR ANGEWANDTE KUNST

BA DESIGN, MATERIELLE KULUR UND EXPERIMENTELLE PRAXIS, UNIVERSITÄT FÜR ANGEWANDTE KUNST

Summer 2018 INTERNATIONAL SUMMER ACADEMY OF FINE ARTS, CLASS OF CAROLINE ACHAINTRE

GRUPPENSHOWS

2018 Open Studios, Summeracademy, Salzburg, AUT

Juarez Gustavo

kunst-tavojuarez.blogspot.co.at
tavoliman82@yahoo.com
0676/4191123
Ratschkygasse 29/18
1120 Wien

Ausstellungsbeteiligungen
15. Jänner 2015          „Kunst zu Recht“, Bezirksgericht 1030 Wien, Dauerausstellung
14. Jänner 2015          Einzelausstellung „Traummaschine“, Wien
4. Dezember 2014      Gewinner der Ausschreibung „Kunst gegen Gewalt 2014“ des Bundeskriminalamts, Preisverleihung
21. November 2014    Gemeinschaftsausstellung „Preview 2015 – Kunstschaffen“, Wien
26. Oktober 2014       Gemeinschaftsausstellung in der Hofburg, Kollektiv „Roter Teppich“
22. Oktober 2014       Guatemala – un país enigmático, Lateinamerika Institut Wien; Ausstellung mit einem Vortrag von Gerhard Grünberg
Juli 2014                     Young Artists – The Art Gallery Vienna, Wien
Juni 2014                    Teilnahme am Art 3 – Atelier- und Galerierundgang im Dritten Bezirk, Wien
März 2014                    Gemeinschaftsausstellung mit arteMIX, Gumpoldskirchen
Februar 2014            Finalist Internationaler Kunstbewerb Juannio – arte contemporaneo
November 2013         Gemeinschaftsausstellung mit arteMIX, Wien
September 2013         Teilnahme an der 2. Art View Vienna (Kunstfabrik Stadlau)
März 2013                  Halbfinale internationalen Kunstbewerb Juannio-arte contemporáneo
Oktober 2012             IV Interkontinentalen Biennale, Quito, Ecuador
Dezember 2011          Haus der Kultur „Casa de la Cultura“, Guatemala, Zweiter Platz im nationalen Kunstbewerb “Freie Kreativität”
Dezember 2009          Haus der Kultur „Casa de la Cultura“, Quetzaltenango
                                    Erster Platz im nationalen Kunstbewerb „Arturo Martínez“
November 2008          Gemeinschaftsausstellung Museum Moderner Kunst Carlos Mérida, Guatemala Stadt
November 2007         Dritter Platz im nationalen Kunstbewerb Helvetas, Guatemala

Künstlerische Ausbildung
2002                            Studium der bildenden Kunst in der Galerie und Akademie „Esencia del Arte“ bei Miguel Angel Ixcot (Quetzaltenango, Guatemala)
2001-02                      Assistent in der Akademie für Zeichnung und Malerie „El Caracol“ bei Prof. Otto Estrada (Quetzaltenango, Guatemala)
2000                            Abschluss der Berufsausbildung zum Grafikdesigner am Institut „Tecnológico Don Bosco“ (Guatemala)

Fischer Sylvia

SYLVIA FISCHER

1960 im Sternzeichen der Waage geboren, kaufmännische Ausbildung

autodidaktes Malen bis 2009

September 2009 bis 2013 – vierjähriges Studium an der Neuen Wiener Kunstschule – Hauptfach Malerei. Diplomabschluss Mai 2013 mit Auszeichnung

Titel der Diplomarbeit: Entschreibung

In meinen Arbeiten beschäftige ich mich fast ausschließlich mit dem menschlichen Körper. Da diese Räumlichkeiten für Akt-Zeichnungen und Akt-Malerei nicht geeignet sind zeige ich bei dieser Ausstellung Bilder in denen ich wichtige Lebensphasen und Erlebnisse abstrakt und nur mit Farbe dargestellt habe.

Meine Arbeiten in denen ich mich mit dem menschlichen Körper befasse können gerne in meinem Atelier nach Terminvereinbarung besichtigt werden.

Div. Ausstellungen : z.B. Freud Museum, Wirtschaftskammer Mödling, Altes Rathaus Döbling, Burg Perchtoldsdorf, Einzelausstellung im Amerlinghaus,

Diplomausstellung in einem Glashaus in Hirschstetten, Exponiam ArtWeek u.E.m.

AUSSTELLUNGEN 2017

Ausbruch aus dem Standbild/ Einzelausstellung, showroom 51

Entschreibung und ihre Folgen/ Einzelausstellung Galerie Sandpeck

„UNPLUGGED“ / Einzelausstellung

Female Figures / Gruppenausstellung / Domenig Galerie

Mein bestes Stück/ Gruppenausstellung/Art Hotel

AUSSTELLUNGEN 2018

Vielheit der Körper/ Art Hotel

„Heureka“/Gruppenausstellung/ showroom 51

AUSSTELLUNGEN 2019

Ästhetik der Körper/ Gruppenausstellung/Art Hotel

Part oft the art I und EigenArt/ Gruppenausstellungen showroom 51

Unplugged im 8ten /Einzelausstellung / showroom 51

Kongenial/ Ateliereröffnung und Ausstellung mit Udo Hohenberger im showroom 51

RESET/ Gruppenausstellung / Domenig Galerie

Licht und Schatten/ Gruppenausstellung / Galerie Eisenwaren Kamp

Weihnachtsausstellung / Gruppenausstellung / Galerie Eisenwaren Kamp

Highlights/ Gruppenausstellung Art Hotel

KONTAKT ZU MIR UND MEINEN ARBEITEN

ArtPlatia.wordpress.com

E-Mail: syfi1@gmx.at

Tel.: 0650/6 01 10 60

Ein Artikel von Katerina Teresidi:

Expressive Körperspuren

Nach jahrelanger leidenschaftlicher autodidaktischer Malerei absolvierte Sylvia Fischer 2013 ihr Diplomstudium mit Auszeichnung an der Neuen Wiener Kunstschule. Den Interessensschwerpunkt ihrer Arbeit bildet seit ihrem Studium der menschliche Körper, oder genauer gesagt die Umrisse seiner Bewegungen im Raum, welche außerhalb der zeitlichen Dimension als eine Vielfalt von hinterlassenen Spuren gelesen werden könnten, welche sich auf den Leinwänden der Künstlerin gegenseitig durchdringen, widersprechen und ergänzen.

Der künstlerische Ausdruck erlaubt in seiner Freiheit das Ausleben impulsiver Gefühlsregungen, die von Sylvia Fischer unmittelbar visuell auf das tragende Medium übersetzt werden. Auf diese Weise manifestieren sich die dargestellten Körperspuren durch die Körperbewegungen der aktiv kreierenden Künstlerin zu einem dichten Konglomerat von Zeichen und Farben, welche sich im expressiven Duktus dem Betrachter kraftvoll entgegenstellen. Bleistift, Kohle, Acryl und Öl, ineinander verrinnende und miteinander verschmelzende Flächen und Formen ordnen sich oft der dominanten schwarzen Linie unter, welche sich inspiriert von Schiele, Herbert Brandl und Maria Moser als wiedererkennbares Element durch die Arbeiten Sylvia Fischers zieht. Auch der junge Künstler Udo Hohenberger, mit welchem sich Sylvia Fischer ihre Atelierräumlichkeiten teilt hat mit seiner Arbeitsweise die Gemälde der Künstlerin um einige neue Ansätze erweitert.
Sylvia Fischer beschreibt den malerischen Prozess in ihrem Leben als Notwendigkeit:
„Ich bin unendlich dankbar, dass es die Kunst in dieser Intensität in meinem Leben gibt. Es ist jedes mal spannend ein Bild zu beginnen und noch spannender das Ergebnis.“

ArtPlatia.wordpress.com

Kaiser Franz Joseph Statue am Cobenzl zwischen Büschen

Fellner Sarah

Sarah Fellner wurde 1984 in Wien geboren. Früh begann sie sich, aufgrund ihrer Mutter, einer Malerin, mit Kunst auseinanderzusetzen. Autodidaktisch erlernte sie digitale und analoge Techniken in der Aufnahme sowie Ausarbeitung.

Anfänglich fotografierte sie spielerisch ihre Umgebung und Freunde. Mit der Zeit wurde sie aufmerksamer und suchte, nach den „menschlichen“ Momenten, denen wir im Alltag begegnen.

Ihr Studium der Soziologie schärfte ihre Aufmerksamkeit für ihr Umfeld, seien es Artefakte oder Personen in bestimmten Situationen. Nach wie vor arbeitet sie teilweise analog, entwickelt und druckt ihre Bilder selbst.

Auszug Ausstellungen/Projekte

2019

Group Exhibition: eigenART II – Grüne Galerie, Vienna, Austria
Print: Magazine VVisions Volume 4
Gallery representation: Lumina, Lindengasse 65, 1070 Wien
Group Exhibition: BV Wieden, Vienna
Group Exhibition: BV Margareten, Vienna
Group Exhibition: Art Slam 2019, Vienna, Wien Museum
Presentation: UWA Talk, Vienna
Print: Magazine FK-Kollektiv, Berlin

2018

Group Exhibition: eigenART I – Galerie am Park, Vienna, Austria
Print: Magazine VVisions Volume 2
Project: Walk of Art, screen projection, Kunstschaffen, Vienna, Austria
Group Exhibition: Erotik al dente, Art Hotel Vienna, Vienna, Austria
Group Exhibition: 1918-1938-2018, Amtshaus Wieden, Vienna, Austria
Print: Magazine VVisions Volume 3
Group Exhibition: Der zufriedene Sklave, lichtraum eins, Vienna, Austria
Group Exhibition: Befreite Lust, Atelier Adrian Moldovan, Vienna, Austria
Group Exhibition: Ästhetik des Körpers, Art Hotel Vienna, Vienna, Austria

Das unscheinbar „Schöne“

Dokumentarisch inszenierter Realismus à la Ulrich Seidl, der unmittelbare, direkte Blick auf die Realität, welche oft à la Deix das Aussenvorgelassene, Verborgene und Deformierte thematisiert, die scheinbar unzensierte unbeschönte Veröffentlichung subjektiver Intimität bilden die Basis für Sarah Fellners fotografische Arbeit.

Den Sohn aus den Augen seiner Mutter sehen in der Zurückgezogenheit ihres Schlafgemachs, wie Freunde sich gelegentlich voreinander entkleiden, wie die Haut sich bei Berührung verformt und wie das Zuhause von Transpersonen aussieht – dies sind die Antworten, welche Sarah Fellners Fragestellungen dem Betrachter liefern. Dabei fördern sie einen gewillten oder unbewussten Voyeurismus, sie nähren einen angeborenen, jedoch manchmal tief vergrabenen Instinkt, welcher durch Sarah Fellners Arbeiten geweckt, den Betrachter auf sich selbst zurückwirft, zum Innehalten und zu einer tieferen Selbstanalyse auffordert.

Wer sind die auf den Fotos dargestellten Menschen, wie verläuft wohl ihr Leben? An einigen persönlichen Anhaltspunkten und Präferenzen lassen sich ihre Gewohnheiten und Vorlieben rekonstruieren. Man vergleicht sich – inwiefern lässt das Gesehene eine Identifizierung mit dem Dargestellten zu?

Sarah Fellners Gratwanderung zwischen den Welten, zwischen den Leben lässt ein spürbares Spannungsfeld im Betrachter zurück, sowie zahlreiche offene Fragen. Dabei ist genau dies die Absicht der Künstlerin:
„Ich möchte, dass meine Kunst mich erfüllt. Dass ich durch sie meine Gedanken durchbrechen und in eine andere Welt eintauchen kann. Jeder Mensch hat seine eigene Geschichte, fühlt und sieht die Welt subjektiv – dies möchte ich mit meiner Kunst sichtbar machen.“

www.sarahfellner.com

Eggenhofer Silvia

Bina Gabriele

gabina.art@gmx.net

www.facebook.com/ga.bina.50

0680 218 79 73

Einer meiner Lebensmittelpunkte ist die Malerei, Wien der geografische seit meiner Geburt im Jahr 1956.

Die Ausbildung zur Textildesignerin ermöglichte es mir mich kreativ zu verwirklichen und im beruflichen Umfeld als Grafiker in einigen Großunternehmen umzusetzen.

Da Lebenswege oft verschlungen sind, folgten in späteren Jahren Ausbildungen zur diplomierten SeniorInnenfachkraft und zur Klangschalenergetikerin.

Gut ging sie, die erste Ausstellung im Jahre 1978. Viele weitere sollten folgen. Im Laufe der Zeit entwickelt sich mein GaBina-Stil, welcher weder von Materialen, Techniken, noch Malstilen gebremst wird. Dessen hervorragendste Eigenschaft die flexible, sinnliche Auseinandersetzung mit dem Motiv ist.

Meine Tätigkeit als Malerin und Grafikerin zieht sich wie der rote Faden durch mein Leben. Meine Bilder dringen ans Licht und werden sichtbar auf Papier, Holz und Leinwand.

Eigene Werke stelle ich seit 1978 in diversen Ausstellungen im In- und Ausland zur Schau. Seit damals gehöre ich auch der „Berufsvereinigung der bildenden Künstler Österreichs“ an. Einige Werke befinden sich in privatem und öffentlichem Besitz in Österreich, Deutschland, Luxemburg und China, andere sind auf Anfrage auch privat bei mir zu besichtigen.

Im Katalog „100 Jahre BV – 100 Jahre Kunst in Bewegung“ befindet sich eine Künstlerbiografie.

„Verbunden und doch frei, die Kinder meiner Seele, sind Gefühle, Gedanken, Ideen und ergeben ein Sehen, Fühlen, Lieben. Jedes zu seiner Zeit, sind sie für mich von Bedeutung und wachsen aus der Freude zu erschaffen und wieder loszulassen, um Momente festzuhalten.

Sie erzählen – höre zu! Vernimm die stummen Worte. Fühle die Gedanken und löse sie auf. Spüre, dann bist du eins mit Dir!“

„Die in Wien geborene Künstlerin bringt ihre Intuitionen sowohl in gegenständlichen Arbeiten als auch in abstrahierten Werken zum Ausdruck.

Das vielseitige Schaffen beeindruckt einerseits durch präzise Arbeiten, anderseits durch Spontanität und Farbenreichtum.

Im Jahr 1978 präsentierte die Grafikerin erstmals ihre Werke in der Öffentlichkeit. Seither erfolgten zahlreiche Ausstellungen in Österreich. Die Kreative hält vielfältige Motive fest und trifft bedeutsame Aussagen. Gabriele Binas Wirken ist dem jeweiligen Thema angepasst, sie verwendet Aquarell, Acryl, Pastellfarben, sowie Tusche, Bleistift, Filzstift und artfremde Materialien“ um die Kreativität auszuleben.

Die Tätigkeit als freischaffende Malerin und Grafikerin begleitet Gabriele Bina schon fast ihr ganzes Leben.

Ihre Gemälde kommen in ihrer gestischen Leichtigkeit und farblichen Impulsivität meistens ungemein frisch und kräftig daher. Gabriele Binas Werke werden durch eine sehr dynamische und ausdrucksstarke Farbgebung zu ihren ganz persönlichen Schöpfungen.“

Ein Artikel über die Künstlerin geschrieben von Katerina Teresidi:

Die Künstlerin Gabriele Bina

Das Schaffen aus Freude am Malen zur Entwicklung der Kreativität im Leben – die Farbe als Antriebskraft, Kunst als sinnstiftende Beschäftigung im Alltag. Für die Künstlerin Gabriele Bina, die schon seit Kindertagen malt, regt die künstlerische Tätigkeit fortwährend neue Gedankengänge an, erfüllt das Leben mit Spontanität und verhilft auch in krisengeschüttelten Zeiten zu neuer Gelassenheit.

Ihre Ausbildung zur Textildesignerin ermöglichte ihr eine kreative Verwirklichung im beruflichen Umfeld. Im Laufe der Zeit entwickelte sie ihren eigenen „GaBina-Stil“, welcher weder von Materialen, Techniken, noch Malstilen gebremst wird. Dessen hervorragendste Eigenschaft ist die flexible, sinnliche Auseinandersetzung mit dem Motiv. Ideen gab und gibt es mehr als genug und oft reicht der produktiven Kunstschaffenden die Zeit nicht um sie alle zu verwirklichen.

Unverkopft

„Verbunden und doch frei, die Kinder meiner Seele sind Gefühle, Gedanken, Ideen und ergeben ein Sehen, Fühlen, Lieben. Jedes zu seiner Zeit, sind sie für mich von Bedeutung und wachsen aus der Freude zu erschaffen und wieder loszulassen, um Momente festzuhalten. Sie erzählen – höre zu! Vernimm die stummen Worte. Fühle die Gedanken und löse sie auf. Spüre, dann bist du eins mit Dir!“, lautet die Philosophie der Künstlerin.

Ganz unkompliziert und frei ist die Künstlerin dabei in ihrer Themenauswahl – ihre Motive wählt sie je nach momentaner Inspiration, durch Zufälle, oder sie ergeben sich durch Vorgaben von zahlreichen Ausstellungen, an denen sie sich seit 1978 beteiligt.

Ihr vielseitiges Schaffen zeichnet sich mehrfach aus: präzises Arbeiten, Spontanität und impulsives Farbenreichtum finden sich in ihren kräftigen Gemälden. Dargestellt werden Gefühle, erlebte Augenblicke und Gedanken. Auf diese Weise werden Gabriele Binas Werke durch eine sehr dynamische und ausdrucksstarke Farbgebung zu ihren ganz persönlichen Schöpfungen.

www.facebook.com/ga.bina.50